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12
ene
12

“El enmascarado de la luna”: Gekko Kamen en VHS

Saludos cosmonautas,

hoy dejaremos las explicaciones para después del vídeo, un unboxing muy especial:

Gekko Kamen, el primer superhéroe televisivo japonés.

Así es, por pura casualidad nos enteramos de que existía una versión VHS en español de la película de este mítico superhéroe, Gekko Kamen, e iniciamos nuestro regateo con el vendedor… conseguimos un relativo buen precio para semejante joya, aunque como suele ocurrir con todo lo que mola, para algunos esto es basura reciclable y para otros oro en paño. Pocos días después, lo tenemos en las manos, y estamos ansiosos por ver la película.

Como explicábamos en el vídeo, Gekko Kamen, fue el primer superhéroe televisivo japonés, bastantes años antes del más famoso rey del tokusatsu televisivo, Ultraman (y 13 años antes de otro Kamen, Kamen Rider). Así pues, desde el 24 de Febrero de 1958 hasta el 5 de Julio de 1959, niños y mayores japoneses se reunían ante el televisor (algunos en la suya propia, otros en la del vecino) para ver los 130 episodios de la serie de este motorista enmascarado (¿de qué me suena esto?). Según dicen, la cancelación se debe a que muchos niños se hicieron daño intentando imitar a Gekko Kamen, si es cierto o no ya lo veremos… el caso es que la serie volvió 13 años después en formato anime, y fue esta versión la que consiguió traspasar fronteras, llegando a México bautizado como “Capitán Centella”.

Lo más curioso de esta edición en vídeo, es la contraportada, ya que en lugar de ofrecer la típica sinopsis con los fotogramas pertinentes, se marcan un texto de varios párrafos que, hemos considerado tan interesante, que lo vamos a transcribir:

“Hace ya 25 años, cuando el JINETE DE LA MASCARA DE LA LUNA, vestido con su blanca bufanda, su blanca máscara y sus gafas de sol se convirtió en uno de los personajes de cómic más populares de todos los tiempos, superando incluso los de Flash Gordon y Superman. Cuando apareció por primera vez en las series de TV japoneses, alcanzó inmediatamente una fenomenal audiencia del 65 por ciento en la TV, lo que virtualmente dejó vacías las calles y plazas de las ciudades. Los niños se sintieron tan impresionados por este personaje, que sus distintivos (bufanda, máscara y gafas de sol) se vendieron por millones. Un gran número de jóvenes japoneses debieron ser hospitalizados diariamente con huesos fracturados, como resultado de tratar de imitar a su “HEROE”. Esto llegó a tal punto que, por la insistencia de un gran número de familias cuyos hijos trataron de “volar desde lo alto”, las autoridades se vieron obligadas a adoptar medidas para prevenir este síndrome. Pero los sentimientos alimentados por la gente hacia el JINETE DE LA MASCARA DE LA LUNA permanecieron inalterables a través de los años. Y ahora, nuestro héroe favorito ha vuelto a nuestro lado, su carácter y sus virtudes de bondad y justicia han permanecido incólumes, pero adaptadas a las realidades del día de hoy. Setsu Asakura, el pintor y escultor mundialmente famoso, diseño su vesturario y Takuya Yura diseñó la motocicleta. La “Super” motocicleta desarrollada de la HONDA de 750 cc, llevó seis meses para su remodelado y cuesta 40.000 dólares.

Con la ayuda de la más moderna y avanzada tecnología japonesa, la potencia de la motocicleta ha sido aumentada de 66 a 150 caballos de fuerza, y está equipada con varios dispositivos tales como los rayos ultras rojos y radar, paracaídas, sistema VTR, pantalla de humo y lanzador de aceite. Debe destacarse que estos dispositivos no han sido concebidos como armas mortales, sino solamente mecanismos defensivos. Este hecho juega un importante papel hoy día, pues existe ya demasiada violencia cotidiana en nuestras pantallas. Esta película debería servir para inspirar a nuestros hijos en el verdadero significado de “valor” y “justicia”.

“El Jinete de la Máscara de la Luna” combina espléndida e impresionantemente las persecuciones en motocicleta a increíble velocidad con maravillosas combinaciones de acción física. En todos los sentidos, nos ofrece la más moderna tecnología, en la que tanto destaca el Japón. No se utiliza un solo truco en aquellas escenas en las que el “bien” se enfrenta a lo “diabólico”. Esta película destaca también por su excelente fondo musical, con la presentación de un magnífico grupo rock-m-roll, THE NORTHERN LITES. “

Por último, queremos hablaros de una famosa parodia del personaje, tan famosa que se podría decir que tiene entidad propia. Se trata de Kekko Kamen, una heroína creada por el mismísimo Go Nagai (autor de Mazinger Z, Devilman, etc.), y que de formar similar a Gekko Kamen viste una máscara, bufanda, unas botas… y nada más, porque el resto de la ropa se la ha dejado en el armario, y por lo tanto, se pasea en cueros.

Para Kekko Kamen ha habido también adaptación en anime, y una serie de películas bastante conocidas, especialmente porque una de las reinas del porno japonés, Maria Ozawa, es la encargada de encarna al personaje.

Y un extra final, una parodia, parodiada; de Gekko Kamen a Kekko Kamen, y de Kekko Kamen a Kekko Kamen Rider.

22
dic
11

Entrevista Pirata: Anna Roig i l’ombre de ton chien (1a parte)

Saludos cosmonautas,

lo prometido es deuda (no te lo crees ni tú), y tal como os avanzábamos en verano, finalmente hemos podido realizar una Entrevista Pirata a la banda que convertimos en “recomendación musical veraniega oficial de la Arcadia”: Anna Roig i l’ombre de ton chien.

Como ya os contamos en el post que les dedicamos, esta banda nos cogió por sorpresa. Tenía todos los números para que no nos gustara, pero poco a poco fue calando, y nos sedujo hasta que caímos rendidos al encanto de Anna Roig, sus melodías, así como ese mundo de curiosos personajes que ha creado.

Quedamos una lluviosa tarde en Arenys de Mar, e hicimos la entrevista entre paseo y paseo por el pueblo. Una tarde agradable, con una chica más agradable aún, y además, la primera que entrevistamos en la Entrevista Pirata. Hasta ahora, sólo habían pasado hombres por aquí. Así que sin más, os dejamos con Anna Roig.

Y para terminar, uno de sus últimos y creativos vídeos:

Si no lo leísteis, podéis leer nuestro post sobre Anna Roig i l’ombre de ton chien aquí.

21
dic
11

Pink Lady, el dúo de JPop Sideral… o esas tías buenas bailando raro

Saludos cosmonautas,

el de hoy es uno de esos posts que llevan meses y meses (por no decir años) arrinconados en la Arcadia. Uno de esos posts que aseguras que tarde o temprano tienes que hacer, pero como quieres hacerlo bien lo vas procrastinando hasta límites insospechados. Pero después de la buena acogida del post sobre el período Showa (clicad aquí), creemos que ya ha llegado el momento de hablar de nuestro dúo JPop favorito: Pink Lady (ピンク・レディー).

Mitsuyo y Keiko eran dos amigas que vivían en la prefectura de Shizuoka, y que un buen día aparecieron en el programa “Star Tanjo!”, uno de esos típicos programas que buscaban talentos. Aunque al principio tenían unas pintas algo remilgadas, y lo suyo era el folk, poco tiempo después la cosa iba a cambiar radicalmente. Una transformación que veremos en este vídeo:

Pues sí, ahora se llamaban Mie y Kei, y se las conocería como Pink Lady. Atrás dejaban las canciones folk y se pasaban a la música disco más desenfrenada con unas coreografías llenas de energía, y mucha menos ropa que antes. Parece que la ciudad había cambiado radicalmente a estas inocentes niñas de pueblo y les había convertido en unas chicas sexys y provocadoras. Su primer Single fue “Peppa Keibu” (Inspector Pepper).

Aunque algo más atrevidas, las chicas aún tenían que sofisticar esa nueva imagen y llevarla hacia el rollo disco-sideral que tanto nos gusta de ellas y que pudimos ver con “UFO”, uno de sus Singles más famosos, publicado en 1977 (1,55 millones de copias vendidas y 10 semanas en el número 1). Aquí las coreografías aún se vuelven más locas, peculiares… ¡frikis!

Y es que no deja de ser curiosa la imagen de estas dos chicas, bastante altas para ser japonesas, muy delgadas, y con unos movimientos no siempre gráciles, enfundadas en unos trajes deslumbrantes (literalmente), y realizando unos movimientos precursores del para-para tan… eclécticos (por describirlos de alguna manera). La coreografía y el vestuario de “UFO” dejó huella en los japoneses, de ahí que se hayan hecho algunas parodias:

Según dicen, en esa primera época de 1976 a 1979, todo lo que tocaban Pink Lady se convertía en oro. Empezaron a generar una cantidad ingente de merchandising, todo el mundo las quería para anunciar sus productos (si lo hacían, los anunciantes multiplicaban sus ventas), y no paraban de hacer apariciones por todas partes. Incluso llegaron a ser protagonistas de alguna película y un anime (aunque ellas no doblaron a sus personajes).

Pink Lady Monogatari: Eiko no Tenshitachi (ピンクレディー物語 栄光の天使たち)

La clave de su éxito se encuentre quizás en que, a pesar de su imagen de chicas guapas y ligeritas de ropa, eran lo suficientemente “decentes” como para llegar a todos los públicos, incluso los más pequeños (para los que se llegaron a editar revistas con las coreografías paso a paso). También están las ya mencionadas coreografías e indumentarias, así como el uso de palabras inglesas, que por entonces no era tan común en los artistas nipones. Y aunque la música a menudo queda en segundo plano cuando hablamos de idols, lo cierto es que también fue bastante original en su momento (a mi me encantan esas intros que luego nada tienen que ver con la canción). En conjunto, un cóctel explosivo. Y tan explosivo, que acabó explotando en sus caras.

¿Queréis unas pegatinas de Pink Lady? ¡Yo sí!

¡Niños! ¡Aprenderos la coreografía de UFO!

Libro para colorear. ¿Sólo se puede pintar con rosa?

En un movimiento muy mal calculado, Pink Lady rechazaron participar en el programa de fin de año Kohaku Uta Gassen, para hacer un show de fin de año propio. Para los que no lo conozcan, el programa Kohaku Uta Gassen es toda una institución en la televisión nipona (NHK). Cada fin de año se reúnen a los artistas Pop (y Enka) más famosos en una especie de batalla de equipos (el equipo rojo – mujeres – y el equipo blanco – hombres), el vencedor es escogido por el público. Pink Lady, o su agencia, sobrestimaron sus posibilidades rechazando la invitación, y se estrellaron con un 8.2% de audiencia, frente al 72.2% de Kohaku. Por si esto no fuese suficiente debacle, su agencia aseguró que habían invitado como público una escuela de niños ciegos, pero dicha escuela negó que existiese tal invitación, con lo cual la imagen de las Pink Lady quedó seriamente dañada al intentar “aprovecharse de unos pobres niños ciegos para publicitar su programa”. Rechazar la invitación al programa que tan bien les había ido antes fue como firmar su sentencia de muerte. No sabemos si fue por esto, pero su agencia de management había estado preparando un plan B que consistía en promocionarse en Estados Unidos.

No se puede decir que les saliese mal del todo, ya que consiguieron hacerse un hueco en la prestigiosa lista Billboard, una hazaña que sólo un artista japonés había conseguido anteriormente: Sakamoto Ryu, con su “Sukiyaki” (sobre el cual hicimos un post). Ellas lo hicieron con “Kiss in the dark.”

Incluso tienen el honor de haber entrado en la lista de los 50 peores programas de televisión de la historia de EEUU, con los cinco episodios del show “Pink Lady and Jeff”; un programa de la NBC en la las dos chicas, aparte de cantar, protagonizaban una serie de sketchs cómicos con un comediante de segunda.

Las pobres chicas, que se aprendían los guiones de forma fonética (también las canciones en inglés), debieron respirar tranquilas cuando se canceló el show. A modo de ejemplo del patetismo del programa, aquí tenemos a Mie y Kei con Hugh Heffner, en un intento de convertirse en chicas Playboy.

Finalmente, la aventura en Estados Unidos hizo que se olvidaran del mercado doméstico, y entre el bajón de ventas que supuso el incidente del programa de fin de año, y la mala imagen que habían dado, en 1981 llegó el momento de decir adiós. Pink Lady anunciaron su disolución. Aquí tenéis “Goodbye Love”, en su concierto de despedida.

Por suerte para sus fans más acérrimos, ese no fue un adiós definitivo. Ya que a lo largo de los 80 seguirían haciendo algunas apariciones en algunos programas, las veríamos sacando Singles en solitario, e incluso protagonizando alguna película. Pero mención aparte merece la colaboración de Mie con Animetal (ya en 1998), en los discos llamados Animetal Lady, y en los que interpretó varios hits de Shojo y Kodomo Anime en clave Metal.

Podéis leer el post sobre Animetal aquí.

En lo que parece una reconciliación en toda regla, en 1988 volvieron a actuar en el Kohaku Uta Gassen. Pero no fue hasta 2005 que hicieron un auténtico retorno a los escenarios para una nueva gira de despedida. Lo cual suena un poco raro si no has actuado en casi 20 años… y más raro aún si a los cinco años anuncias de nuevo tu retorno. Así que podemos suponer que Pink Lady seguirán volviendo una y otra vez mientras siga vivo el interés… y con lo bien que se conservan, parece que les queda cuerda para rato (¡si es que incluso bailan mejor ahora!).

Pink Lady 1976

Pink Lady 2005

LOS EXTRAS DEL DVD

Podríamos comentar muchas cosas curiosas de la carrera de Pink Lady, pero vamos a haceros una breve selección a modo de extras en este post.

Empezamos por la curiosidad “typical Spanish”, y es que uno de sus Singles más famosos es una canción llamada “Carmen”.

Lógicamente, en su época, Pink Lady tenían su competencia. También muy populares fueron Candies, un trío de chicas que empezaron unos años antes, y que también tuvieron un gran impacto en el panorama musical japonés. Pero a continuación os presentamos un vídeo en el que los dos grupos se reúnen para interpretar “Peppa Keibu” (después, como era de esperar, cantaron otro hit de Candies).

Pero si hay un crossover espectacular es el siguiente. ¿Quienes son uno de los grupos femeninos de idols más importantes de finales de los 90 y principios del siglo XXI? ¡Las Morning Musume! Un crossover de ensueño.

Por último, una curiosidad relacionada con el manga. Puede que los más veteranos recuerden un anime llamado “Dirty Pair”, del que luego apareció un cómic realizado por autores americanos, cuyo origen de fueron unas novelas de Haruka Takachiho y Yoshikazu Yasuhiko.  En una entrevista, Haruka explicó que para crear a Dirty Pair se había inspirado dos dúos femeninos contemporáneos, las luchadores de lucha libre llamadas Beauty Pair y  las mismas Pink Lady, en una curiosa fusión.

Beauty Pair. Nada que ver con la delicadeza de las dos cantantes. 

Portada de una de las novelas de Dirty Pair. Una de ellas incluso se llamaba Kei (como la de Pink Lady).

Aunque nosotros las conocemos mejor con este aspecto. Dirty Pair!

Ahora podéis buscar en un mítico vídeo de Marc Bernabé en una tienda #TLQM, el merchandising de Pink Lady. Gallifante para el que lo vea. El post lo tenéis aquí.

Varias de las fotos las hemos sacado de www.pinkladyamerica.com, muy recomendable para cualquier fan de Pink Lady.

19
dic
11

Un viaje al Japón de la era Showa

Saludos cosmonautas,

hoy queremos proponeros un pequeño viaje en el espacio y el tiempo muy especial, y es que gracias a unos interesantes vídeos que hemos encontrado, podemos hacer un breve repaso de una época muy concreta de la historia japonesa, el período Showa. Éste tuvo lugar desde 1926 hasta 1989, durante el reinado del Emperador Hirohito, y se podría decir que fue cuando el mundo pudo ver lo mejor y lo peor de Japón: su cruel participación en la 2a Guerra Mundial, con sus nefastas consecuencias para ellos y otros países asiáticos, pero también el milagro de la recuperación tras su derrota, que les llevó a convertirse en la segunda potencia económica mundial y a convertirse en un modelo de país en cuanto a calidad de vida. Dicen que los japoneses recuerdan con añoranza esos años dorados del período Showa, y no nos extraña, ya que fue justo después de la muerte de Hirohito, con el inicio del período Heisei (el actual), cuando la burbuja económica estalló. Desde entonces, Japón ha vivido en un constante declive, que hace que miren al pasado reciente con nostalgia.

De la Era Showa a la Era Heisei, 8 de enero de 1989.

Podríamos decir que para nosotros la era Showa tiene un encanto especial, tenemos algo de nostálgicos-retro-vintage en lo que respecta a esa época de la historia japonesa, y es curioso porque en realidad nunca la hemos vivido, y por lo tanto, muchas de las cosas de la era Showa son nuevas para nosotros. Pero también es cierto que algunas de las cosas de Japón que más nos impactaron en nuestra infancia provenían de la era Showa y eran contemporáneas a nosotros mismos (sin ir más lejos, el Capitán Harlock), y quizás eso ha moldeado nuestro gusto estético de alguna forma, haciéndonos más receptivos a todo lo que sea Showa.

Vamos a centrarnos especialmente en la década de los 60 , ya que fue de las más importantes en el desarrollo económico e industrial de Japón, y también una década clave en la creación de la “cultura popular” nipona, especialmente en lo que respecta a manga, anime, series de televisión, etc. Vamos a hacer un poco de repaso.

En el año 63 se estrenó en las pantallas niponas la serie animada de “Astro Boy”, todo un hito cultural, ya que convirtió al pequeño robot en un icono para muchas generaciones, y es seguramente uno de los personajes de manga al que los japoneses le tienen más cariño. Aunque ese mismo año otro robot proveniente del manga tuvo su serie, “Tetsujin-28-go”. Dos años después se estrenaba “Kimba, el león blanco” de Tezuka y “Obake no Q-taro” de Fujiko Fujio. En 1966 se estrenaba “Ultraman” y “Cyborg 009″ de Shotar Ishinomorim y unos pocos años después los manga de “Ashita no joe”, “Doraemon” y el anime de “GeGeGe no Kitaro”. Está claro que, ser un niño japonés en los 60 fue algo #TLQM, y esto lo retrató muy bien Urusawa en su manga “20th Century Boys”. También hubo un par de películas japonesas de mucho éxito a mediados de la década pasada que quisieron retratar esa época de finales de los 50 y principios de los 60. Se trata de la primera y segunda parte de “Always Sanchome no Yuhi”, una romántica historia coral de una calle de Tokyo y sus peculiares habitantes.

Pero vamos a centrarnos ahora en la realidad. En los vídeos que veremos a continuación, encontraremos el retrato de la vida diaria de familias japonesas en distintos años, empezando por 1963 (justo cuando empezaba la revolución económica y su boom industrial), y también veremos algunas otras cosas típicas del período Showa. Mientras los veis, podéis ir pensando si realmente ha cambiado tanto la imagen de Japón en 40 años. Aunque pensad también que estas imágenes tienen cierto sesgo, ya que el que las grabó no era japonés. Así que quizás la pregunta más acertada es si nuestro interés por Japón (nuestra mirada) sigue siendo exactamente el mismo que hace más de 40 años.

Otro ejemplo más de esa época, pero 3 años después, 1966. El vídeo es mucho más largo, pero también más detallista y más exhaustivo en su retrato de la familia protagonista:

Y siguiendo con esa imagen de los 20th Century Boys, aquí tenemos un breve reportaje sobre unos niños que van a la escuela, en un ambiente bastante más rural.

Muchos tienen la imagen de los japoneses que nunca se quejan por nada, no protestan ni desafían nunca a la autoridad. Sin duda, esto es en buena parte cierto, pero eso no significa que no hayan existido japoneses que se hayan rebelado contra el sistema de forma contundente. Los estudiantes de los años 60 lo hicieron, aunque no sacaron nada de ello y quizás por eso, ya nadie quiera protestar de nuevo.

Ahora, vamos a fijarnos en algo que siempre es divertido y a la vez un reflejo de una época, los anuncios de televisión. El primero, gustará mucho a los amantes de la gastronomía nipona.

Aunque por entonces el manga de Osamu Tezuka ya había revolucionado la “historieta” japonesa, en 1959 aún seguía siendo muy popular el “kamishibai” (un cuentacuentos que utilizaba ilustraciones), para el cual muchos artistas manga habían dibujado, y del que surgieron algunos personajes como Ogon Batto.

Kamishibai de Ogon Batto.

Puede que muchos no sepan que el primer superhéroe de la historia fue Ogon Batto, ya que apareció en los kamishibai un año antes que Superman. Aquí podéis ver la película que se hizo años después de Ogon Batto, que también fue objeto de varios anime.

Pero en realidad, el primer superhéroe televisivo no fue ni Ogon Batto (lo suyo era el cine), ni Ultraman. Ese honor es para Gekko Kamen, que apareció en la pantalla pequeña en 1958 (ojo al nombre y al vehículo que usa).

Y no podíamos terminar este repaso a la era Showa sin darle un toque musical al asunto. Así que, por favor, ¡que entren Pink Lady! (¡Aunque ellas se merecen un post entero!)

Por cierto, hace un par de años estuvimos con Ale en un pequeño museo Showa. Aquí podéis verlo.

01
dic
11

XVII Saló del Manga de Barcelona (2011): Un repaso en imágenes

Saludos cosmonautas,

Hace apenas un mes se celebraba en la Farga de l’Hospitalet de Llobregat la decimoséptima edición del Saló del Manga de Barcelona, siendo esta la última vez que tiene lugar en el recinto de la Farga. El próximo año se trasladará a Fira de Barcelona, donde hay mucho más espacio para un evento que cada año recibe miles y miles de visitantes que acaban apretujados entre stand de merchandising y stand de merchandising.

Se decía que iba a ser uno de los peores años por culpa de la crisis, pero según parece no ha estado tan mal como se esperaba, y a nivel de manga se ha vendido bastante bien. Por nuestra parte, la mayor preocupación es que el obligado reajuste de las editoriales de manga, que hasta no hace mucho eran capaces de lanzarse a la piscina con propuestas originales o más minoritarias, y con la crisis ha tenido que recular y apostar por valores seguros. Esto significa que los lectores de manga que prefieren algo más que el típico Shonen, tendrán que armarse de paciencia (que le den el premio del Saló al mejor Seinen a una obra de las Clamp… ehem… ehem…). Aún así, ha habido novedades destacables en ese campo, y la presencia del maestro Hiroshi Hirata es buena prueba de ello. No nos enrollemos más, ahí va nuestro repaso en imágenes.

Aunque no tenemos imágenes de esto, nuestros dos momentazos personales del Saló fueron conocer a Keichi Hara, creador de la fantástica “El Verano de Coo”, y el precioso autógrafo de Hirata-sensei.

Un gran fan de Kamen Rider junto a un gran fan de Gojira. 

“El Verano de Coo”, un anime sorprendente. 

Seguramente uno de los autógrafos más especiales que nos han dedicado (¡aunque fuese igual para todos!).

Este post llega casi con un mes de retraso, y también tenemos que confesar que llega algo más mutilado de lo que teníamos previsto en un inicio (lo cual explica también el retraso). Pero todo esto tiene un motivo, que tarde o temprano será desvelado. (hype!).

28
nov
11

Entrevista Pirata: Nacho Cerdà – The Phenomena Experience (4a parte)

Saludos cosmonautas,

nosotros lo advertimos, y así ha sido. En algún foro de cine, ya se ha declarado una guerra entre aquellos que están de acuerdo con Nacho Cerdà y su visión del cine y los cineastas actuales, y sus detractores. Y es que muchas de sus opiniones y reflexiones, es imposible que dejen a alguien indiferente… al menos si eres alguien a quien le apasiona el cine.

En esta 4a parte rebajamos un poco el tono, pero no por ello deja de ser menos interesante, y es que hablar del público del Phenomena era algo imprescindible, así como de esa nostalgia que es la principal responsable de la venta de entradas. Aún nos quedan algunas cosas que enseñaros de esta entrevista, pero vamos a dejar descansar a Nacho hasta el 16 de Diciembre, cuando se celebre el 1er Aniversario de The Phenomena Experience.

Aqui tenéis la primera, segunda y tercera parte de esta entrevista que da que hablar.

14
nov
11

Entrevista Pirata: Nacho Cerdà – The Phenomena Experience (3a parte)

Saludos cosmonautas,

sigue avanzando nuestra entrevista pirata con el creador de Phenomena Experience, el evento cinematográfico que recupera grandes clásicos del cine de los 70-80-90 en pantalla grande y con un público entregadísimo. Un evento que va más allá del puro entretenimiento y que le sirve a Nacho para reivindicar un tipo de cine que en buena parte ha desaparecido con la mejora de la técnica digital. Según Nacho, esto también provoca que las nuevas generaciones de cineastas no sean capaces de apreciar algunas cosas del pasado cinematográfico. Llevando ya cinco años como profesor de cine, nuestro entrevistado no se corta un pelo al hablar del cine actual y las nuevas generaciones.

PRIMERA PARTE, SEGUNDA PARTE.

¡Y recordad que esta semana The Phenomena Experience estará cuatro días en Madrid!

07
nov
11

Entrevista Pirata: Nacho Cerdà – The Phenomena Experience (2a parte)

Saludos cosmonautas,

si os gustó la primera parte de la entrevista con Nacho Cerdà, el responsable del evento cinéfilo del momento, Phenomena Experience, no podéis perderos esta segunda parte. Nacho nos dará su opinión y análisis del fenómeno 3D, las multisalas, y nos contará la razón por la cual ir al cine sea algo casi en vías de extinción. Pero antes, Nacho también nos hablará de uno de los temas más polémicos de The Phenomena Experience y que se ha discutido varias veces en su muro de Facebook: el comportamiento en la sala (las risas, los aplausos, y la gente que saca fotos en mitad de la proyección, en el punto de mira).

¿Te perdista la primera parte? Aquí la tienes.

01
nov
11

Black Metal… CRISTIANO

Saludos cosmonautas,

inspirados por un post que leímos recientemente en Viruete.com respecto a los Monstruos del Rock cristiano, nos lanzamos a investigar una variedad de esta corriente religioso-musical que nos tiene completamente maravillados y extrañados al mismo tiempo: el Black Metal Cristiano.

Para los despistados, el Black Metal es uno de los estilos más extremos dentro del Metal, que casi siempre ha estado íntimamente ligado a la estética y la filosofía satánica. De hecho, hay quien afirma que el Black Metal es esencialmente satánico, siendo sus letras tan o más importantes que la música en si. Entonces, ¿cómo se come que exista algo tan descaradamente contradictorio como el “Black Metal Cristiano”? El oxímoron está servido.

“¡Que no te engañen las apariencias!” Dicen ellos. “Somos gente casta y pura a pesar de las apariencias.”

Hay algo que distingue esta corriente de lo que hemos podido ver en el panorama más mainstream con bandas como Stryper. Mientras que en el mundo del Rock la relación con el satanismo siempre ha sido más de pastel que otra cosa, el Black Metal ha destacado por una auténtica militancia dentro de los preceptos satánicos, y por ello, el Black Metal Cristiano no es una simple alternativa religiosamente sana, sino que se postula como radicalmente antisatánico y ultracristiano.

Anti-satánicos, está claro. Pero hay algo que no me cuadra aquí… 

Al contrario de lo que se podría pensar, el género tiene una larga historia que se remonta a a principios de los años 90 con bandas como la noruega Crush Evil (luego Antestor), a pesar de que al principio su estilo se enmarcaba dentro del Death/Doom. El movimiento toma relevancia con la publicación de “Hellig Usvart” de la banda australiana Horde, que ingeniaron el gracioso y ultrainventivo juego de palabras que da nombre al género: “Holy Unblack Metal” (inspirado en el Unholy Black Metal que acuñaron Darkthrone, uno de los pilares del Black Metal noruego).

¿Immortal? ¿Emperor? ¡NO! ¡Antestor! Igual de feos, pero buenos chicos.

Aunque muchos se tomaron este primer disco de Horde como una parodia del satanismo noruego, en realidad Horde tenía toda la intención de “iluminar la tenebrosa escena del Black Metal” ofreciendo una alternativa “santa”. Lo más curioso del asunto es que el sello Nuclear Blast (uno de los gigantes del Metal) recibió muchas críticas por la publicación de semejante álbum lleno de letras anti-satánicas y pro-cristianas. ¡El mundo al revés! Según dicen, Nuclear Bast dejó de editar el disco después de recibir varias amenazas de muerte (aunque en 2008 fue reeditado por Metal Mind Productions). Todo el mundo quería saber quien era el responsable de tal afrenta al movimiento satánico noruego, y Nuclear Blast recibió presiones para revelar quien se escondía detrás del seudónimo “Anonymous” (en una clara, y reconocida, referencia a Euronymous – cantante de Mayhem). Algunos años después se supo que se trataba de Jayson Sherlock, conocido por su trabajo en la banda de Metal cristiana Mortification.

“Hellig Usvart”, el primer disco de Holy Unblack Metal. 

“Hellig Usvart” tenía el sonido apropiado para cualquier banda de Black Metal de los años 90, e incluso la portada de riguroso blanco y negro, así como su título noruego, podrían haber engañado a cualquiera. Pero un vistazo a los títulos de las canciones les delataba. Aquí unos hilarantes ejemplos: “Invert the inverted cross” (invierte la cruz invertida), “Release and clothe the virgin sacrifice” (liberad y vestid a la virgen sacrificada – en la que los ángeles salvan a la chica en el último momento… y la visten), o “A church bell tolls amidst the frozen Nordic winds” (una campana de iglesia suena enmedio de los helados vientos nórdicos). No es de extrañar que muchos se lo tomaran como una parodia, pero Sherlock iba en serio, y creó escuela.

Cuando uno se encuentra por primera vez con el fenómeno del CBM (Christian Black Metal), se tiende a pensar que es cosa de un par de catequistas rebeldes, pero se podría decir que existe toda una escena consolidada, con cientos de bandas (sobretodo en suramérica) dedicadas a combatir al satanismo con sus propias armas.

¡Tralla a tope en la Iglesia!

Como pasaba con Horde, a primera vista una banda de CBM es indistinguible de una banda de BM normal, lo único que será diferente serán sus letras (y la presencia de cruces NO INVERTIDAS, ¡claro!). Y ahí la pregunta que uno debe formularse es: ¿cuáles son sus referentes musicales y/o estéticos entonces? ¿Son las mismas bandas contra las que combaten con su metal anti-satánico? La respuesta es sí. El mismo Jayson Sherlock reconoce las maravillas musicales de Immortal, Dimmu Borgir, Emperor o Satyricon (aunque no comparta sus mensajes), y bandas como Frost Like Ashes reconocen sin manías que sus mayores influencias, aparte de las bandas cristianas, son Slayer, Emperor, Cradle of Filth, o King Diamond. No deja de ser extraño que este tipo de músicos sientan atracción por una música tan “oscura”, pero aún así se puede entender que disfruten de ella si consiguen obviar el mensaje.

Prueba de la buena salud de la escena es el número 21 de una revista dedicada al Metal Extremo Cristiano.

En realidad, muchos de estos músicos son conversos recientes o lo que se suele llamar “cristianos renacidos”, así que fácilmente podrían haber sido como cualquier otro fan del Black Metal antes de encontrar su fe (y de ahí esos referentes musicales). Pero lo que nos parece aún más peculiar es que utilicen la misma estética, clavada hasta el más mínimo detalle. Desde los logos indescifrables al corpse-paint, pasando por el uso del negro y los pinchos de todo tipo. ¿Acaso es su forma de esconderse entre las bandas de Black Metal satánicas, y pillar desprevenidos a algunos incautos con sus mensajes sobre el amor de Dios? ¿No es una táctica más propia del Demonio? No lo sabemos, pero parece que ni siquiera ellos mismos se aclaran con todo este percal, y hay cierta controversia al respecto.


Invert the inverted cross!! GROARGH!!!

Jayson Sherlock argumentaba el uso de la etiqueta “Unblack Metal” como algo totalmente contrario al Black Metal. A pesar de los evidentes puntos en común, Sherlock consideraba que el “Black Metal” hacia referencia a la oscuridad, de la cual su música y mensaje querían alejarse. Horde quería arrojar algo de luz ante tanta negrura. Pero hoy en día, muchas bandas de CBM etiquetan su música como Black Metal, y no Unblack Metal, ya que consideran que la música no puede ser “malvada” o “satánica” de por si, sino que todo depende de las intenciones que tenga cada uno. El Black Metal sería entonces una etiqueta puramente musical, contradiciendo a la vez algunas de las opiniones de muchos músicos que siempre habían considerado que el satanismo y el Black Metal eran indivisibles. Pero si los mismos Mayhem ya reconocen que esto no es así… En cualquier caso, la polémica, dentro y fuera del Unblack Metal, sigue vigente.

Ahora ya sabéis, id con cuidado cuando compréis vuestros discos de Black Metal. Se ha acabado eso de fijarse sólo en la portada para decidirse. Asegúrate de lo que compras o puedes ser víctima de los mensajes subliminales ocultos cristianos, que te obligan a ponerte el traje de los domingos para ir a misa.

¿El típico logo de una banda de Black Metal? ¡Vuelve a mirar! ¡Te pillamos!

Mountain, una de las bandas más prometedoras de Unblack Metal. ¡Pronto en catequesis! (No, no es coña.)

23
oct
11

Mascotas japonesas: de Astro Boy a Pikachu

Saludos cosmonautas,

actualmente se está realizado en Casa Àsia de Barcelona una exposición organizada por The Japan Foundation con el título “Japón: paraíso de las mascotas” (Japan: Kingdom of Characters). Repartida en dos plantas del edificio, se nos propone un recorrido a través de las mascotas o iconos más populares de los últimos 50 años. Desde Hello Kitty a Kamen Rider, pasando por Evangelion, Pikachu, Gundam, o los gatos vestidos como personas, la exposición no sólo quiere mostrar, sino también explicar el porqué de esta fascinación nipona por los personajes de ficción (algo que se explica mejor en su imprescindible folleto explicativo – en inglés –  que en la exposición en si). Nosotros nos llevamos a Adrià Montiel, creador de Publicidad Japón, para ver y comentar el mundo de la mascota nipona, que él conoce muy bien desde su perspectiva de publicista. Adrià nos contará porque en su opinión la mascota triunfa tanto en Japón, y nosotros, en agradecimiento, le mostraremos otra cosa.

La exposición se podrá ver en Casa Àsia de Barcelona hasta el 20 de Noviembre y luego se trasladará al Museo ABC de Madrid. ¡No olvidéis visitar la página de Adrià para más masconesas!




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