lo sabéis, tenemos una norma, no hacer posts sobre “hits del momento” (nótese que nos hemos resistido a hablar de las pelis de Los Juegos del Hambre o Los Vengadores), pero de vez en cuando hay que saltarse estas normas, porque no hay más remedio. Y es que Hora de Aventuras es probablemente una de las series de dibujos animados más TODO LO QUE MOLA que han existido.

Llevábamos un tiempo oyendo hablar de estos dibujos, especialmente por el entusiasmo con el que Cels Piñol hablaba de la serie, pero pensábamos que sería una más de las series de Cartoon Network, que pueden estar bien para un ratillo, pero nada más. Un día, por casualidad, aterrizamos en Boing, y allí nos encontramos con unos dibujos al más puro estilo videojuego de Spectrum. Un par de bichos raros luchaban en la típica mazmorra contra la típica criatura del típico Dragon Quest (un sapo enorme). Aún no sabíamos que eso era Hora de Aventuras, pero nos quedamos pegados al televisor ante semejante alarde nostálgico chiptunero. Fue al terminar el capítulo que atamos cabos, y acabamos convencidos de que esta serie sí era algo distinto.

Días después empezamos a explorar la página web de Boing, y conseguimos ver unos cuantos capítulos. Nos tragamos unos cuantos de golpe, y cada mediodía durante una semana repetimos, con el mismo entusiasmo con el que Cels nos había hablado de la serie. Ya éramos fans.

“Adventure time” es una creación de Pendleton Ward, un tío curioso desde el nombre hasta su aspecto, que aún sin haber terminado sus estudios ya había tenido la idea juntar a un humano y a un perro multiforme en un mundo de fantasía. La idea de esta serie fue rechazada por Nickleodeon, quienes seguramente ahora se dan de golpes en la cabeza, ya que finalmente Cartoon Network apostó por ella sólo con ver el storyboard de  ”Enchiridion”.

Pendleton Ward, en teoría tiene sólo 30 años. 

“Hora de aventuras” sigue las peripecias de Jake el perro y Finn el humano, dos buenos amigos que se dedican casi que de forma profesional a ser aventureros. Siempre dispuestos a cualquier reto, ya sea rescatar una princesa de las garras del Rey Hielo, salvar al mundo de un agujero negro (que ellos mismos han creado), explorar mazmorras o encontrarse con dragones (para tirarse pedos en su cara). Viven en el País de Ooo, un planeta tierra post-apocalíptico que ha sido reconfigurado gracias a la magia, y en el que viven unas versiones algo alocadas de los típicos personajes de los cuentos de fantasía, espada y brujería. Y hasta aquí todo puede parecer más o menos normal, pero no lo es, en absoluto.

¡LOS CHUCHES!

“Hora de aventuras” es una de esas series que consigue entusiasmar tanto a pequeños como a mayores, porque siempre se puede disfrutar a dos niveles. Si bien hay una cierta lógica en como funciona el País de Ooo, llena de tópicos del mundo de la fantasía, sus autores siempre le dan vuelta y media al asunto. En inglés lo definen como algo “random”, es decir “aleatorio”, ya que cualquier cosa puede pasar, todo puede salir del patrón en cualquier momento para provocar la sorpresa, la carcajada, pero sobretodo, un gran WTF. Uno de los mejores ejemplos de esto son las canciones que pueden arrancar en cualquier momento. Y no son precisamente al estilo Disney.

Pero es que los personajes, si bien basados en tópicos, no son nunca planos. El Rey Hielo es el malo, pero uno no puede dejar de emocionarle su tristeza, y su aire campechano (ehem), la Princesa Chicle es adorable (pero cuidando no se enfade), y los mismos Jake y Finn, siempre ávidos de aventuras, pueden tener un día de lo más vago y rastrero. Por lo demás, hay una serie de personajes secundarios fantásticos (¿un dragón de arco iris que habla en coreano?), que a pesar de encajar a menudo con los típicos tópicos de la fantasía, siempre te sorprenden por algún giro inesperado.

La serie ha enganchado mucho a los roleros aficionados a juegos del estilo Dungeons & Dragons, ya que el mismo autor ha reconocido que es una fuente de inspiración. Pero la cosa no acaba ahí, hay referentes a miles de cosas #TLQM por todas partes, aunque algunas veces sea de forma disimulada (como los pequeños retazos del mundo apocalíptico que se dejan ver sólo de vez en cuando, y que dotan de una historia longeva al universo de la serie). En definitiva, se trata de una serie hecha con mucho cuidado, y que lleva un bagaje detrás muy importante, la clave para que buena parte del público culturalmente disperso la haya recibido con tanto entusiasmo.

Para despidir el post, os emplazamos al blog de Cartoon Network, en el que pudimos colaborar con Cels Piñol para redactar un post sobre el Cosplay y Hora de Aventuras (¡qué ilusión!).

Y un bonus. Aunque lo normal es que seamos nosotros los que entrevistamos, hace poco nos hicieron una entrevista en Otakufreaks. ¡No os la perdáis!

se fue, se terminó, el 30 Saló Internacional de Còmic de Barcelona ya es historia. Un Saló que, como ya hemos comentado, se puede recordar por muchas efemérides: los 20 años de la publicación de Dragon Ball, los 30 años de Planeta deAgostini Comics y del mismo Saló, o los 40 años de Mazinger Z. Había mucho que celebrar, y se celebró. Y ahora toca valorarlo desde nuestro punto de vista totalmente subjetivo. No esperéis que os hablemos de récords de asistencia, o de la cantidad de metros disponibles, sino de nuestra visión como un visitante más.

Lo que sorprende a más de uno al llegar es el protagonismo que tienen los stands promocionales de películas. Ese cabezón gigante de Prometheus, esa pseudo-celebrity de Gran Hermano promocionando la última de Sacha Baron Cohen, o el circuito de tiro GIJoe (aunque ninguno de ellos tan emocionante como los del Capitán América o Thor del año pasado). Sin duda, el matrimonio del cómic con el cine está siendo provechoso, y con la película de “Los Vengadores” ha llegado a un punto álgido. Lo que no tenemos tan claro es que el beneficio sea mutuo.

Ilustración del Rey Mono en el stand de China, el país invitado de este año. ¿Va en serio esta vez?

han pasado meses y meses, pero finalmente os mostramos la última parte de la entrevista que le hicimos a Niko, célebre papá de Cálico Electrónico. Y lo hacemos hoy, 7 de Mayo de 2012, día elegido para el estreno de la esperada 4a Temporada de Cálico Electrónico. Después de unos añitos haciendo sólo algunos cameos, el superhéroe más bajito de la galaxia, el rapsoda más cerdaco del mundo, vuelve a la palestra. ¡Ya era hora! Así que, antes de dirigiros a la web de Cálico Electrónico para ver el estreno mundial, aquí tenéis a Niko que nos contará algunas cosillas; entre ellas, planos de futuro que ya son presente. Así, en plan fast forward.

Recupera las anteriores entregas, seguramente mucho más locas que esta (en la que el orujo ya estaba de bajón):

PRIMERA PARTE, SEGUNDA PARTE. Y EL TRAILER CROSSOVER.

ayer mismo se inauguró la 30ª edición del Saló del Còmic de Barcelona, una fecha ya de por si a celebrar, pero para nosotros coincide con otras efemérides importantes. Primero, celebramos los 20 años de nuestro primer Saló, que por entonces se celebraba en el Mercat del Born, y que recuerdo muy bien por dos motivos. El primero, porque mi padre me  atropelló un pie con el coche justo al bajar para ir al Saló. El segundo, porque pude conseguir por primera vez material “oficial” de Bola de Drac. Y es que ese Saló coincidía con la inminente publicación del manga de Dragon Ball/Bola de Drac en su ya histórica serie blanca (siendo las dos primeras ediciones no japonesas de dicho manga), y en el stand de Planeta entregaban postales y un librito con imágenes de la serie, para acompañar la exposición dedicada a Toriyama.

Abajo en pequeño pone: “Esta fotocopia cuenta con la autorización expresa de los titulares de los derechos.” Es decir, se trata de una “fotocopia original y oficial”, el concepto tiene tela.

Para celebrar tan importante aniversario, la gente de Planeta regalará en este Saló un facsímil de ese primer número de la serie blanca con algunos textos extra que recuerdan esa entrañable época. Y podéis estar seguros que esto nos servirá para nuestro proyecto sobre los 20 años de manga y anime. Aprovecharemos el tiempo en este salón.

Por cierto, nota curiosa. El mismo año que celebramos estos 20 años del primer desembarco manga en el Saló del Còmic de manos de Dragon Ball, todo el mundo está hablando del espectacular stand de China, país invitado en esta edición. Una metáfora con múltiples interpretaciones.

Pero no sólo de manga vive el culturalmente disperso (si no, no sería disperso), y hay muchas otras cosas que nos interesan de este salón. De entrada, descartamos ya intentar conseguir una firma de Go Nagai, creador de Mazinger Z, ya que parece que el señor no tiene muchas ganas de dibujar o firmar, y simplemente regalará algunas estampitas a los afortunados ganadores de un concurso. Sin comentarios.

Como ya sabréis, el tema principal de este Saló son los robots, uno de esos grandes iconos de la ciencia ficción que tanto gustan aquí en la Arcadia; y que tan buena relación tienen con los japoneses, se podría añadir. Hace ya unos días acudimos a la exposición “Almas de Metal” de Cels Piñol en el Hotel Anglí, que forma parte del conjunto de actividades robóticas saloneras. Y ahora nos quedaría ver la exposición “local”, titulada “Robots en su tinta”, que hace un exhaustivo repaso a los robots de la literatura, el cine o el cómic. El visitante, incluso podrá interactuar con algunos robots parlanchines que pulularán por la Fira de Barcelona.Y si no tenéis suficientes robots, la gente de Phenomena Experience ha montado una maratón robótica en el Cine Urgel (Matrix+Almas de Metal+Programado para Matar).

Pero volvamos a Cels Piñol otra vez, ya que el domingo a las 19h podremos verle en acción en un corto dirigido por Victor Recort, quien emulará a Kevin Smith contando una historia de amor de un fanboy. Titulado “Free Acid”, el corto también se inspira en series como The Big Bang Theory y Spaced. Curiosamente conocimos a Víctor en el pasado Saló, y ahora por fin se estrenará, un año después.

Estas son sólo algunas de las múltiples actividades que nos depara este fin de semana, y encontraréis muchas más en la web de Ficomic. Para terminar, os dejaremos con algunas de las compras que tenemos en mente para este Saló. Aunque como siempre, nos gusta encontrarnos con sorpresas y rebuscar entre los cómics antiguos (sí, antes el Saló servía para eso más que para las novedades).

BASTARD!! de Kazushi Hagiwara (Complete Edition)

Ya compramos en su momento la primera edición de Planeta de Agostini, y nos encantaba. Sí, tiene muy mala fama el manga, pero nos partíamos el culo y había muchas bromas sobre Metal. Lo que ahora edita Planeta no es la típica reedición, sino que el autor ha redibujado el manga por completo. Y os podemos asegurar que la cosa ha cambiado mucho, muchísimo. Tanto, que ahora más que un manga de espada y brujería con tintes eróticos, se ha convertido en un manga porno con tintes de espada y brujería. Así de claro. Ya sea por curiosidad, o nostalgia, nos haremos al menos con el primer volumen.

LAS VACACIONES DE JESÚS Y BUDA de Hikaru Nakamura

Desde que leímos por primera vez en Mangaland sobre este manga, se había convertido en uno de esos mangas que te encantaría que editaran, pero para el cual tienes cero esperanzas. Pero Norma Editorial nos sorprende y lo saca. A ver lo que duran las aventuras de Jesús y Buda en la actualidad, siendo compañeros de piso. No, no me refiero a ver lo que duran viviendo juntos, sino a ver lo que dura la publicación de este manga aquí…

SIMIOCRACIA de Aleix Saló

Seguro que la mayoría de vosotros ya sabéis de sobras quien es Aleix Saló, se le empezó a conocer por un vídeo sobre la visita de Ratzinger Z a Barcelona, poco después lo petó con el corto animado sobre la crisis que servía para promocionar su trabajo “Españistán”, y ahora con otro vídeo y “Simiocracia” ha vuelto a dar la campanada. Quizás no tantos recordéis que entrevistamos a Aleix mucho antes de todo este boom, principalmente por su fantástico análisis de la llamada “Generación Burbuja” en el que fue su primer trabajo publicado (viñetas diarias aparte). Vamos, que casi podríamos fardar de tener buen ojo para identificar los nuevos talentos, ¿no?

JUEGO DE POLTRONAS by Nacho Fernández

Nacho Fernández es un clásico de las parodias. Famoso por ser uno de los autores de Dragon Fall, parece que se le ha podido aplicar durante un buen tiempo lo de que uno no es profeta en su tierra. Pero “Juego de Poltronas”, una divertida parodia de “Game of Thrones”, vuelve a demostrar que casi 20 años después sigue siendo capaz de arrancarnos una sonrisa o incluso una carcajada con su forma de pervertir nuestras obras de cabecera. Este ya hemos empezado a leerlo, y que los Stark se hayan convertido en vascos y se llamen Starkagorri, es un puntazo. Se acerca el invierno… se acerca la rasca.

A todo esto podéis añadirle recopilatorios de Marvel varios, puede que el primer número de Mazinger Z, y alguna cosillas más. ¡A disfrutar del Saló! (Mierda, creo que necesitaré más estanterías Billy…)

hoy saldamos una deuda que tenemos con los cosmonautas desde hace tiempo, y especialmente con Marc Bernabé (ahora os contamos porqué). Hace ya bastante tiempo nos pusimos a leer uno de los mangas deportivos más importantes y populares de la década de los 60, “Ashita no Joe” (“Joe del mañana”) de Tetsuya Chiba e Ikki Kajiwara (seudónimo de Asaki Takamori). Y aunque Marc tuvo la gentileza de prestarnos unas bonitas fotos para ilustrar el post, terminamos olvidándonos. Así que vamos a corregir esto.

“Ashita no Joe” empezó a publicarse el 1 de Enero de 1968 y se alargó durante cinco años, hasta el 13 de Mayo de 1973. En 1970 fue adaptado al anime por primera vez, después vendría una película de animación en 1980 y una segunda serie de anime poco después. Más recientemente, hace poco más de un año, se pudo ver una versión live-action sobre la vida boxeadora de Joe Yabuki (aunque tenemos sospechas de que se hizo alguna otra en los setenta). Y aunque este nivel de impacto que hacen suponer todas estas adaptaciones es bastante habitual en la mayoría de mangas de éxito, os podemos asegurar que lo de “Ashita no Joe” es un caso aparte, Joe se convirtió en un icono para muchos japoneses.

El manga nos cuenta la historia de un joven conflictivo llamado Joe Yabuki, que se dedica a robar y crear problemas por todas partes. Durante una pelea, Danpei Tange, un exboxeador, se fija en él y propone entrenarle. Joe Yabuki termina aceptando, pero en realidad acaba tomándole el pelo a Tange, y después de varias trifulcas es detenido por la policía y mandado a un reformatorio. En lugar de tirar la toalla, y con la esperanza de convertir a Joe en un gran boxeador, Tange acaba consiguiendo entrenar a Joe incluso estando encerrado. Allí empieza a forjar amistades y enemistades con otros boxeadores, que le animarán a entrenarse para convertirse en un boxeador de verdad cuando salga del reformatorio (aunque él, desde el minuto uno, siempre cree que es el mejor). Hasta aquí la premisa inicial del manga, que lógicamente seguirá avanzando y creando un par de momentos históricos del manga, desde el propio final hasta la muerte de uno de sus personajes.

La historia no avanza tan rápido como puede ocurrir en mangas más modernos. Se toma su tiempo para explicarnos quienes son los personajes y definir su personalidad, y al leerlo tienes la sensación de estar acompañándoles día tras día, sin perderte casi nada. No se trata de una de esas historias en las que año tras año el protagonista se va enfrentando a nuevos retos, con grandes elipsis, sino que todo se condensa en una época muy determinada de la vida de Joe. Gracias a esa proximidad, a ese contacto más cercano, empiezas a tenerles una estima considerable, y son capaces de emocionarte (lo cual explica el revuelo que causó el manga).

Como os podéis imaginar, siendo un manga de los 60, a día de hoy el dibujo puede parecer anticuado ante los ojos de cierto tipo de lectores. Lo cual no significa que no sea bueno. De hecho, pensamos que Chiba hizo un grandísimo trabajo, con un estilo claro y muy pulido, e incluso con algunas reminiscencias tezukianas evidentes (y con una representación de la acción mucho más comprensible que en algunos mangas deportivos más modernos). Las influencias de Tezuka también se notan en el tipo de humor que se utiliza a lo largo de la obra (bastante inocente, a veces incluso “fujiko-fujiosea”), y que le quita hierro a una historia que en muchos casos es realmente dramática y triste. Los contrastes entre la comedia y el drama son continuos, y eso le da un toque especial al manga.

Estos dos ejemplos dejan muy claro hasta qué punto la historia de Joe Yabuki caló entre los japoneses, y porqué es seguramente uno de los manga más recordados de todos los tiempos. Y además, todo un hito en los llamados “spocon”, los mangas deportivos. Aunque os podemos asegurar que el típico “espíritu de sacrificio” no es algo que encaje mucho con Joe, que tiene una forma muy particular de enfrentarse a los retos.

Seguramente jamás veremos una traducción en español del manga, pero al menos podréis encontrar la versión anime. De todos modos, intentad haceros de alguna manera con él, porque es historia del manga en mayúsculas, y además, con disfrute garantizado. Y es que a pesar de lo gamberro, chulo, soberbio,  y tantos otros defectos del malcarado Joe, este bala perdida se hace querer.

 Fotos de una escena muy especial del manga, sacada en Nakano (cerca del Mandarake), cortesía de Marc Bernabé, y que por fin me he decidido a subir.

como hemos hecho más de una vez en anteriores 23 de Abril (Diada de Sant Jordi en Catalunya, el día de la rosa y el libro), hoy toca haceros algunas recomendaciones arcadienses para regalar o compraros para vosotros mismos.

Las Nieblas de Avalón de Marion Zimmer Bradley

Ahora que gracias a Game of Thrones o El Nombre del Viento se ha puesto tan de moda la literatura fantástica de carácter más o menos medieval, os queremos recordar un libro que leímos hace ya unos cuantos años, pero que nos sorprendió gratamente.

Las Nieblas de Avalón nos cuenta la archiconocida historia del Rey Arturo desde un punto de vista muy distinto al habitual, el de las mujeres de la historia. Casi siempre, las historias de caballeros han sido contadas a través de los ojos de los hombres, y las mujeres han tenido un papel puramente testimonial. Marion Zimmer Bradley quiso darles voz a estas olvidadas. Aunque la historia empieza a contarse desde el punto de vista de Igraine, madre de Morgana y Arturo, poco después será la famosa hechicera la que tome el relevo.

El libro va a sorprender a aquellos que conocen bien los mitos artúricos, ya que aquí la historia cambia considerablemente. No porque el argumento sufra alguna variación, sino porque se incide en detalles que convierten la historia en algo más real y menos mítica. No sólo el punto de vista femenino humaniza más la historia, sino también la importancia que toma la cuestión religiosa en la historia. Es muy interesante el enfoque del tema del paganismo de un Avalón enfrentado al cristianismo, que poco a poco va ganando terreno e influencia por encima de la antigua religión.

Una original y apasionante forma de reinterpretar los mitos del Rey Arturo. (Y si os quedáis con ganas de más o queréis haceros un pack temático, podéis leer nuestro post sobre Camelot 3000, y de paso ver la peli “Excalibur”, fabulosa – existe un telefilm de la novela, pero no vale la pena).

Guerra Mundial Z de Max Brooks

Aunque este libro ya es bastante famoso, seguramente lo es más la Guía de Supervivencia Zombie del mismo autor (que no deja de ser una curiosidad divertida). El hijo de Mel Brooks parece que se ha convertido en todo un autor zombie, y con este libro sorprendió con una propuesta original para contar la enésima apocalipsis zombie.

Como si se tratase de un informe para la ONU años después de la llamada Guerra Z, el autor va buscando testigos alrededor del mundo que le ayuden a explicar la invasión de los zombies y la guerra librada contra ellos para conseguir salvar a la humanidad. Esta idea le da cancha libre al autor para realizar un muy interesante ejercicio literario de temática zombie, con gran variedad de historias originales de supervivencia alrededor del mundo. Situaciones como la vivida dentro de un submarino militar desertor, la experiencia de un hikikomori saltando de piso en piso para escapar, e incluso la historia de como se creó un plan para garantizar la supervivencia de parte de la población a costa del resto. Contadas más o menos de forma cronológica, poco a poco vamos reuniendo pedazos de un mosaico que forma la historia oral de la guerra zombie.

Si os gusta la temática, no lo dudéis. Es uno de esos libros que se lee en pocos días, y no porque sea corto.

Top 10 de Alan Moore & Gene Ha & Zander Cannon

Porque hoy también se pueden regalar cómics (hoy y cada día), os recomendamos uno de los cómics de cabecera aquí en la Arcadia. Seguramente no sea uno de los más famosos de Alan Moore, pero Top10 es probablemente uno de los cómics de superhéroes más originales que hemos leído jamás. La acción se sitúa en Neopolis, una ciudad en la que todos y cada uno de sus ciudadanos tiene superpoderes y se viste como un superhéroe o un supervillano. La acción se centra en los que se encargan que esto no se salga de madre, una superpolicía que tiene que resolver super problemas.

Si ya conocéis a Alan Moore, y sobretodo obras como Tom Strong o Tomorrow Stories, os podréis imaginar lo explosivo de este cóctel. Algunas de las situaciones que se plantean sólo se pueden describir como surrealistas, porque decir que son originales es quedarse corto. Pero aún asi, en el fondo, Top10 no deja de ser como la típica serie de policías, en la que veremos como resuelven casos al mismo tiempo que siguen adelante con sus vidas, no siempre sencillas.

Alan Moore dejó la serie sin acabar después de 12 números, y aunque varios autores han seguido explotando el mundo de Top10, esos primeros siguen siendo las mejores entregas. Por cierto, no os perdáis la cantidad de pequeños homenajes que aparecen en muchas de las viñetas (principalmente a través de pequeños cameos).

Y hasta aquí nuestras breves recomendaciones #TLQM para hoy. Si queréis más, podéis buscar en el blog a través de la etiqueta Libros. Y os animamos a dejar vuestras recomendaciones en los comentarios. Bona diada de Sant Jordi!

seguramente serian pocos los que habrían apostado por la arriesgada propuesta de Herder Editorial. En un momento en el que el manga no pasa por unos momentos boyantes en nuestro país, la idea de publicar mangas que adaptan clásicos de la literatura/filosofía universal parecía una locura. Pero ya vamos por la tercera entrega de estos manga, así que todo indica que la propuesta ha tenido una buena acogida (de hecho, el primer título va por la tercera o cuarta reimpresión, y el segundo por la segunda).

Ya os hemos contado nuestras impresiones sobre “Así hablo de Zaratustra” de Nietszche o “La Divina Comedia” de Dante, y lo cierto es que esta nueva entrega, “El príncipe” de Maquiavelo, es algo distinta. Si hasta ahora estos manga adaptaban una obra en concreto, lo que nos hemos encontrado ahora es con la biografía del autor, que entre otras cosas explica el proceso de creación del texto en cuestión, al tiempo que nos va contando algunos de los principios básicos del mismo. En realidad, no deja de ser una forma interesante de abordar un texto que quizás sería más complicado de adaptar.

Pero quizás sea necesario ponernos en antecedentes. “El Príncipe” es un tratado que escribió Maquiavelo, un burócrata de la Florencia de finales del XV y principios del XVI, para educar al próximo governante de la ciudad en el ejercicio del poder. Se ha comparado este trabajo con obras como “El arte de la guerra” Sun Tzu, que tanto éxito ha tenido entre ejecutivos, empresarios y yuppies en general. Ambos tratados siguen siendo una inspiración en varios ámbitos, y de hecho, como ya sabréis, aquí encontramos el origen del concepto/adjetivo “maquiavélico”.

Como ya os decíamos, el manga en realidad hace un repaso a la vida de Nicolás Maquiavelo para explicarnos como los sucesos históricos del momento, así como su experiencia en la vida política, le ayudaron a crear “El Príncipe”. Así pues, este manga tiene un carácter histórico, en el que continuamente se van repasando las trifulcas que existían entre los pequeños estados italianos, cuando aún no eran un país unificado. Entran en juego los famosos Borgia, el Vaticano, así como los franceses e incluso los españoles. Y en medio, Maquiavelo, un florentino preocupado por la seguridad de su ciudad, que ansia volver a conquistar Pisa para abrirse al mar.

De los tres títulos que hasta ahora ha publicado Herder, “El príncipe” es probablemente el manga con carácter más didáctico e incluso “práctico” de los que hemos leído hasta ahora. Lógicamente, esa era la intención de Maquiavelo con su trabajo, pero la forma de transportarlo al cómic, con esas contínuas dosis de historia, hacen que su lectura se parezca más a un libro de texto que a un manga. Especialmente al principio, cuando hay que explicar el complejo contexto histórico, el manga se vuelve ciertamente algo pesado, farragoso, ya que la acción es nula. Poco después, cuando Maquiavelo toma el protagonismo, la lectura se hace más llevadera y poco a poco se va volviendo más interesante, a la par que instructiva. Entenderemos fácilmente cuales son las bases del “maquiavelismo”, y las interesantes, aunque no necesariamente vigentes, teorías sobre los modelos de gobernante.

Como sucedía en los otros manga, que siguen sin firmarse (aunque sabemos que proceden de la editorial East Press Co y el editor Kosuke Maruo), el dibujo es puramente funcional, y por lo tanto, con mínimas pretensiones artísticas. Pero no debemos olvidar la función o propósito que tienen este tipo de mangas. No intentan contar una historia, sino aportar algunos conocimientos de cultura popular al lector. Si esto es lo que se persigue, creemos que “El príncipe” en versión manga realmente lo consigue.

]]> http://laarcadiadeurias.net/2012/04/16/el-principe-de-maquiavelo-el-manga/feed/ 9 El Capitán El-Principe-manga 599x0 http://laarcadiadeurias.net/2012/04/13/ediciones-vertice/ http://laarcadiadeurias.net/2012/04/13/ediciones-vertice/#comments Thu, 12 Apr 2012 22:00:54 +0000 El Capitán http://laarcadiadeurias.net/?p=7824 ]]> Saludos cosmonautas,

siguiendo con la línea que iniciamos con un post sobre portadas de Forum, hoy volvemos atrás en el tiempo, incluso antes de que el que escribe hubiese nacido, para hablaros de uno de esos tesoros tebeísticos que guardamos desde hace muchos años. Se trata de varios volúmenes de Marvel que editaba la mítica Ediciones Vértice, que encontramos hace ya varios lustros entre las pertenencias de nuestros tíos. Para los de nuestra generación, la editorial más importante en cuestión de superhéroes siempre fue Cómics Forum, pero para los que nos sacan ya algunos años, fueron las ediciones en blanco y negro de Vértice las que les introdujeron en el maravilloso mundo del superhéroe americano, y en menor medida las de Bruguera.

Seguramente muchos de vosotros no hayáis tocado nunca un cómic de Marvel que no sea de papel satinado, así que las ediciones de Vértice pueden ser algo un tanto exótico. Si bien las últimas ediciones eran de un tamaño parecido al americano y en color, al principio de todo, en el desembarco de este género en 1969, los cómics de Vértice se vendían en unos tomos en blanco y negro muy característicos (¡antes del manga ya existían los “tomos”!). Entre las decenas de títulos publicados se encontraban personajes como Spiderman, Capitán América, Estela Plateada, Namor, La Masa, El Hombre de Hierro (Iron Man, claro), Patrulla X, Los Cuatro Fantásticos, Doctor Extraño, Los Vengadores… en definitiva, los personajes principales de la Casa de las Ideas, y algunos más. Actualmente, si os pasáis por algún salón del cómic, encontraréis varias tiendas que tienen cajones y cajones con estos tomos, aunque abundan mucho más los de los volúmenes 2 y 3 (cuando ya eran en otro tamaño o a color).

Pero si alguno de vosotros se decide un día de estos a comprar uno de estos tomos que se prepare para una desagradable sorpresa. Y es que los primeros cómics Marvel que llegaron a nuestro país fueren severamente mutilados, masacrados y modificados por Ediciones Vértice. Hoy queremos mostraros algunas de estas salvajadas, que van más allá de unas simples modificaciones de formato, ya que incluso se atrevían a cambiar los diálogos.

El primer crimen contra los cómics que salta a la vista es el cambio de formato. Los editores decidieron que, en lugar de adaptar su formato al producto original, harían todo lo contrario, iban a adaptar los cómics a sus bonitos tomos. Seguramente también pensaron que meter toda una página de un cómic americano en sus pequeñas páginas sería perjudicial para la vista, de forma que se recortaron las distintas viñetas, se agrandaron de tamaño y se convirtieron en una página entera o en media página. Como por entonces los dibujantes aún respetaban mucho los márgenes de las viñetas se podía hacer algo así, hoy sería imposible. Pero lógicamente esto no siempre se podía hacer sin modificar de algún modo las viñetas, con lo cual a veces desaparecían fondos, o de repente una viñeta mostraba unos curiosos y enormes espacios en blanco.

Para ejemplo del corta y pega de viñetas, aquí tenéis las primeras páginas de “La Guerra Kree-Skrull” de Los Vengadores que hace poco publicaba Panini Comics en su formato original, y podéis comparar con las páginas de la edición de Vértice (Los Vengadores nº 41):

Primera página y secuencia de la edición de Panini Comics

En la edición de Vértice, las primeras cinco viñetas, que eran pequeñas, pasan a ser una página.

Y lo que antes era media página, ahora es una página entera. 

Pero no eran sólo las viñetas las que sufrían esos cambios. Los más avispados os habréis fijado que en la última imagen no aparece el título del cómic, y además también han desaparecido los autores del mismo. Si bien en la primera página de Vértice constan traductor, rotulador y el mítico dibujante de portadas López Espí, los autores originales del cómic fueron sistemáticamente eliminados en las ediciones de Vértice. No acabamos de comprender por qué motivos se decidían a borrar esos datos, ¿que pensarían sus autores originales de algo así?

Podemos suponer que en esa época, en la que los cómics eran algo exclusivamente para niños (para mucha gente siguen siéndolo), el respeto por la obra original y sus mismos autores eran valores que no estaban muy en boga, ¿acaso les importaría eso a los niños? Seguramente no demasiado, pero eso no significa que no tuviesen el derecho de saber quien dibujaba esos cómics, o leerlos tal y como se habían creado originalmente.

La cosa no quedaba ahí, en el corta y pega de viñetas. Como decíamos, a veces había que hacer algo más que un puzzle para que estas encajaran con el formato Vértice, y como veremos a continuación, alguien tenía que dedicarse a arreglar algunas viñetas, hacerlas más grandes y añadir algunos detalles para que no se notara en exceso. El primer ejemplo ya lo tenéis más arriba, en el que alguien tuvo que alargar los edificios, completar la palmera y añadir una nube. Pero vamos a ver algún ejemplo más:

Fijaos en la última viñeta, la que cierra esta página de “La Guerra Kree-Skrull”.

Y lo que era una pequeña viñeta horizontal, ahora se ha convertido en toda una página. Y para poder mantener las mismas proporciones alguien tuvo que añadir más partes de la roca, así como más líneas cinéticas. ¿Será por esto que al final no se citaban a los autores?

Se podría pensar que esto no eran más que unas ligeras modificaciones que apenas alteraban la obra original, unos simples arreglos poco perceptibles que no empañaban la lectura en si. Pero en Vértice no tenían bastante, y llegaban incluso a añadir viñetas de la nada, e incluso a cambiar los textos. Aquí tenemos un par de ejemplos de Estela Plateada (que encontramos en esta web sobre Vértice):

En esta viñeta final vemos como originalmente Estela Plateada se caga en todo lo que se menea y jura que a partir de ahora será un ser mortífero. Pero en la versión de Vértice nos suelta un rollo en el que dice que lo que quiere hacer es volver a su “planeta patrio”, volver al amor, todo gracias a la intervención de Rayo Negro. Es decir, lo que era un final dramático y que prometía grandes dosis de violencia, acaba convirtiéndose en una retirada hacia la paz del hogar en busca del amor. Si bien la original era un buen final, a la viñeta de Vértice le faltaba algo, y así añadieron lo siguiente:

Lo que aquí vemos es una portada convertida en viñeta (que no existía en el cómic original), por supuesto con un texto nuevo que acaba de redondear el final que habían creado. Esta perversión tiene su explicación, aunque no sirve para justificar semejante descalabro. El número de Estela Plateada en cuestión suponía la última entrega del personaje para la editorial, así que es lógico pensar que quisieron darle un bonito final feliz para poder cerrar la serie sin dejar a los lectores con las ganas de saber lo que iba a pasar después. Los lectores de manga últimamente se están acostumbrando bastante a quedarse a medias con una serie, pero creo que está fuera de toda discusión que siempre se preferirá quedarse a medias que manipular la obra original, ¿no?

Ya hemos visto que había ciertas “excusas” que justificaban estos ataques terroristas comiqueros, y años después, cuando Bruguera tomó el relevo de Vértice, parecía haber llegado el momento de corregir el horror. Con su también mítica colección Pocket de Ases, a primera vista parecía que Bruguera había hecho las cosas bien. Pero aunque había un mayor respeto por el original, en realidad seguían pecando de esa esclavitud relativa al formato.

Aquí arriba uno de los pocos Pocket de Ases que tenemos en los archivos de la Arcadia. En este caso se incluían 7 aventuras de Los 4 Fantásticos. Al parece, uno de los problemas principales es que no había continuidad alguna, se iban publicando episodios de forma aleatoria, de personajes dispares (de Marvel u otras editoriales)… en definitiva, una fórmula que podía funcionar para los más pequeños, pero no si ya eras un lector algo más crecidito que querías ver terminar las historias.

Si bien el título es obvio que se modificó para la traducción, no ha habido problema para añadir de nuevo a los creadores, en este caso tres grandes de la Casa de las Ideas (Conway, Buscema y Sinnot). Al menos en esto mejoraron la propuesta de Vértice.

Pero una vez más, el formato mandaba, al hacer los tomos tan pequeños (incluso más que los de Vértice), había ahorrar en texto, con lo cual los diálogos eran bastante telegráficos. Y aunque no lo podemos confirmar por no tener el cómic original, tenemos entendido que también se eliminaban páginas o se modificaban los colores para adaptar el cómic a su formato (aunque seguramente la masacre era menor que en Vértice).

En definitiva, los primeros años de Marvel en nuestro país fueron un desastre editorial, aunque eso no quita ahora todo el cariño que muchos tienen a estas primeras ediciones del desembarco Marvel en nuestras costas. Afortunadamente, luego llegó Forum, y por fin los Marvel Zombies empezaron a disfrutar como bien se merecían estos grandes títulos.

]]> http://laarcadiadeurias.net/2012/04/13/ediciones-vertice/feed/ 7 El Capitán vertice2 IMG_20120412_133056 MG02 EV02 EV03 V2 V1 EP01 EP02 4F01 4F02 4F03 http://laarcadiadeurias.net/2012/04/12/los-personajes-de-anna-roig-i-lombre-de-ton-chien/ http://laarcadiadeurias.net/2012/04/12/los-personajes-de-anna-roig-i-lombre-de-ton-chien/#comments Thu, 12 Apr 2012 07:50:05 +0000 El Capitán http://laarcadiadeurias.net/?p=7999 ]]> Saludos cosmonautas,

hace meses tuvimos a Anna Roig, cantante y compositora del grupo Anna Roig i l’ombre de ton chien, sometida al interrogatorio de la Entrevista Pirata (si os lo perdisteis, aquí tenéis la primera y segunda parte). Pero nos guardamos un as en la manga, un pequeño gran extra en el que le propusimos un pequeño ejercicio a Anna, a partir de ciertos objetos tenía que hablarnos de los personajes que aparecen en sus canciones, algunos tan controvertidos como la asesina en serie Trini Sánchez Mata. ¡Os dejamos con Anna!

Por cierto, si os han gustado estas historias, Anna Roig acaba de publicar su primer libro (por ahora en catalán sólo), aquí tenéis más información. Y para terminar, para aquellos que no conocéis la banda, aquí el videoclip de una de sus canciones más famosas:

si alguno se escuchó el penúltimo programa de Generació Digital (aquí lo tenéis – en catalán), o tiene buena memoria, sabrá que somos fans de cierto director/guionista/showman llamado Kevin Smith; le bautizamos como “el rey de los nerds” ya hace un tiempo en este mismo blog.

Si bien en los últimos años Smith parecía haber perdido algo de fuelle con sus últimas películas, con la genial “Red State” recuperó ese “algo” que añorábamos, y su última aventura televisiva nos vuelve a situar en ese mundo de aficionados a los cómics que tan bien retrató en varias de sus películas de la saga New Jersey (“Mallrats”, “Persiguiendo a Amy”). Coincidiendo con los últimos seis episodios de la segunda temporada de The Walking Dead, la cadena AMC ha estado programando “Comic Book Men” justo después de cada capítulo zombiesco, una especie de “reality show” que tiene lugar en Jay and Silent Bob’s Secret Stash, la tienda de cómics propiedad de Kevin Smith.

“Comic Book Men” sigue las peripecias de los tres trabajadores de la tienda (Walt Flanagan, Michael Zapcic y Ming Chen), con el añadido de Bryan, un amigo de Kevin Smith que básicamente se dedica a medorear por la tienda y aportar su visión cínica/graciosa al asunto. El propio Smith hace acto de aparición en cada episodio, ya que siempre veremos a los cinco personajes comentando la acción desde un estudio de radio, desde el cual graban varios podcasts (entre ellos, el dedicado a Comic Book Men). Como no podía ser de otra forma, las conversaciones de estos cuarentones girarán siempre alrededor del mundo de los cómics de superhéroes, y quizás con algunas pinceladas de cine y algún que otro tema culturalmente disperso.

Jay and Silent Bob’s Secret Stash: 35 Broad Street Red Bank, NJ 07701 (USA)

Si bien en cada capítulo habrá alguna trama que seguir (desde competiciones entre ellos para vender excedentes en un “rastrillo”, hasta la grabación de un anuncio para TV), el programa se centra sobretodo en mostrar el regateo y las negociaciones que realizan sus protagonistas con aquellos clientes que quieren vender algunas de sus propiedades comiqueras. Así pues, veremos multitud de gente entrar con cómics de la Silver Age que valen miles de dólares, dibujos originales de Bob Kane autografiados, figuras de Godzilla en no muy buen estado, o incluso muñecos de Chucky. La mayoría de estos clientes saldrán de la tienda con mucho menos dinero del que esperaban conseguir (o sin haber vendido nada). En cierto modo, la serie no deja de ser una versión geek de cierto tipo de realities que existen en EEUU, en los que el interés se centra en subastas, o el regateo entre vendedores y compradores. Nosotros mismos vimos durante nuestro viaje a Canadá un programa parecido, Storage Wars, en el que varios profesionales de las antigüedades competían entre ellos en las subastas que se hacen de aquellos típicos trasteros de alquiler cuyos propietarios han dejado de pagar.

Parece ser que este es un género de reality show que tiene su nicho de mercado en los USA (Storage Wars/Pawn Shop All-stars/Antiques Roadshow). Pero es precisamente por este protagonismo de la negociación que “Comic Book Men” no es una serie que vaya a gustar a todo el mundo. De hecho, la mayoría de público será incapaz de entender porqué algunos están dispuestos a pagar 9.000 dólares por un par de páginas originales de Silver Surfer de Jack Kirby, o incluso más por algunos ejemplares de Marvel y DC de los años sesenta. Pero para nosotros no deja de ser interesante aprender un poco más como funciona el mundo del coleccionismo en Estados Unidos, donde vender y comprar cómics va mucho más allá del puro placer por la lectura, y se convierte en todo un negocio especulativo. Tener ciertos cómics en buen estado puede ser mejor inversión que ciertas acciones en la bolsa. Y además, hay que añadirle toda la cuestión sentimental que muchos de los compradores/vendedores pueden profesar hacia ciertos productos.

Lógicamente habrá una aparición “espontánea” de Jason Mewes, demostrando que su papel como “Jay” no está muy lejos de la realidad. 

Pero por supuesto, el mayor placer e interés para cualquier aficionado a los cómics de superhéroes será ver algunas de las joyas que van desfilando por el mostrador de la tienda, así como todo el conocimiento que demuestran tener los dependientes sobre la historia de los mismos. Pero si lo del Comics Code Authority no te suena de nada, o no eres consciente del impacto de la muerte de Gwen Stacy en Spider-Man, entonces es posible que te pierdas un poco y no aguantes más de un programa. Pero tampoco lo descartemos al 100%, ya que quizás las puyas entres los empleados sean lo suficientemente divertidas/crueles como para que te rías, y más de uno se sorprende a si mismo disfrutando con el regateo despiadado de los protagonistas.

En la web de AMC encontraréis contenidos extra (podcast, escenas extendidas). 

Si bien nosotros hemos disfrutado mucho con el programa, lo cierto es que las críticas que hemos podido leer han sido prácticamente todas negativas. Aunque varios de los argumentos para cargarse el programa sean del nivel “es que nunca se ve a nadie comprando nada” o “es que siempre se meten con el chino”, no podemos dejar de darles la razón en ciertos aspectos. Para empezar, a pesar de considerarse un “reality show”, existe cierta sensación de que muchas de las conversaciones son postizas o forzadas. Con esto no queremos decir que los protagonistas se hayan aprendido un guión, pero seguramente existe uno que sugiere lo que tienen que hacer, o sobre qué temas deberían hablar. Así pues, de la misma manera que los cómics de The Walking Dead aparecen en más del 50% de los planos que se hacen dentro de la tienda, las distintas conversaciones y “eventos zombie” que veremos no tienen nada de espontáneo (por mucho que quieran hacernos creer que hacer un día de “descuentos zombies” sea idea de Ming). También puede ser sospechoso el altísimo nivel de los objetos de coleccionista que pasan por dicho mostrador de forma tan conveniente (llega a pasar un tío con una réplica exacta del Bat-móvil de los 60), pero Kevin Smith no ha ocultado nunca que se buscó activamente a estos vendedores (lo cual no implica que las transacciones no sean reales).

Pero hay otra crítica que se repite bastante ya dentro del círculo de lectores de cómics. Algunos se quejan de la perpetuación de ciertos estereotipos dentro del mundillo comiquero. Es decir, les molesta ver a esta panda de “frikis algo gorditos” que no saben más que tener conversaciones absurdas sobre temas ficticios, a pesar de tener ya más de 40 tacos. Sí, es cierto que quizás no hacen un gran favor para cambiar esa imagen del nerd/geek que impera en el imaginario colectivo, pero quizás también es pasarse exigir que se haga una campaña para mostrar que el lector de cómics en realidad es un tío cool y triunfador, guapo y con la misma habilidad para conversar de Schopenhauer. Es seguro que existen ambas cosas en el mundo culturalmente disperso, lo que no tenemos claro es qué proporción representa cada uno de ellos.

Pero si estos cuatro Comic Book Men son así, ¿por qué esconderlo? Además, no podemos olvidar que es precisamente esto lo que hizo triunfar “Clerks” en los años noventa (¡incluso les veremos jugando a hockey!), y por lo tanto, “Comic Book Men” en realidad no hace mas que seguir esa fórmula de éxito, ¿o acaso alguien tiene el más mínimo interés en saber más cosas sobre su vida personal y privada? Por mucho que esto sea un “reality show”, creo que a nadie le sorprenderá saber que en realidad el control que se ejerce sobre lo que se hace o se muestra en estos programas es muy alto, dejando sólo un pequeño espacio a la espontaneidad para que seamos capaces de creer que lo que vemos es real y no una “realidad controlada” (¿alguien se acuerda del Show de Truman?).

No es un programa perfecto, no es un programa del todo redondo, pero creemos que tiene el suficiente nerd-appeal para que cualquiera que tenga un mínimo interés por temas culturalmente dispersos sea capaz de disfrutarlo, reírse, y aprender un poquito sobre la marcha (y nosotros nos hemos quedado con ganas de mucho más – aunque vemos difícil la renovación). “Comic Book Men” no creemos que sea una apología de un estilo de vida, pero nos presenta una realidad que existe, que la protagonizan personajes que quizás son más auténticos que los que veremos en la mayoría de “realities”, y es que Kevin Smith siempre ha reivindicado esa normalidad. ”Comic Book Men” habla mucho del “money, money”, pero también es la celebración de la afición por los cómics, es una reivindicación de ese placer por la lectura y sus debates intrascendentes, que quizás no van a solucionarnos la vida, pero al menos la endulzarán un poco. Y también tiene un punto sentimental importante, que nos transporta a nuestra infancia. Además, ¿a quién coño no le gustaría tener una tienda de cómics? Aunque trabajar en ella ya es otro tema…

PD: Y un pequeño extra para terminar. ¿Que no vemos a nadie comprar? ¿Que sólo salen tíos gordos? Una escena inédita donde una chica compra cómics, y no es un regalo para su novio, sabe lo que busca.

]]> http://laarcadiadeurias.net/2012/04/10/comic-book-men/feed/ 2 El Capitán Screen-shot1_905 30604 "Comic Book Men" CM_DR_1128_0189 comic-book-men-poster comicbookmentienda