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08
may
12

Saló del Còmic 2012: pies destrozados, tiempo aprovechado.


Saludos cosmonautas,

se fue, se terminó, el 30 Saló Internacional de Còmic de Barcelona ya es historia. Un Saló que, como ya hemos comentado, se puede recordar por muchas efemérides: los 20 años de la publicación de Dragon Ball, los 30 años de Planeta deAgostini Comics y del mismo Saló, o los 40 años de Mazinger Z. Había mucho que celebrar, y se celebró. Y ahora toca valorarlo desde nuestro punto de vista totalmente subjetivo. No esperéis que os hablemos de récords de asistencia, o de la cantidad de metros disponibles, sino de nuestra visión como un visitante más.

Lo que sorprende a más de uno al llegar es el protagonismo que tienen los stands promocionales de películas. Ese cabezón gigante de Prometheus, esa pseudo-celebrity de Gran Hermano promocionando la última de Sacha Baron Cohen, o el circuito de tiro GIJoe (aunque ninguno de ellos tan emocionante como los del Capitán América o Thor del año pasado). Sin duda, el matrimonio del cómic con el cine está siendo provechoso, y con la película de “Los Vengadores” ha llegado a un punto álgido. Lo que no tenemos tan claro es que el beneficio sea mutuo.

Ilustración del Rey Mono en el stand de China, el país invitado de este año. ¿Va en serio esta vez?

Seguramente nos repetiremos un poco respecto a otros años, pero una de las ya clásicas críticas a los salones (sean del cómic o del manga), es que apenas quedan ya atisbos de ese “mercadillo” que era antaño. Desde hace años las novedades del mercado editorial son lo que más destaca junto a la ingente cantidad de merchandising. Hay supuestas tiendas de cómics que apenas dedican una pequeña mesa de su stand de más de 6 metros para la lectura, y todo lo demás es para figuras, camisetas y otros objetos. Y en realidad no es nada que no puedas encontrar en casi cualquier tienda especializada.

Los fans de Hora de Aventuras han tenido una presencia destacable en este Saló. ¿Queréis que hablemos de esta pedazo de serie?

Por otro lado, y ya de forma más positiva, la cuestión de las exposiciones ha sido uno de los puntos fuertes. El tema de la robótica da para mucho, y  se ha aprovechado bastante bien el espacio para poder ver las distintas encarnaciones literarias, cinematográficas o en formato cómic de estas creaciones tan asimovianas. Con el plus de poder ver a muchos robots en acción, ya fuera en el “ring” de competiciones, o con Tibi y Dabo soltando rollos al personal.

No es que tenga mucho que ver con los robots (¿el cybermen quizás?), pero nuestros dos Doctors favoritos asomaron la cabeza por la exposición.

En resumen, mucha promoción y novedad y poca chicha, vendría a ser ya la crítica que le hacemos a este salón (y seguramente a los venideros). Pero también es cierto que existe disparidad de criterios respecto a lo que tendría que ser un evento así. Algunos aborrecen totalmente la cuestión comercial y les gustaría ver un Saló que realmente se dedicara a promocionar el cómic como forma de expresión, y no simplemente a vender (algo que compartimos a medias – ya que nos cansa tanta novedad editorial, pero nos gusta que haya tiendas para buscar y escarbar). Para otros, un salón no es interesante si no se sacan noticias editoriales interesantes, o no se pone a la venta el último bombazo. Y no nos engañemos, para muchos, y nos incluimos, un salón es un evento social puro y duro.

Haciendo la mili junto a Marc Pastor (entrevista pirata), creador del término “culturalmente disperso”.

De hecho, a pesar de nuestras críticas, debemos reconocer que la mayor parte de nuestras compras son pura y simplemente novedades. Pero es que este año, la cuestión social nos ha quitado el tiempo necesario para poder revisar los cajones en busca de cosas interesantes. Aún así, no se puede decir que no hayamos aprovechado el tiempo. En breve tendréis un vídeo que realizamos con Àlex Santaló, dibujante y Marvel Zombie, en el que nos explicará todo lo que hay que saber para reengancharse al mundo Marvel. El domingo fue seguramente el día que mejor aprovechamos. Pudimos podido grabar un interesante reencuentro de dos veteranos saloneros que estuvieron trabajando en el stand de Dragon Ball hace 20 años (algo que veréis en el documental que tenemos en el horno). Hubo tiempo de pasar por Catalunya Radio para hacer nuestras valoraciones del Saló, y volvimos corriendo a la Fira de Barcelona para ver Free Acid, el cortometraje culturalmente disperso de Víctor Recort que nos dejó muy buen sabor de boca.

Gina Tost y Jordi Sellas, en plena discusión sobre el Saló. Podéis recuperar el podcast del programa clicando aquí.

Pero uno de los puntos álgidos de este domingo no lo vivimos dentro del propio Saló, sino a unos pocos metros, en el lobby del Hotel Plaza Catalonia. Y es que allí tuvimos el placer y el honor de poder estrechar la mano que creó a uno de los iconos de treintañeros y cuarentañeros de nuestro país. Mazinger Z, Devilman o Cutey Honey son algunas de sus más famosas creaciones, y Go Nagai, el nombre, el hombre. Aunque todo hay que decirlo, quedó algo empequeñecido a nuestro lado.

La camiseta de Kamen Rider que llevo no es por casualidad. ¿Alguien sabría decirme qué relación tiene con Go Nagai?

Además, podemos considerarnos unos afortunados, ya que finalmente conseguimos apoderarnos de una las codiciadas estampitas dedicadas. No es un dibujo dedicado, pero no podemos quejarnos en absoluto.

Para terminar, os dejamos la foto de las compras saloneras. Bastante variadas, y es que ya cada vez nos estamos dispersando más en cuestión comiquera. Y ahora sí, nos despedimos de este Saló que, a pesar de las críticas, sigue siendo un evento que disfrutamos al 100% cada año, y en el que nos dejamos los pies de tantas horas recorriendo de punta a punta el recinto. Que siga siendo así 30 años más.

29
nov
10

“Odio”: Peter Bagge, Buddy Bradley y la generación X

Saludos cosmonautas,

hacía mucho, demasiado, que no hacíamos un post como el de hoy, y lo cierto es que ya tardábamos en volver a retomar nuestros análisis de aquello que consideramos TODO LO QUE MOLA (por cierto, un término que empieza a expandirse). Huímos por un momento de la influencia nipona para adentrarnos en un autor de cómics con un gran sabor americano, un dibujante de lo que se suele llamar “cómic undergrsound”, y que para nosotros ha sido uno de nuestros comiqueros favoritos de los últimos 15 años: Peter Bagge.

Pero en lugar de escribir uno de esos tochos interminables, hoy lo que hacemos es una videoreseña del mismo estilo que la de Capitán Harlock:

Podéis verlo en HD en la web de YouTube (clicad en el icono de YouTube del reproductor).

Y como extra, aquí tenéis un pequeño fragmento de “Hate” animado que se incluía en el documental “Hype”:

28
jul
10

Entrevista Pirata: Aleix Saló, viñetista y pintamonas

Saludos cosmonautas,

aunque las entrevistas que hemos hecho hasta el momento parece que indiquen lo contrario, nuestra sección de La Entrevista Pirata no ha sido nunca un lugar dedicado a aquellos personajes que tienen una estrecha relación con Japón, y hoy lo demostramos entrevistando a un joven catalán de 27 años llamado Aleix Saló, que se dedica al arte de la viñeta de opinión. Nosotros le conocimos a través de  “Els Fills dels 80, La Generació Bombolla”, un grandísimo trabajo que ganó un concurso y fue publicada por Glénat en Catalunya. En esta obra, Aleix hacía un repaso de la llamada “generación burbuja”, y lo hacía con una madurez poco propia de alguien tan joven, con unas grandes dotes de observación, reflexión, y sobretodo, mucho humor, algo hilarante (pero ya os hablamos de ello).

¿Autoretrato de Aleix? (extraído de su blog)

Impresionados por ese cómic no tardamos un segundo en buscar más información sobre Aleix en Internet, topando con su blog personal, y algunos de sus trabajos en medios digitales. Decidimos probar suerte y mandarle un email para concertar una entrevista. Aleix aceptó encantado, y aunque hemos tardado unos meses, por fin aquí está el resultado.

En esta primera parte hablaremos de la ya larga carrera de Aleix y también de lo que significa ser viñetista, o ilustrador, o dibujante, o  pintamonas…

Pincha en los links para ver la SEGUNDA PARTE y la TERCERA PARTE de la entrevista.

No dudéis visitar su blog, también tiene otro sólo en catalán (aunque más actualizado). ¡Y seguiremos con la segunda parte en unas semanas!

Principes de Asturias (extraído de su blog)

03
jun
10

SUPER POYITO, un superheroe con pluma

Saludos cosmonautas,

si a veces decimos que nos salimos un poco de nuestros temas, o que nos hemos pasado de la raya, hoy podemos decir que la raya, a estas alturas, ya sólo es un puntito para nosotros (ahí a lo lejos). En un alarde euforia, aburrimiento supremo y locura transitoria, hemos decidido destapar una de las “cualidades ocultas” de Urías: ¡el dibujo!

Aunque lo que veréis a continuación parece demostrar lo contrario, durante la mayor parte de su infancia/adolescencia, Urías iba para dibujante de cómics (¿quién no?), y según algunos no se le daba mal. Pero está claro que a muchos se les daba bastante mejor que a él, y si a eso le sumamos su estrepitoso fracaso en bachillerato artístico (que por entonces era algo experimental), el zagal acabó dejando los lápices… para siempre.

¿Para siempre? ¡No! Hace un par de años, en una de esas épocas de poco trabajo en la oficina, y que daban pie a la creatividad más absurda, Urías quiso volver a probar esto de dibujar (aunque sólo fuera para recordar viejos tiempos), y con un par de rotuladores nació… ¡¡¡SUPER POYITO!!!

(ojo con las sensibilidades, lenguaje soez, marranadas y otras lindezas a continuación)


Y aquí terminó la cosa, de forma abrupta, no hay más, y además la ONU nos ha obligado a jurar que lo dejaremos aquí (¡nos han amenazado con enfadarse y aguantarse la respiración! ¡ufff!). Así que nadie se piense que vamos a montarnos en el carro de los webcómics (está claro que nos faltan aptitudes), simplemente queríamos compartir algo que, por muy cutrecillo que sea, nos hace reír (pero vamos, que si alguien de Hollywood quiere comprar los derechos, podemos hablarlo, ¿eh?).

10
mar
10

Qué novelas gráficas ni qué hostias

Saludos cosmonautas,

parece que los miércoles tanto puede ser el día de los viajes como el día de las reflexiones, y hoy, a raíz de un comentario de la Comandante mientras hacíamos uso del transporte público que ha suscitado mis protestas airadas, toca hacer un post sobre reflexión, y lo que queremos discutir con vosotros es un término que en los últimos años se ha puesto muy de moda: las novelas gráficas.

Antes que nada queremos dejar claro que este no pretende ser un artículo académico, si no de opinión, y por lo tanto, se encontrarán más dosis de subjetividad que objetividad.

Para empezar la reflexión, vayamos a la siempre elocuente Wikipedia para ver como se define actualmente este término:

Una novela gráfica es una historieta que se caracteriza por los siguientes rasgos:

  • Una única historia, generalmente compleja y de mediana extensión.
  • Un único autor y más raramente un grupo de ellos.
  • Pretensiones artísticas.
  • Destinada a un público maduro o adulto.
  • Formato e impresión más lujosa que la revista de historietas.

Algunos teóricos lo consideran, sin embargo, indistinguible del tradicional álbum.

Cabe decir que el término tiene más años de historia de lo que se puede sospechar (y os recomendamos leer este minucioso artículo), pero aún así, y teniendo en cuenta que el lenguaje es siempre cambiante y maleable, nos queremos basar más en las ideas actuales sobre lo que es una novela gráfica (bien expresado, creemos, con la definición de la Wikipedia), y que también corresponde al pensamiento gafaspasta que ha invadido nuestro bastión comiquero (o tebeero si preferís). Pero vamos por partes.

Si observamos la definición anterior nos damos cuenta de una obviedad, y es que en la definición se está mezclando contenido y continente, una novela gráfica “es una historia para adultos” pero cuyo formato “es más lujoso” que los típicos cómics grapados y otras series habitualmente mensuales… y este es el primer error. ¿O no es un error? Algo está claro, los formatos de “lujo” no están al alcance de los más jóvenes, de los que dependen de la paga semanal para abastecerse de sus lecturas comiqueras. Y por lo tanto, si es un formato que principalmente van a comprar lectores adultos, no es de extrañar que las temáticas de estos formatos tiendan a ser historias para lectores más maduros. ¿Pero por qué decimos que esto es un error? Llegaremos a ello después. Pero antes vamos a centrarnos en estas dos palabras que, juntas, crean la polémica.

“Novela gráfica”, algo que principalmente nos sugiere “un libro con dibujitos”, o si tiramos más de la cuerda “una historia con principio y final que utiliza dibujos para ilustrar la misma”… podríamos sacarnos muchas más definiciones de la manga, pero lo que nosotros creemos que pretende es equiparar los cómics con la literatura. Otro error. Los cómics no son literatura, al menos tal y como la entendemos nosotros, ya que su concepción es diferente, es otra vía de expresión, casi tan diferente de la literatura como de la pintura… pero si alguien sigue creyendo que un cómic no es más que un libro con dibujitos para niños, bueno… lo sentimos por él, o no…

Tenemos entonces unas obras en una edición cara, que en teoría tienen temáticas adultas (aparte de otras características mucho más discutibles, como que sean historias únicas o de un único autor), y cuyo nombre parece un intento de asemejar los cómics a la literatura. Además, habría que sumarle ahora el cuarto punto incluído en la Wikipedia, y el que más tirria/risa nos provoca, que la novela gráfica es una obra “con pretensiones artísticas”. Nosotros, en un esfuerzo por encontrar una explicación al auge de este nuevo “formato”, o “género” o incluso esta “nueva forma de expresión”, hallamos una interpretación, clara y directa: el sentir vergüenza por el hecho de leer tebeos.

Y es que no nos engañemos, aún hoy en día, el cómic, el tebeo, el manga, se sigue viendo como un producto para niños. No es serio, no es nunca equiparable a lo “sofisticado” y “elevado” de leerse una novela. Por supuesto que este panorama ha mejorado en los últimos años, pero sigue estando siempre uno o dos pasos por detrás de otras formas de arte. Y amigos, eso no es bueno para la industria, y tampoco lo es para la reputación de aquellos gafaspasta que quieren seguir leyendo cómics sin que sus otros colegas les miren con desprecio, o para aquellos que, sin ser gafaspasta ni tener pretensiones algunas, se sienten minimizados cuando ven como su afición es criticada/burlada por otros e intentan justificar de mil maneras que lo suyo es diferente, que sus cómics son para mayores.

No todo tiene que ser malo, y menos para la industria. Esta etiqueta de “novela gráfica” ha ayudado mucho a que el cómic se expanda, llegando a un público que había abandonado los cómics hacía años, e incluso acercándolo a los que nunca lo habían probado. Y eso es bueno, sí que lo es. Pero el problema es que se hace sobre una base que parece difícil cambiar, es decir, estos “nuevos cómics” venden y llegan a más público porque no se venden como cómics, si no como algo diferente y, por supuesto, de “mayor nivel intelectual y artístico”, y también más caro, y por lo tanto exclusivo. ¿Pero por qué el cómic para adultos tiene que ser caro y exclusivo? ¿Por qué se pretende crear clases? ¿Hasta qué punto ayuda esto al mundo del cómic? Sin duda está ayudando al gafaspasta, a ese lector mas bien ocasional, que suele comprar manga de Jiro Taniguchi y cómic europeo o americano, tipo “Maus”, “Persépolis”, etc. , simplemente porque tiene premios que avalan su calidad. Leyendo este tipo de cómics no va a sentirse mal porque, al menos ahora, está de moda, hasta cierto punto, y es “aceptable” para el colectivo. “No son cómics, son novelas gráficas.”

Pero todo esto no está ayudando a ese tercer hombre, al que ha leído cómics toda su vida y que quiere seguir haciéndolo sin tener que avergonzarse de ello. Nosotros no lo hacemos, pero los hay que sí. Y todos esos que sí lo hacen, aquellos que no parecen estar del todo convencidos de la legitimidad de leer cómics a una edad adulta, contribuyen también a crear esa imagen de producto de segunda. Y sí, nos la trae floja, pero por favor, ayudemos a todos esos acomplejados. Dejémonos de términos editoriales que no hacen más que confundir al personal, da igual que sean tebeos o cómics, que los haya para mayores, para pequeños, o para bebés, nosotros sabemos por qué nos gustan, y eso es lo que importa. Podemos entender que se empleen terminologías para distinguir el tipo de contenidos, que se llamen “cómics para adultos”, que se creen cosas como el “gekiga”, pero no nos parece adecuado que se pretenda disfrazar al tebeo de novela gráfica, para intentar ocultar sus orígenes y derribar ciertos prejuicios. El #TLQM no entiende de edades ni de nomenclaturas.

¡Esperamos vuestras opiniones al respecto! Este puede ser un interesante debate.




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