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02
ago
11

Gackt, Barcelona 2011: medio concierto al precio de uno entero

Saludos cosmonautas,

Gackt parece que es un hombre de palabra. Al final del concierto que suponía su debut en tierras catalanas, prometió que iba a volver. Un año después hemos vuelto a verle por aquí, esta vez en una sala bastante más grande (aunque sin agotar las entradas como hizo la primera vez). La lluvia estuvo a punto de impedir que se celebrase el concierto, ya que las goteras del Razzmatazz no debieron hacerle mucha gracia al equipo de Gackt, y un cartel advertía que si volvía a llover podría pararse el concierto. Afortunadamente la lluvia respetó al astro musical japonés, aunque nosotros no seremos tan benevolentes esta vez. Pero vamos por partes.

La primera sorpresa de la noche, para aquellos que estábamos menos informados, fue la aparición de un segundo cantante: “¿dos Gackt?” – pensamos en ese momento. Sin que sepamos muy bien el motivo, parece que Gackt ha reclutado a este tal Jon (de la banda japonesa Fade), un americano de 30 y pocos años, que prácticamente actúa como si fuese un doble suyo (doblando las voces del divo, pero también tomando el protagonismo en algunos fragmentos). Se hizo bastante raro ver a alguien que compartía escenario siendo más que un segundón, algo desconcertante teniendo en cuenta que prácticamente todo se ha centrado siempre en la figura de Gackt (y es lo que esperan las fans). Pero también es cierto que ahora el músico parece dar más importancia a la banda “Yellow Fried Chickenz” que a si mismo, y es que su nombre no aparece en las camisetas, en los CDs aparece bastante pequeño, e incluso ha anunciado que editará un Single bajo el nombre de la banda. Quizás este segundo vocalista sea una vuelta de tuerca más para crear esta banda menos centrada en su figura, pero en el concierto demostró, muy a pesar de Jon, que sigue siendo quien manda y a quien todo el mundo quiere ver (¡ya veremos qué pasa con el becario!).

Aunque la presencia de este segundo cantante podía hacer pensar que el concierto iba a ser muy distinto, si salvamos este detalle, veremos que el concierto fue casi calcado al del año anterior. Después de haber visto ya unos cuantos, tenemos claro que los artistas japoneses, por lo general, dejan pocas cosas al azar. Todas las poses de Gackt y Jon estaban más que ensayadas, todo estaba coreografiado al detalle, incluso para el resto de miembros de la banda. Y si tenemos en cuenta que las canciones fueron casi las mismas, y que incluso el momento “destripe de camisa” fue calcado al anterior, el efecto sorpresa queda totalmente anulado. Aún así, los músicos japoneses son buenos, o muy buenos. Y Gackt es un gran cantante. Así que su labor musical es intachable, lo bordaron, y fue una gozada. De eso no os quepa ninguna duda.

Pero hubo algo que realmente molestó a muchos de los asistentes, algo que ya criticamos el año pasado: los larguísimos momentos “adoremos a Gackt”. Lo del año pasado nos parecía algo relativamente aceptable, sobretodo teniendo en cuenta que los fans tenían muchas ganas de mostrar todo su amor, histerismo, y sostenedores a Gackt. Pero siendo este el segundo concierto en un año, no entendemos esos parones en los que se pasan tranquilamente diez minutos haciendo aplaudir y gritar al público.

Estos largos paréntesis se repitieron unas cuatro veces, y a esto hay que sumarle los 2 o 3 minutos entre canción y canción para darnos cuenta de que, a pesar de que el concierto se alargó casi dos horas (bastante más que el año pasado), en realidad el número de canciones que tocaron fue prácticamente el mismo. Si bien a las fans más locas les puede gustar todo esto, y es lo que estaban deseando hacer (aunque acabaron tan agotadas que apenas gritaron para el bis), a aquellos que venimos a ver un concierto nos puede echar para atrás. Reconocemos que esa parte de diva de Gackt nos gusta hasta cierto punto, básicamente porque nos reímos mucho con ese juego del cantante, pero como suele pasar con todo, si te pasas, aburre. Y es posible que todos aquellos curiosos que vinieron por primera vez para ver quien era este tal Gackt, es posible que no vuelvan nunca más a uno de sus conciertos. Y es que a pesar de el buen hacer musical de la banda, pagar 40 euros y que de las dos horas de concierto más de una tercera parte del concierto consista en ver a los protagonistas en plan diva, no será del agrado de muchos.

Y con esto llegamos a otra de las críticas que deberíamos hacerle a Gackt; la promoción. Como ya hemos dicho, los japoneses nunca dejan nada al azar, y en el terreno musical, que a veces puede ser algo más laxo en algunos temas, no es una excepción. El control mediático parece que es absoluto, y todo tiene que pasar por su filtro (¿de ahí que en las revistas japonesas en lugar de “críticas” todo sean alabanzas y peloteos? – parece que los blogs europeos pecan de esto también). Queremos pensar que el desconocimiento de como funciona la prensa musical en Europa sea la responsable de su negativa, una vez más, a dar entrevistas. Quizás, al ver que no podrán controlar lo que se publica, prefieren evitar completamente la prensa. Pero, ¿de verdad le beneficia a Gackt no aparecer en los medios? Estamos más que convencidos de que no.

Gackt demostró en su primer concierto que podía agotar las entradas de una sala de capacidad media (media-baja), algo que no ha conseguido aún ninguno de los grupos de JRock que ha pasado por aquí. Pero al hacer el salto a una sala de más envergadura como es Razzmatazz, aunque parece que la asistencia fue decente, el resultado no es todo lo bueno que quizás esperaban. La mayor parte del público sigue siendo el mismo, no ha variado, no ha crecido, y son aquellos que sin promoción alguna se enterarán de todas formas. Nos parece de cajón que cualquier banda, por muchos fans radicales que tenga, necesita promocionarse en todos los países o ciudades a las que va. Y promocionarse con un cartel en la calle no sirve de mucho si el público no sabe quien eres, algo que sí se consigue apareciendo en revistas, radios, blogs/webs, y televisión. Lógicamente no esperamos encontrar a Gackt en los medios más generalistas (aunque no lo descartamos), pero está claro que hay canales a través de los cuales los músicos japoneses pueden llegar con gran efectividad a su público potencial, y conseguir que el número de asistentes a futuros conciertos vaya en aumento.

Por ahora, este vídeo, que publicamos el año pasado, sigue siendo vigente:

A pesar de las críticas que le lanzamos, siempre desde el más profundo respeto y admiración, tenemos claro que estaremos en el próximo concierto. Porque a pesar del exagerado divismo, Gackt y compañía siguen siendo grandes músicos, sus canciones siguen siendo un buen ejemplo de que se puede hacer música comercial sin renunciar a la calidad ni a la contundencia, y aunque las pausas sean algo irritantes, disfrutamos cada una de las canciones que tocan en directo, ¡esperemos que la próxima vez sean más!

07
jul
11

Aikawa Nanase: la chica mala del JRock

Saludos cosmonautas,

este es un post que deberíamos haber hecho hace tiempo, y es que como os comentamos en su momento en el post sobre nuestra japonofilia, una de los motivos por el cual nuestra fijación por Japón siguió adelante fue la música, y más concretamente, la música de Nanase Aikawa (相川 七瀬), que nos abrió las puertas al mundo del JRock.

No es que Nanase fuese el primer contacto que teníamos con la música japonesa, ya conocíamos a X Japan, a los extremos Sigh, y habíamos intuido algo llamado Visual Kei viendo unos vídeos de Malice Mizer. Pero Nanase fue la primera artista japonesa que empezamos a seguir de verdad, y en realidad, el mérito no fue todo suyo, fue del ex-guitarrista de Megadeth. Recordamos perfectamente, un 8 de mayo del 2003, como nos sorprendió la noticia de que Marty Friedman, uno de los guitarristas más espectaculares del Metal, se había puesto a tocar con una cantante japonesa. Era algo que descolocaba, y la curiosidad nos llevó al siguiente vídeo:

Sorprendidos nos quedamos al ver una artista “Pop” que le daba cierta importancia a las guitarras (el fichaje de Marty Friedman lo hacía patente), además, tenía algo diferente a lo que estábamos acostumbrados (una sensación que se tiene a menudo con la música japonesa). Como no podía ser de otra manera, seguimos indagando en la carrera de esta atractiva rockera, descubriendo varios de sus hits, y dándonos cuenta de que la música japonesa jugaba con otras reglas. Sólo para empezar sus Singles son mucho más largos; pueden durar 5 minutos tranquilamente, cuando aquí cualquier productor no quiere pasar de los 3 minutos (una vez preguntamos a un japonés experto por qué motivo en Japón las canciones Pop eran más largas que en occidente – seguimos esperando la respuesta).

Otra cosa que nos sorprendió mucho fue la capacidad que tienen estos artistas por cambiar de estilo con cada Single, y seguir manteniendo cierta coherencia a pesar de todo. Es cierto que las típicas divas del Pop americano también suelen hacer cambios radicales de estilo, y que no deja de ser una maniobra comercial para captar más público, pero sigo convencido de la mayor calidad, o mayor ambición, de los compositores Pop japoneses, en general (que nunca le han hecho ascos a usar guitarras de verdad y son algo más “auténticos” en lo que hacen).

No vamos a engañar a nadie, a pesar de tener un papel en la composición, Aikawa también ha tenido un productor detrás, y de hecho, llegó a ser cantante a través de un casting. Pero eso no quita que estemos hablando de una rockera de corazón. Dejó los estudios a los quince años para dedicarse a la música, pero ya por esa época había tenido tiempo de liderar una banda de “delincuentes juveniles”. No sabemos si tiene alguna relación o no, pero atención a este vídeo de uno de sus temas más famosos, “Koigokoro”, en el que hace de niña mala, muy mala, al más puro estilo John Woo y con final apoteósico.

Con el tiempo fuimos descubriendo muchos más canciones, y es que la chica lleva activa desde 1995, que no es poco. De hecho, aunque no sea una Ayumi Hamasaki ni una Utada Hikaru, se puede decir que es una de las referencias femeninas del JRock. Prueba de ello es que ha proporcionado openings de varios anime, e incluso, el tema principal de Kamen Rider Blade y otro para Kamen Rider Kiva.

Pero los amantes del anime quizás la recuerden por el opening de Inuyasha (no es nuestro caso).

Aunque hoy en día conocemos a muchísimos músicos japoneses, Nanase Aikawa sigue siendo una relativa desconocida para la mayoría de fans del JRock o JPop. Aún así, no sabemos si fue la influencia de Marty Friedman o no, pero en 2004 se hicieron dos versiones de una de sus canciones más famosas. ¡Vamos a comparar!

La única e inimitable

Versión de Jennifer Ellison (¿recordáis lo que os decía de las guitarras de verdad y la autenticidad?)

Versión de Play (llámalo versión, llámalo hago una traducción libre y a tomar por culo)

Tenéis un montón de vídeos por descubrir en YouTube, y descubriréis la versatilidad y el buen hacer de esta chica.

23
jul
10

La camiseta de Gackt, ¡inocente!

Saludos cosmonautas,

este es un post que me veo obligado a hacer por demanda popular, y es que los comentarios via Twitter, así como una ligera mención en el post sobre el concierto, han provocado una buena cantidad de risas y peticiones para que mostremos la camiseta que Urías, inocentemente, compró en el concierto de Gackt. Hemos comprobado además que no hemos sido los únicos en llevarnos una sorpresa…

La camiseta es harto sencilla, sólo tiene un poco de texto, pone “Yellow Fried Chickenz” en un costado…

La verdad es que en el stand del merchandising, tal y como estaba expuesta, tenía buena pinta, y no parecía tan “femenina” como realmente es… pero estábamos intrigados, ya que no veíamos ni por delante ni por los costados que se hiciese mención alguna a Gackt, algo de esperar en cualquier camiseta de concierto. Así que le pedimos a la Comandante que mirase por detrás, para ver que ponía, y después de una gran carcajada nos contó lo que llevábamos escrito bajo el cogote…

Una gota de sudor fría nos recorrió la espalda… Gackt nos la había metido doblada… ¡y por detrás! ¡donde más duele!

22
jul
10

¡Busco a Gackt! (en Barcelona)

Saludos cosmonautas,

ya hemos dicho por activa y por pasiva que no conseguimos entrevistar a Gackt, pero esto no significa que nos rindamos fácilmente. Aquí en la Arcadia somos luchadores natos, ¡que por algo tenemos una bandera pirata! Así que antes del concierto (podéis leer la reseña aquí), empezamos a dar vueltas por Barcelona para ver si conseguíamos toparnos con el nuevo rey del pollo frito (amarillo).

Mamonaku Films presenta un nuevo video que supone nuestra primera incursión en el mundo de la prensa rosa #TLQM. ¡Busco a Gackt!

¡Muchas gracias a@harriken por su ayuda!

21
jul
10

Gackt, 20/07/2010 Barcelona

Saludos cosmonautas,

y finalmente llegó el día, el día en que una cantidad nada desdeñable de corazones adolescentes, y no tan adolescentes, se rompían al unísono cuando Gackt aparecía en la Sala Salamandra de Hospitalet de Llobregat, en Barcelona. Hacía meses que esperábamos, y a pesar de no haber podido poner la guinda del pastel con esa ansiada entrevista, fue un día feliz.

Hace ya unos cuantos años que seguimos las andaduras de “la gakuta”, que así es como le llamaban en un LiveJournal muy divertido dedicado al artista (desaparecido hace años), una de nuestras primeras fuentes de información sobre el ex-Malice Mizer, y después de haber intentado ir a algún concierto suyo en Japón, de forma infructuosa, y desear con pocas esperanzas que llegara a tocar en Europa, finalmente se presentaba una ocasión que no íbamos a dejar escapar.

Aunque llevábamos años esperando este día, parece que no nos lo tomamos tan en serio como algunas fans. Según fuentes fidedignas, hubo gente haciendo cola delante de la Sala Salamandra durante cinco largos días. Y la cantidad de mierda acumulada en la calle, así como unas esterillas ya abandonadas cuando se abrieron las puertas del recinto, eran una buena prueba de ello. El fenómeno fan nunca deja de sorprendernos. Y reconforta nuestra mente, porque así no nos vemos tan locos nosotros mismos. En cualquier caso, pasadas las siete entrábamos en la sala, bien acompañados por nuestros amigos de Ramen Para Dos, para darnos cuenta de que definitvamente Gackt había conseguido llenar la sala, y colgar, literalmente, el cartel de “entradas agotadas”. En esos primeros momentos, había una larga cola para hacerse con el amplio y variado stock de merchandising de la gira “Yellow Fried Chickenz”. Nosotros haríamos lo mismo durante el concierto, cuando no hay absolutamente nadie, para hacernos con la camiseta (de la cual nos arrepentimos…) y el CD pertinentes.

Un supuesto “secretario de Gackt”, anunciaba por microfonía, y con un decente y soez inglés,  las distintas normas del evento, entre ellas la estricta prohibición de sacar fotos o hacer grabaciones, incluso con el móvil (y hubo alguien que comprobó que no eran amenazas en vano). El muy chistoso secretario anunció que se apagarían incluso las luces de emergencia, y que en caso de haber una, practicaríamos todos juntos el harakiri para morir con dignidad. Increíble. Y así pasó el rato hasta que…

Las luces empezaron a apagarse lentamente, los miembros del Gackt Job (la banda de Gackt), ocupaban sus huecos en un escenario mucho más pequeño de lo que están acostumbrados. Y sí, por fin, una presencia llenaba de golpe el local, se subía a una pequeña plataforma expresamente para él, y se desataba la histeria en la Salamandra. Gackt había llegado, y cuando empezaba “ZAN”, uno o dos sujetadores volaron directamente hacia el escenario para darle la bienvenida.

El sonido no empezó muy bien. Apenas se oía a Gackt, y el resto era un poco barullo, pero el técnico estuvo atento y bajó la música y le dió más protagonismo a la voz. No podemos quejarnos de no haber podido oír a Gackt, pero lo cierto es que la música ha quedado en un segundo plano, una auténtica lástima si tenemos en cuenta que los miembros de Gackt Job son muy buenos. Así pues, los solos de Chachamaru, a quien algunos confundieron con una mujer cuarentona, se intuyeron más que se escucharon, pero parecían realmente buenos…

Siguieron más o menos con el mismo orden que en “Are you fried chickenz?”, el recopilatorio que se ha sacado de la manga para promocionarse en Europa, y por lo tanto, el segundo tema fue “Dybbuk”, que no es uno de nuestros temas favoritos precisamente, pero que queda bien en directo (a pesar que parte de la voz sea en un playback como una catedral). Con constantes “motherfuckers” y “brothers and sisters”, Gackt nos mostraba su lado más agresivo, y contenía hasta cierto punto esa faceta más amanerada que también les conocemos. Quizás fuera para conseguir la complicidad de los “brothers”, es decir, los hombres de la sala, que cabe decir fueron muchísimos más de los esperados. ¡Somos muchos, reivindiquemos nuestra hombría a pesar de ser fans de Gackt!

Pero que ninguna chica (y algunos chicos) se asuste, Gackt tuvo un montón de lindezas para ellas, con su elenco de poses más que estudiadas las encandilaba a todas, y ese paquetón que mostraba también las llevaba a todas locas (algunas aseguran que iba sin calzoncillos, nosotros creemos que en realidad era un calcetín paquetil).  Además, ese día, un montón de catorceañeras experimentaron su primer orgasmo, acompañadas de sus padres, cuando Gackt se arrancó violentamente la camisa, sacándole el ojo a más de una fan con los botones que salieron disparados, pero ellas más que contentas. Mucho erotismo, pero eso sí, nada de alcohol en las barras debido a la presencia de esas mismas menores.

Y Gackt contento de sentir el calor del público, tanto, que no le importó pasar uno, dos o tres ratos con la música en “stand by”, disfrutando de los gritos de las “sisters”, los “brothers” y toda la “family”. Algo que, sinceramente, se hacía un poco pesadete, y con la cantidad de tiempo que dedicaba a animar el público, bien podría habernos ofrecido uno o dos temas más. Pero había necesidad de adoración, mucha gente llevaba años esperando poder aclamarle, y a Gackt eso le daba confianza, la seguridad de saber que no se había equivocado con esta gira europea.

Al final, como parece que ha ido haciendo en toda la gira europea, Gackt prometía volver y nos hacía prometer a nosotros lo mismo. Y puede estar seguro de que nosotros estaremos ahí… intentando entrevistarle.

En definitiva, podemos decir que el primer desembarco de Gackt ha sido por la puerta grande, arrasando en toda Europa, y ofreciendo un directo más que sólido, (tanto en lo musical como en lo vocal) algo que nosotros no dudábamos en absoluto,  y nos ha reconfortado poder comprobar que esa pedazo de banda, y este gran vocalista y showman, son reales, y no un producto prefabricado de tierras lejanas. Hemos comprobado estos días que el control sobre la carrera musical de Gackt es muy grande, que todo está diseñado al milímetro, pero cuando hay talento, se nota. 

19
jul
10

D’espairs Ray, visual del siglo XXI

Saludos cosmonautas,

queda poco más de un día para que finalmente podamos ver a Gackt actuando en tierras catalanas, y aunque no hemos podido conseguir una entrevista, seguimos igual de entusiasmados por el concierto. Seguimos entonces con nuestro repaso al mundo del Visual Kei y el JRock que llevamos haciendo desde hace un mes. A lo largo de estos posts hemos hablado de bandas de 1a, 2a e incluso 3a generación. Si la primera estaría formada por bandas “fundadoras” del estilo como X Japan, Luna Sea o Shazna, y la segunda por los que realmente dieron una forma más o menos definitiva como Malice Mizer, hoy vamos a hablar de una banda de 3a generación, la que surgió justo cuando la 2a ya languidecía un poco (aunque muchas bandas se “reinventaron” y siguen al pie del cañón).

Hablamos pues de Déspairs Ray, un grupo de Visual Kei que surgió justo cuando empezaba el boom en tierras europeas y americanas, y que hoy en día es una de las bandas de referencia del movimiento. Se fundó la banda en 1999, justo cuando Malice Mizer anunciaron su descanso indefinido, y lo hicieron como banda independiente sacando poco a poco varios Singles o Mini-Álbums, varios de ellos aún en formato cassette.

Así es como sonaban Déspairs Ray en uno de sus primeros EPs, “TERRORS”, con el tema “Fascism”.. .

En esa época, el sonido de Déspairs Ray se parecía mucho al de las bandas de Visual Kei de reciente aparición, y en el que seguramente se notaba la influencia de Dir En Grey, una banda que estuvo a caballo de la 2a y 3a generación. Así pues, nos encontramos con un sonido muy Metal, algunos incluso lo llaman Nu-Metal, pero con mucha más mala leche y unos giros mucho más oscuros, que nos llevaban a pensar más en los sonidos del Metal Industrial. Otro ejemplo, del mismo EP, que muestra algo más de melodía (algo básico en los grupos de Visual Kei, por muy duros que fueran):

A nivel estético, y como es habitual, D’espairs Ray se asemejaban a la mayoría de bandas de su categoría, pero pronto empezaron a destacar por la sobriedad. Flirtearon muy poquito con los colores que veríamos en otras formaciones, y parecieron adoptar un look mucho más gótico-siniestro, con el negro como principal color.

Después de 4 años de Singles de baja tirada, pero que acababan siempre agotados, llegaría “Garnet” en 2003, que para un servidor fue la primera toma de contacto con Déspairs Ray, y seguramente también para muchos europeos. Su sonido, algo más pulido, con unos tintes góticos e industriales, junto a esa estética más siniestra, les convertían en unos buenos candidatos para entrar a Europa sin asustar a nadie. De hecho, salvando las distancias, se parecían bastante estética y musicalmente a los entonces también emergentes Deathstars, banda sueca de Metal siniestro-industrial.

A partir de estos dos Singles el sonido de Déspairs Ray ya empezaba a estar muy definido, y aunque seguía manteniendo parecidos con otras bandas, como por ejemplo Kagerou, ya se podía distinguir un sonido “marca de la casa”, un estilo propio que a menudo es señal de éxito.

Como decíamos, su entrada en Europa con estos dos Singles era inminente, y en 2004, sin ni siquiera tener un álbum completo bajo el brazo, Déspairs Ray hicieron su desembarco en tierras europeas, dando unos ya míticos conciertos en París y Berlín. Después de este logro la banda despegó definitivamente, incluso en Japón, donde se les reconoció el mérito de llegar a tocar en Europa. Y así, finalmente, después de 6 años de EPs y Singles, llegaba el primer álbum completo de la banda: “Coll:Set” (2005).

Con este álbum acabaron de pulir lo que habían iniciado con “Born” y “Garnet”, y empezaron a llevarlo hacia un terreno algo más comercial, dentro de unos límites, explotando algo más su lado melódico, pero sin renunciar aún a la agresividad, rapidez y desenfreno que les caracterizaban.

El álbum les llevó a seguir con su expansión a nivel internacional, volvieron a Europa y se fueron de gira por Estados Unidos. Y si en Japón algo es señal de éxito musical, es la contínua aparición de CDs, DVDs, etc., se podría decir que Déspairs Ray empezaban a bordarlo, editando un documental, su segundo DVD en directo, reediciones de sus Singles, etc. Con todo este éxito llegó también “Squall”, que podríamos decir fue su primer gran tema “comercial”, señal de que las cosas empezaban a cambiar…

Si les había costado mucho sacar un primer álbum, el segundó no tardó demasiado, y en 2007 aparecía “Mirror”. Podríamos decir que “Coll:Set” inició una nueva etapa para la banda, pero al mismo tiempo parecía ser el colofón estilístico de los primeros años de la banda, o quizás un impasse que llevaba hasta este nuevo “Mirror”. En el segundo álbum ya empezaba a costar identificar aquella banda tan agresiva e industrial de los primeros trabajos, e incluso del álbum anterior. En realidad no fue un cambio radical, ya que Déspairs Ray habían seguido sacando Singles, cambiando poco a poco, y eso hace que este tipo de transiciones suenen más naturales.”Trickster” fue uno de los primeros Singles del nuevo álbum, y veremos que aunque se mantienen el tipo de composiciones, se han desprendido de las capas de oscuridad que les cubrían anteriormente, y su actitud (y estética) es algo más “rocker” que Metalera…

Entrando ya en un terreno más subjetivo, os diría que fue a partir de “Mirror” cuando Déspairs Ray empezaron a aburrir. No es que sus temas fueran malos, ni que renegásemos de su estilo más comercial, pero la banda parecía haber encontrado una fórmula, de la cual aún no se ha desprendido. Así pues, “Kamikaze”, “Brilliant”, “Horizon”, algunos de los Singles de su penúltimo álbum “Redeemer” (2009), sin ser malos, ya son más de lo mismo. Debemos reconocer que nos gustan estos temas, pero algo no acaba de estar bien del todo si nos cuesta distinguir los temas entre ellos.

No hace falta ni decir que su giro hacia las fórmulas de éxito también viene acompañado de un alejamiento de la estética Visual Kei, etiqueta que seguramente ya no sea aplicable a Déspairs Ray, y sus pintas actuales podrían ser las de cualquier artista de JRock, o incluso de cualquier banda de Rock americana. De hecho, su vestimenta completamente blanca que lucieron con el Single “Brilliant” ya es toda una declaración de intenciones. Así les pudimos ver en el “hide memorial summit” de 2008, en el que nosotros estábamos presentes  y a pocos metros del escenario (aunque pasamos la mayor parte de su actuación haciendo cola en los lavabos).

A pesar de que su etapa más reciente no nos haya entusiasmado tanto como sus inicios, Déspairs Ray siguen siendo una banda vital dentro del Visual Kei, y si os ha gustado lo que habéis oído, seguro que no perderéis el tiempo investigando un poco más sobre esta banda nipona. Nosotros, les daremos una nueva oportunidad con “MONSTERS”, su álbum más reciente. Y si les pedíamos que variasen un poco… parece que nos han hecho caso:

Al finalizar el post nos enteramos de que el 15 de Julio nos dejaba a los 32 años Daisuke, quien fue el vocalista de los anteriormente citados Kagerou y The Studs. Dejamos aquí uno de los temas más populares de Kagerou como recuerdo.

16
jul
10

Gackt no quiere prensa en su gira: una reflexión

Saludos cosmonautas,

ADVERTENCIA: Ya que el tema en cuestión es fácilmente polemizable, queremos, ya de entrada, advertir que no se ha escrito este post con ánimo de ofender a nadie, ya sean artistas, fans, promotores, o cualquiera que pueda sentirse aludido. Si existe una dosis de crítica en este escrito es, sin duda alguna, una crítica constructiva. Admitimos que nuestro desconocimiento de algunos entresijos puede llevarnos a hacer apreciaciones erróneas, y si es así, pedimos disculpas por ello. Pero también creemos que es muy positivo que se hagan reflexiones de este tipo, especialmente cuando estamos hablando de un fenómeno emergente como es el de las bandas japonesas que empiezan a tocar fuera de sus fronteras.

Apenas quedan unos días para que se celebre el primero concierto de Gackt en nuestras tierras, y después de varios días de contacto con los promotores del concierto, muy amablemente nos han hecho saber que el artista no tiene intención de dar entrevistas, y ni tan siquiera pases de prensa o de foto para cubrir el evento. Sabíamos que sería difícil conseguir audiencia con el mismísimo Gackt, no era la primera vez que lo intentábamos, y ya partíamos con pocas esperanzas (por no decir casi nulas).  Entendemos que Gackt, muy legítimamente, podría estar interesado en aparecer exclusivamente en los grandes medios (prensa, TV), y no en blogs como este, y ni tan siquiera en Ramen para Dos, pero a no ser que Gackt disponga de un cobertura informativa “propia”, esto de decidir que no se va a conceder ninguna entrevista ni pase de prensa nos parece, simplemente, un error.

Los promotores del concierto nos han dado su opinión al respecto, y simplemente entienden que lo que Gackt quiere con este concierto es tener un acercamiento íntimo con los fans, algo que es más difícil que pueda hacer en Japón. También nos ha recalcado, y estamos de acuerdo con ello, que las bandas japonesas suelen tener un contacto mucho más directo con sus fans, y por lo tanto, la prensa no es tan vital como suele serlo para las bandas occidentales. Pero aún así, Gackt no es aquí la mega-estrella que es en Japón (algo que X Japan ya han comprobado al intentar montar un macro-concierto en París y fracasar), y por lo tanto las reglas de juego deberían ser algo diferentes, al menos mientras siga siendo un artista cuyo nivel de penetración es muy bajo aún… recordemos que es difícil, o imposible, encontrar un CD suyo en las tiendas de discos del Estado Español (ai, ¡cuánto les deben los grupos japoneses a las descargas “ilegales”!).

En cualquier caso, no sabemos qué aspiraciones tienen las bandas niponas en general, y Gackt en particular, cuando vienen a tocar a España, pero si lo hacen debe ser para conseguir llegar a más público, aunque casi nos digan lo contrario en este caso. No se puede decir que en este país el Visual Kei sea un fenómeno de masas, y aunque Gackt haya sido el primero de estos grupos japoneses en colgar el cartel de “entradas agotadas” en Barcelona, eso no significa que su poder de convocatoria esté al mismo nivel que los grandes de aquí (volvemos a remarcar que el contexto es muy distinto). Las entrevistas y las crónicas de conciertos hacen que se hable de un artista antes y después del concierto, dicen que no existe la “mala publicidad”, y creemos que si alguien necesita que se hable de ellos son las bandas japonesas de Visual Kei y el propio Gackt, al menos si quieren conseguir una mayor proyección a nivel internacional. De hecho, os animamos a buscar por Internet cuales son los pasos necesarios para cualquier banda para promocionarse,  dar conciertos es indispensable, pero en algún punto siempre aparecerá también “contactar con la prensa”.

Como habéis visto en la Arcadia, nosotros ya tuvimos ocasión de entrevistar algunas de las primeras bandas de Visual Kei en pisar estas tierras, pero ahí también pudimos comprobar el poco aprecio que sienten por la cobertura mediática. El principal problema, que se ha discutido mucho, es la prohibición de sacar fotos o videos en los conciertos. Lógicamente esto no es nada nuevo si hablamos del público, es una simple medida de control de la imagen del artista, no quieren ni conciertos piratas, ni fotos suyas corriendo por ahí sin que tengan constancia de ello. Y hasta aquí es entendible. Pero el empeño que ponen en ello es exageradísimo, tanto, que incluso prohiben a la prensa sacar fotos (y está claro que la prensa es mucho más controlable y censurable si así lo estiman).

Llegados a este punto, se nos plantea un dilema: ¿hacemos o no hacemos una crítica del concierto?

¿Sería de recibo que le hagamos promoción a un artista que no quiere cobertura mediática? Está claro que es una decisión nuestra hacerlo o no (en cierto modo, ya lo hacemos), y teniendo en cuenta que no nos ganamos la vida en ello y que todo lo que hacemos en el blog es por puro placer, podríamos hacer un post porque como admiradores del artista lo íbamos a disfrutar. Además, seguramente a muchos de nuestros lectores les interesa.  Pero cuando estábamos en una revista más o menos profesional no había duda de que si no había ni pases ni entrevistas ni CDs promocionales, no se iba a hablar de un grupo. Ahí había una inversión de dinero importante, y por lo tanto, a nadie se le pasaría por la cabeza pagar por CDs o entradas de conciertos para luego hacer promoción de las bandas, a quien poco les cuesta dejarte entrar o mandarte un CD promocional (que prácticamente nunca son como los CDs que se ponen a la venta, son de cartón – si es que aún lo hacen así y no los proporcionan en mp3, hace años ya que no estamos en el mundillo). Pero hay que tener en cuenta también que, a pesar de no ser “profesionales” (y ese es otro debate hoy en día), nosotros hemos puesto “nuestros servicios” a su disposición, hemos gastado un tiempo en contactar con los promotores, en hablar con gente para que nos ayudara, y todo ello para hacer una entrevista al músico, que en definitiva es promoción gratis para él, ¿todo este tiempo tiene valor? ¿tiene un precio?

Así pues, no tenemos muy claro aún si Gackt se merece que hagamos una reseña del concierto o no. ¿Realmente no concede entrevistas ni pases de prensa porque lo único que pretende conseguir con estos conciertos es hacer un “regalo” a los fans? ¿O simplemente no le dan valor a la cobertura mediática que se le puede dar al concierto?

13
jul
10

The Gazette, el visual kei más fashion

Saludos cosmonautas,

aunque esta semana hemos cambiado de día, seguimos con nuestros posts sobre Visual Kei, cuando sólo queda una semana antes de que finalmente Gackt actue en Barcelona. Hoy queremos hacer un post dedicado a la que ha sido una de nuestras bandas favoritas del estilo en estos últimos años, una banda de segunda, o casi podríamos decir tercera generación dentro del Visual Kei, y que actualmente son de los grupos más populares. Hoy hablaremos de ガゼット, the GazettE.

A pesar de que sean de 2a o 3a generación, the GazettE ya llevan una cantidad de años de experiencia nada desdeñable, especialmente si tenemos en cuenta que muchas bandas de Visual Kei tienen una vida media bastante corta. Su longevidad es también la responsable de que podamos hablar de varias fases en el desarrollo de la banda, y es que su sonido ha evolucionado mucho con el tiempo, algo que intentaremos explicar con este post.

Los inicios de la banda se encuentran en una banda llamada Ma’die Kusse (un nombre muy típico de las bandas de Visual Kei de la época, incomprensible y con apóstrofes), formada en el año 2000, cuyo sonido se englobaba dentro de las vertientes más extremas del Visual Kei, o dicho de otro modo, de las menos comerciales.

Ma’die Kusse, antes de convertirse en Gazette.

En 2002, y después algunos cambios de formación, cambiaron su nombre a ガゼット (Gazette), y empezaron con el sello Matina, que por esa época era la responsable de la mayor parte de bandas clon que existían en el panorama “visualkeyero”, y en realidad seguían un poco las normas habituales en cuanto a sonido y estética. Muchas de estas bandas de Matina no destacaron especialmente por su calidad u originalidad, pero al final sí que dieron sus frutos: Miyavi salió de una banda de Matina, y por supuesto, the GazettE.

Pero apuntaban maneras. En sus primerísimos trabajos ya se pueden escuchar algunos de los rasgos característicos de la banda que, a pesar de su evolución, se han mantenido en muchas de sus composiciones, como puede ser un toque algo funk en sus guitarras, o los cambios repentinos, en los que cortan por completo la canción y te salen con un cambio de tempo y de tono muy impactante.

No durarían mucho en Matina, ya que en 2002 el sello cerró definitivamente, y muchas de sus bandas se pasaron a PS Company, un sello con muchas posibilidades y responsables de sacar adelante muchas de las bandas punteras del Visual Kei de última generación (alice nine., Kra, SuG…). En esta época, Gazette estaban en un plan bastante experimental y destroyer, en el que parecían experimentar mucho con sus composiciones, las sonoridades, y los distintos estilos, aportando algo más de contundencia. Podríamos decir que era una época mucho más “siniestra” para Gazette. Y aquí tenemos un ejemplo…

Pero las bandas japonesas en general, y las de Visual Kei en particular, si se caracterizan por alguna cosa, es por la tremenda variación en sus estilos. De un Single a otro puede haber una diferencia abismal. Y si en el anterior video la imagen era inquietante y el sonido con un estilo muy industrial, que nos recordaba muchísimo lo que estaban haciendo Dir En Grey en ese momento… en el siguiente tema, que se incluía en el mismo disco, nos aparecían de esta guisa…

¿Agresividad? Por supuesto. Pero algo más de melodía y unas pintas mucho más elaboradas (¿más presupuesto?). Gazette no tenían problema alguna en mezclra en un mismo Mini-Album estilos bastante diferentes. Así pues, en el importante mini titulado “Madara” (2004), Gazette mostraban todas sus cartas, las más antiguas, las más presentes, pero también las más futuras. Un ejemplo puede ser la semi-balada “Sumire”, que ya rompía por completo la poca homogeneidad del trabajo.

Pero a partir de “Madara”, y en los siete meses que faltaban para que llegase su primer Álbum, “Disorder” (2004), la banda ya empezó a alejarse de ese lado más industrial-experimental, e incluso de los toques Nu-Metal siniestro típicos de Dir En Grey, para empezar a desarrollar plenamente su estilo más genuino, aquel que ya estaba presente en sus primeras composiciones. Y el cambio no era únicamente musical, ya que en los grupos Visual Kei esto siempre va acompañando de un cambio estético. El estilo “Fashion Visual Kei” de Gazette empezaba a fraguarse…

Y poco después llegó el mencionado “Disorder”, que no lo hizo nada mal en cuanto a ventas durante su primera semana, y que finalmente colocaba a Gazette entre los más grandes dentro del mundo indie. Al mismo tiempo empezaban a entrar con fuerza las guitarras acústicas en sus composiciones, y todo se suavizaba un poco, aunque sin perder su esencia.

Aunque la canción anterior parezca demostrar lo contrario, Gazette no habían perdido aún toda su mala leche, su versión más Metal y contundente. Que conste que ya os hemos advertido de la facilidad con la que mezclan distintos estilos en un mismo disco… “The $ocial Riot Machine$”…

Pero sí, como os decíamos, las guitarras acústicas empezaban a tomar mucho más protagonismo, así como las baladas o “power-ballads” si queréis. Y justo antes de empezar a reeditar su material antiguo, señal de que las cosas empiezan a irle bien a una banda, se sacaban de la manga el ya mítico single “Reila” (o Layla).

Que nadie se confunda, no estamos en absoluto insinuando que Gazette se estaban vendiendo ni nada parecido, no es nuestro estilo. Simplemente entendemos que la banda necesita evolucionar. Y no siempre es fácil hacerlo con dignidad, respetando los orígenes, y eso es algo que Gazette han sabido llevar bastante bien. “Reila” nos parece una buena balada, pero con “Gama” (2005), su siguiente mini-album, nos ofrecieron “Cockroach”, otro mítico tema, al menos para nosotros, con la contundencia metálica habitual, y ese toque “raro” tan típico de la banda (¿dice “Thrash Metal” al principio?). Por cierto, el sonido pobre del principio… forma parte de la canción.

Si “Disorder” sirvió para presentarles a una mayor audiencia y colarse entre los mejores grupos Indie, su siguiente disco, “NIL” (2006), no sólo es uno de los mejores trabajos (donde su estilo finalmente “cristaliza”), sino también el que más les ha servido para catapultarse a la fama del Visual Kei, no sólo a nivel japonés, sino también para empezar a conocerse fuera de las fronteras niponas (fue el primer trabajo de Gazette en publicarse en Europa). Aquí van algunos de sus Singles más aclamados:

Cassis

Silly God Disco

En el aspecto estético, aquí es donde ya empezamos a ver lo que nosotros hemos bautizado como el “fashion Visual Kei”, una línea estética muy habitual en algunos de los grupos de Visual Kei más grandes, y que nosotros hemos visto a Gazette como los principales exponentes. Esta nueva generación de bandas rompió con ese estilo más recargado y colorido que ellos mismos habían llevado en sus inicios, pero que encajaba más con las bandas que les habían precedido. Ya no se trataba tanto de crear personajes de fantasía, como de mostrar un estilo rompedor pero que no tenía porque despertar las risas de los ajenos al Visual Kei. La androgínia sigue estando presente, pero ya no se juega tanto con las mentes del personal, tal y como hacía Mana de Malice Mizer.

Y en su mejor momento, llegó seguramente uno de los Singles que más ha hecho por the GazettE (acabaron cambiando su nombre de Gazette a “the GazettE”), y que además, en su momento, fue todo un alarde de originalidad, por mezclar el Metal más moderno con unos toques al más puro R&B. Señoras y señores, con todos ustedes, “Filth and the beauty” (2006), canción con la que os retamos que intentéis entender las cosas que se dicen en inglés… ¡muchas más de lo que parece!

“Filth in the beauty” junto a otros Singles como “Hyena” o “Regret”, formaron parte del álbum “Stacked Rubbish” (2007), que ya fue el segundo en Europa, pero este ya fue un lanzamiento mucho más anticipado por los fans, especialmente por los Singles que habíamos mencionado. “Stacked Rubbish”, aunque no se aleja demasiado de los planteamientos de “Nil”, quizás tiene un giro algo más oscuro, más rudo y frío. Se podría decir incluso que se habían sofisticado un poco más en cuanto a su sonido, y también se había occidentalizado un poco más el estilo de la banda, ofreciendo temas algo más homogéneos, con menos cambios y mezclas de géneros musicales (pero siempre, siempre, manteniendo su esencia… o sus esencias). Un ejemplo de ese toque más frío es “Chizuru” (que formaba parte de la banda sonora de una peli de terror coreana llamada “Apartment”). Una nueva balada al estilo the GazettE, pero con un sonido que, aunque de lejos, nos ha recordado a Katatonia

Y este proceso de “occidentalización” de algunas bandas de Visual Kei no es exclusivo de the GazettE, de hecho ya existen actualmente muchas bandas Visual Kei que han perdido en buena parte, quizás no completamente, esa esencia nipona Visual Kei que empapaba las canciones de las primeras generaciones. Dir En Grey fueron de los primeros en realidad, y aunque hay mucha distancia entre the GazettE y Dir En Grey, no se puede negar que los chicos de PS Company han dejado sentir la influencia de DeG en más de una ocasión.

Así pues, uno de sus últimos trabajos, “DIM” (2009), sigue el camino de “Stacked Rubbish”, y en realidad ya no nos llega a sorprender en absoluto, pero se sigue apreciando esa tendencia a ofrecer unas composiciones con toques americanos e incluso europeos… y como decíamos, que en algunos momentos nos siguen recordando mucho a Katatonia

Es probable que “DIM” signifique el fin de la evolución de the GazettE, ya que desde “Nil”, y sobretodo a partir del éxito global de “Stacked Rubbish”, la banda ya se ha acomodado en un estilo que le funciona. Y si bien siguen siendo una banda muy interesante, con mucha calidad, el interés que despertaba en nosotros ha decaído un poco, precisamente por esa sensación de estancamiento estilístico. En esto vamos un poco a contracorriente, ya que a la mayoría de gente le gusta que sus bandas suenen siempre igual. Pero a nosotros nos llaman la atención aquellas bandas que siguen cruzando las fronteras de su propia música, aquellas que se arriesgan en cambiar, a pesar de lo mal que les puede salir… pero a the GazettE está claro que les salió muy bien. Veremos qué pasa a partir de ahora, después de haber fichado con la mismísima Sony Music.

05
jul
10

Malice Mizer, el Visual Kei en su máximo esplendor

Saludos cosmonautas,

seguimos con los lunes dedicados al Visual Kei, sinónimo de menos visitas y comentarios en el blog, a pesar de que es un tema tremendamente interesante (para nosotros). Empezamos este ciclo para preparar el terreno para el próximo concierto de Gackt, y era de recibo hablaros de la banda que le introdujo al mundo, la banda que le forjó como artista, y que es una de las bandas más importantes y especiales que ha parido el Visual Kei: Malice Mizer.

Aunque siempre se ha dicho que X Japan o Shazna son los padres del estilo (aunque en realidad hay precedentes más antiguos), para muchos, la máxima expresión de lo que es Visual Kei, el grupo definitivo y definitorio son estos Malice Mizer. Lo tienen todo. En lo estético, han sido seguramente el grupo que más lejos ha llevado la preocupación por su aspecto y han sido capaces de crear una cosmogonía especial en cada disco. En lo musical, encontraremos tanto los devaneos electrónico-góticos que hemos visto en algunas bandas Visual, como el Rock/Metal más habitual (aunque decir que la música de Malice Mizer es “normal” tampoco es muy acertado). Ellos fueron los líderes de la 2a ola de bandas Visual Kei, y fue a través de ellos que el resto del mundo acabó descubriendo el Visual Kei, y por lo tanto, los primeros responsables de sentar las bases del estilo, al menos para los ojos occidentales.

La historia de Malice Mizer empieza en 1992, y ya desde el primer instante su música era una extraña criatura que mezclaba sonoridades góticas, un poco al estilo Darkwave, con el Rock, el Metal, y unas maneras “afrancesadas” importantes. En lo estético, aún eran una banda independiente, que empezaba, y eso se notaba en su indumentaria, pero no por ello ejaba de ser llamativa y muy influenciada por el rollo andrógino gótico de los ochenta. De hecho, si algo llama la atención de muchas bandas de Visual Kei, es que a principios de los noventa estaban adaptando unos estilos estéticos y visuales que en Occidente ya empezaban a dejarse atrás. Aunque, como suele ocurrir, los japoneses lo llevaron a su terreno para hacerlo a su manera.

De esta época, aparte de algunos Singles, encontraremos el disco “Memoire”, el único con el vocalista Tetsu, y que como decíamos es un embrión bastante formado de lo que estaba por llegar musicalmente. Pero estaba por llegar uno de los cambios más trascendentes para la banda, y después de un año sabático, llegaba un nuevo vocalista llamado Gackt. Aunque Gackt Camui se sentía más confiado como batería (que era lo que hacía en su banda anterior), parece que Mana, líder indiscutible de Malice Mizer, se interesó en él por su voz, y podemos decir que acertó en el cambio. Uno sólo tiene que escucharse “Voyage ~sans retour~” (1995), donde aparte de hacerse evidente un giro hacia un registro musical más histriónico, dejando un poco el Gothic/Darkwave para acercarse a una concepción más clásica, más barroca, brillaba con luz propia la aportación de Gackt, con una interpretación más comedida que la de Tetsu, pero también más potente en muchos sentidos.

Seguramente con más presupuesto, y con unas ideas mucho más claras de lo que querían ser, Malice Mizer dieron un gran salto estético, y empezaron a tener una identidad propia, alejándose de esa imagen andrógina gótico-ochentera típica de muchas bandas Visual Kei, para empezar a recorrer un camino hacia la sofisticación más absoluta, convirtiendo a cada miembro en un personaje que podría haber salido de algún cuento de hadas. Y esto es algo que también se trasladó a los conciertos, un aspecto que realmente cuidaban al máximo, hasta el último detalle, convirtiendo sus actuaciones en una mezcla de musical, teatro y concierto de Rock. Para ejemplo, los siguientes videos:

Habiendo demostrado que Malice Mizer eran algo grande, y que no podía quedarse en lo independiente, en 1997 ficharon para Nippon Columbia. Esto significaba más presupuesto aún, una auténtica oportunidad para llevar Malice Mizer a lo más alto tanto estéticamente como musicalmente. Aparecieron varios Singles, e incluso grabaron un cortometraje, y finalmente lo recogieron todo en el disco “Merveilles”, para nosotros, el mejor disco de Malice Mizer con mucha diferencia, en el que aparecen algunos de sus temas más trabajados y más definitorios del estilo Malice Mizer, y lógicamente con la mejor producción en cuanto a sonido (aunque siguen manteniendo algunos de sus temas más electro-petardos). Aquí es donde las guitarras dobladas típicas de la banda suenan mejor que nunca, donde la mezcla de influencias de la banda realmente ha cristalizado en una identidad única, demostrando que nadie puede sonar como Malice Mizer.

No hace falta decir que los conciertos para este disco fueron de lo más espectacular, inmortalizando a ese Gackt alado, como un ángel caído. Aunque en realidad, fue a partir de entonces cuando Gackt realmente levantaría el vuelo y Malice Mizer caería en desgracia.

Cuando Malice Mizer gozaba de su mejor momento musical y estético, y por supuesto su mejor momento de popularidad, Gackt abandonaba la banda para iniciar immediatamente su exitosa carrera en solitario. Y si este no era suficiente revés para la banda, a los pocos meses moría Kami, el carismático batería, víctima de una hemorragia subaracnoidea. Poco después aparecería un EP con algunos temas que Kami había compuesto, pero desde entonces la banda daría un cambio drástico en su estética e incluso su música, un giro mucho más oscuro tanto musical como estético, dejando atrás los colores para empezar a vestir de negro. Algunos describen esta nueva étapa como más “victoriana”, y en realidad encaja bastante con la estética de la banda en su siguiente trabajo. Cabe decir que desde entonces, Kami nunca fue sustituído de forma permanente, y la banda utilizó baterías programadas, o baterías de sesión para sus siguientes trabajos.

Con algunos Singles, el fichaje de Klaha como nuevo vocalista (aunque tardó en ser presentado “oficialmente”), y finalmente con el disco favorito de los góticos llamado “Bara no seidou”, Malice Mizer empezaban una nueva era para la banda. Los ramalazos poperos o petardos que aparecieron en la época Gackt fueron suprimidos sin piedad, aunque mantenían esa mezcla de sonidos clásicos de estilo barroco, con ese toque electro-gótico, e incluso el Heavy Metal, las composiciones eran mucho más largas, más complejas, y sin duda, mucho más oscuras y depresivas. De hecho, hicieron un gran número de temas instrumentales, repletos de órganos y violines, que eran acompañandos de videos mucho más tétricos de lo habitual, y dejando de lado ese toque kitsch de la época de Gackt (en muchos aspectos nos recuerdan a Lacrimosa).

Aunque sea algo atrevido asegurar esto, podríamos decir que fue este disco el responsable de que el Visual Kei empezara a germinar en Europa, o al menos, en España. Estos sonidos y esa estética victoriana parecía encajar a la perfección con cierto colectivo, y seguramente fueron los góticos los primeros en empezar a escuchar Malice Mizer, los primeros en empezar a mostrar un gran interés por las bandas japonesas, y en los primeros años del siglo XXI, uno podía meterse en una discoteca gótica de Barcelona y comprobar como el público se volvía loco escuchando la siguiente canción, “Beast Of Blood”:

Pero cuando Malice Mizer empezaban a ser famosos fuera de Japón, ya hacía algunos años que la banda había anunciado que cesaba sus actividades hasta nuevo aviso. La época de Klaha fue corta, aunque rica en Singles y videoclips, y muy importante a la hora de abrir las fronteras del Visual Kei.

Todos los miembros de Malice Mizer siguieron con otros proyectos en solitario, aunque el más notable y de más éxito fue el de Mana y sus Moi Dix Mois (llevándoles incluso a Barcelona en una ocasión). Y aunque se ha comentado en más de una ocasión que algunos de ellos han expresado su voluntad de volver a la escena, no parece que existan unos planes sólidos para que esto ocurra.

En cualquier caso, ahí queda el legado de Malice Mizer, importantísimo para entender qué es el Visual Kei. Aunque, a pesar de ser todo un referente, pocas o ninguna banda ha conseguido llevar sus propuestas tan lejos como lo hicieron Malice Mizer, que conviertieron una banda de Rock en un auténtico engendro artístico con múltiples facetas.

Si queréis saber más sobre Mana, el líder de Malice Mizer y Moi Dix Mois, podéis leer la entrevista que le hicimos hace unos años para Hell Awaits aquí. Y si queréis saber más sobre Gackt, podéis leer nuestro post sobre la diva del Metal-Rock-Pop Japonés.

28
jun
10

Ayabie, otrora reyes del Visual Kei underground

Saludos cosmonautas,

como viene siendo habitual los lunes, hoy volvemos con una nueva entrevista que realizamos a un grupo de Visual Kei, preparando el terreno para el concierto de Gackt el 20 de Julio en l’Hospitalet de Llobregat (Barcelona). En esta ocasión vamos a ofreceros una entrevista que hicimos al segundo grupo Visual Kei que pisó tierras catalanas para dar un concierto en la Sala Mephisto, hace ya unos añitos. Y si el primer grupo en hacerlo, Blood, apenas tuvo cobertura mediática,  podemos decir que Ayabie fueron mucho más afortunados, apareciendo en TV3 y Cuatro (en el programa cuatrosfera), dando buena cuenta de la creciente importancia de estos eventos.

En Japón, se tiende a dividir a las bandas entre las indies y las majors. Es decir, bandas en sellos pequeños e independientes que configuran el underground musical, y las majors, como aquellas que forman parte de la selecta porción de grupos que han conseguido fichar por un sello discográfico grande. Cuando se hizo esta entrevista, Ayabie eran seguramente una de las bandas indies más conocidas, los reyes del underground. Hoy en día ya se han “graduado” y forman parte de ese grupo de elegidos de las majors (lo cual conlleva cierto “relajamiento” tanto en su imagen como en su música, todo hay que decirlo…).

Nos reunimos con ellos en el backstage de Mephisto un rato antes de que empezara el concierto, y esto es lo que nos contaron Aoi, Takehito, Yumehito y Intetsu, los integrantes de Ayabie.

¿Cuándo empezasteis a escuchar música? ¿Qué escuchabais?

Aoi: Cuando estaba en 6º curso de la escuela primaria (cuando tenía 12 años), con la música de una banda japonesa, Shazna. Luego empezó a interesarme más la música, y entonces un día mis amigos me invitaron a hacer una banda y empecé a escuchar a X Japan.

Takehito: Más o menos cuando era de 2º curso de la escuela secundaria (14 años), también empecé con la música pop japonesa. ¿Algún grupo o cantante en particular que te gustara? Chage and Asuka.

Yumehito: Yo también cuando tenía 12 años más o menos. En aquella época me gustaba muchísimo Chage and Asuka.

Intetsu: Cuando estaba en la escuela secundaria, por primera vez escuché a X Japan y me impactó mucho.

¿Qué bandas extranjeras os gustan? ¿Y cuáles os han influenciado más?

Intetsu: ¡Slayer! ¡Hell Awaits!.

Takehito: Solo conozco Lostprophets….

Intetsu: Me gustan también Marilyn Manson y Dimmu Borgir. Pero aparte de mí, los otros miembros de Ayabie no escuchan mucha música extranjera

Kenzo: Yo sí.

Intetsu: Pues sólo él, que toca batería, y yo que toco el bajo, la escuchamos (por los que nos contaron luego, estaban bastante puestos en los grupos noruegos, como Mayhem, aunque solo los dos a los que les gusta el Metal, claro – ndr.)..

¿Cómo definiríais vuestro estilo musical? ¿Creéis que habéis evolucionado desde vuestros inicios?

Es que nuestro estilo es “libre”, hacemos lo que queremos hacer en cada momento. Así que no tenemos algo fijo para definir “Ayabie.” Lo que expresamos nosotros cinco juntos es la música de “Ayabie”, por eso no tenemos ningún límite en nuestro género musical. Hacemos todo lo que queremos.

En algunas de vuestras fichas, he visto que algunos de vosotros decíais que sus bandas favoritas eran las de JPop o incluso Britney Spears, mientras que otros dicen que sus estilos favoritos son el Grind Core o el Heavy Metal. ¿Cómo puede ser que en una misma banda haya gustos musicales tan diferentes? ¿Esa dualidad afecta la música?

Es verdad, nuestros gustos de música son totalmente opuestos. Por ejemplo, al bajista y al batería, que se dedican al ritmo, les gusta el Metal, y por el contrario, al vocalista y a los dos guitarristas les gusta Pop.

Pero hacemos música para crear lo que se llama “Ayabie” y nos llevamos muy bien, aunque parece raro también para nosotros.

Las personalidad de cada uno existen como base, pero, en conjunto, “Ayabie” es “Ayabie”, por eso no importa la diferencia del gusto.

¿Os consideráis una banda de Visual Kei?

Sí. Lo somos, ni más ni menos. ¿Podríais contarnos un poco el orígen del Visual Kei? Creemos que ”Kiss”, y también, “David bowie” son los orígenes del Visual Kei. Pero los que crearon el “Visual Shock” fueron X Japan, y se dice que el que utilizó por primera vez la palabra “Visual” fue Hide (el fallecido guitarrista de X Japan, se dice que en realidad tomó prestada esa etiqueta de una banda más antigua llamada Visual Scandal – ndr.) . Es un personaje carismático (¡eso sin ninguna duda!.-ndr.).

Oshare Kei es un término que se viene usando con algunas bandas relativamente nuevas de Visual Kei, que basan su estética e incluso su música en el colorido y la “felicidad”. Muchos dicen que Ayabie podrían formar parte de ese movimiento, pero veamos… ¿Qué os parece la etiqueta de “oshare kei”? ¿Encaja con Ayabie o no?

No lo somos. Es que “Ayabie” es “Ayabie”. Pero a nosotros no nos importa cómo nos define la gente.

Las ropas que llevamos son siempre diferentes depende del ambiente la música que componemos. Así que no se puede decir que seamos el típico “oshare kei”. Habrá muchas maneras para clasificar las bandas visuales, pero nos da igual en qué clase nos metan.

Hablemos ahora del estado del Visual Kei en Japón, ¿ahora está de moda?

Pues hace más o menos 10 años apareció Shazna y tal. Era la época que floreció la moda del Visual Kei. Luego esta moda fue decayendo. Pero desde el año pasado y este en Japón está resurgiendo. En los extranjeros más o menos desde el año pasado se empezó a prestar atención al Visual Kei. El resurgimiento de la moda en Japón ocurrió casi en el mismo momento.

¿Podrían explicar a nuestros lectores la diferencia entre bandas indie y bandas major? ¿Por qué es tan importante esa diferencia en Japón?

Antes era muy importante la diferencia entre el major y el indie, pero estos días se está desapareciendo la frontera de estos dos tipos. De hecho no sabemos muy bien bajo qué condiciones se considera a una banda como major. Y encima existen bandas indies que venden más y son más famosas que las majors. En Japón ya no es tan importante ser la banda major.

¿Cómo funciona el proceso de composición en Ayabie?

Todos los miembros componemos. Lo hacemos con ordenador. Cada uno tiene unos programas casi iguales que los que utilizan los profesionales. Así nos podemos acercar al nivel de los profesionales.

Las bandas japonesas tienen la costumbres de sacar muchos Singles, en períodos de tiempo relativamente cortos. ¿Cómo os las arregláis para componer y grabar a este ritmo?

Componemos las canciones en el tiempo que tenemos entre trabajo y trabajo. Así que a veces no dormimos. Pero en realidad no es tan rápido nuestro proceso de composición. ¿Cómo funcionan las grabaciones entonces? En Japón normalmente se graban unos Singles primero y después se hace un álbum. Pero nos gusta mucho esta manera, porque con el Single podemos transmitir el tema que queremos mostrar en el momento. Por el contrario para grabar un álbum, por ejemplo, tenemos que componer 10 canciones y tardas muchísimo en completarlo. Pero para Ayabie es muy importante la velocidad. Es decir, cuando se nos ocurre una idea para una canción enseguida la componemos y la publicamos. Por eso el sistema de venta de Cds en Japón va muy bien para nosotros.

¿Qué podéis contarnos respecto a vuestra relación con Europa? ¿Cuándo y cómo empezó?

El año pasado empezamos con conciertos en Alemania, Francia y Finlandia porque nos vino una oferta. Antes nunca habíamos trabajado en el extranjero pero teníamos ganas de hacerlo desde siempre, así que la aceptamos. Como allí, en Alemania, Francia o Finlandia, la reacción del público fue muy favorable y nos divertimos mucho, esta vez hemos vuelto a venir con mucha ilusión. Nos gustan mucho los conciertos en Europa. ¿Cómo se vive esa experiencia? La gira europea nos da una sensación muy fresca. Es diferente de Japón. Es que la gente de aquí sólo nos conoce por los discos, y vivimos muy alejados, así que el público de aquí se encuentra con nosotros por primera vez y también nosotros con ellos. Esta sensación del “primer encuentro” nos gusta mucho.

Para empezar a promocionar a la banda en Europa se hizo un recopilatorio titulado “Eurobest”, ¿cómo se hizo la selección de temas?

Tenemos casi 100 canciones, pero para “Eurobest” escogimos las que pueden expresar mejor lo que es Ayabie.

¿Cuáles son vuestros planes de futuro?

Nuestro deseo común es que disfrute de nuestras canciones más gente. Queremos visitar más sitios. Como ahora, que podemos visitar Europa en varias ocasiones, nos gustaría recorrer todo el mundo.

A continuación reproducimos también la crítica del concierto que fue publicada en la revista Hell Awaits en Junio-Julio de 2007.

AYABIE+LES OLE

24 Mayo de 2007

Sala Mephisto, Barcelona

Otra noche en Barcelona, y ya van tres, con un grupo japonés de Visual Kei , estilo que arrastra un buen número de fans que, aunque deberían ser algunos más para asegurar la supervivencia del movimiento, superan ya en mucho a conciertos de bandas de Metal bastante más veteranas y conocidas.

Ataviados con sus llamativos trajes y estéticas sacadas del barrio de Harajuku de Tokyo, los visualeros esperaban desde hacía horas delante de las puertas de Mephisto, y se notaba emoción en el ambiente por ver a los nipones Ayabie (uno de los mayores exponentes del Visual Kei indie).

La banda que iba a abrir para Ayabie eran Les Ole, que ya parecen habituales a la hora de telonear a bandas japonesas. Su propuesta musical se inspira tanto en bandas de Visual Kei como en otros estilos dispares, ya sea el rollo Electro Gótico (con cierto aire a petardeo), el Glam, o el Punk. Con todo esto, lo que ofrecen es una mezcla bastante esperpéntica (visual y sonora), pero que no por eso deja de funcionar, aunque con sus más y sus menos. Es destacable el trabajo de su frontman, cuyo repertorio de expresiones faciales parece inacabable, pero a pesar de eso, no acaba de convencer siempre en su labor vocal (especialmente en el registro gutural), ofreciendo una de cal y otra de arena.

Al cabo de varios minutos, cuando la espera ya se hacía eterna para los fans, se cierran las luces y Mephisto casi se derrumba. Ayabie empiezan con un tema contundente, pero aún así se hace difícil apreciarlo al quedar eclipsado por los gritos entre orgásmicos e histéricos de los fans. La bienvenida no pudo ser mejor.

Antes que nada, debo confesar que a un servidor Ayabie no le habían convencido del todo al escuchar sus Singles y álbumes, pero me dejaron realmente sorprendido con el repertorio y la forma de ejecutarlo. Canciones que parecían mucho más suaves y edulcoradas en sus grabaciones se volvían mucho más potentes en directo, y se agradece la selección que hicieron de temas para mover la cabeza, saltar, botar y hacer el loco en general (que es algo que se vio mucho durante el concierto). Así que entré con mis dudas, y pude salir totalmente convencido de la valía de Ayabie. Todo esto no haría más que incrementar el fervor con que los fans respondían a todos y cada uno de los movimientos de los miembros del grupo, desde los bailes “para para” a las miradas y señas de los músicos (más de una lágrima de emoción soltarían algunas fans). De hecho, el staff de seguridad tuvo trabajo en más de una ocasión para arrancar a Aoi, el cantante, de las garras de algunas fans que querían llevarse un cacho de él a casa. Otro de los grandes momentos fue, sin duda alguna, el solo de batería que el “kakkoi” Kenzo se marcó, desplegando no solo su calidad técnica con las baquetas si no también toda su chulería yakuza.

La noche acabó con todos los fans volcados en el escenario para estrechar las manos de los chicos de Ayabie. Y algunos otros nos fuimos con muy buenas vibraciones, contagiados de la euforia que se había generado tanto a través de la banda como a través del público. Una gran noche para el Visual Kei que esperamos se repita bien pronto.




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