Archivos en la Categoría 'vídeos'

15
feb
12

Battle Royale [Sólo puede quedar uno, las distopías juveniles]

Saludos cosmonautas,

seguimos con nuestra trilogía de distopías juveniles a muerte, donde el “sólo puede quedar uno” es la ley. Ayer empezamos con Stephen King y su novela “La larga marcha”, hoy es el turno de una película de culto japonesa.

BATTLE ROYALE de Kinji Fukasaku

Basada en una novela de Koushun Takami, su adaptación cinematográfica hizo grandes cosas por el cine asiático a principios del siglo XX. Para muchos fue la primera toma de contacto con un cine diferente al que estamos acostumbrados, y acabó abriendo de par en par las puertas del cine asiático para su desembarco en Europa y Estados Unidos. La novela “Battle Royale” se publicó en Japón en 1999, y fue todo un éxito en parte gracias a la polémica de su contenido. Un año después, aparecía la película de Kinji Fukasaku, director veterano y reputadísimo, sobretodo por algunas de sus películas de yakuzas (como la saga “The Yakuza Papers”).

En este caso, el mundo distópico es un Japón no muy alejado en el tiempo en el que la delincuencia y la inseguridad van de la par de un régimen autoritario y algo sanguinario. Los adultos sienten cierto pavor respecto a los jóvenes, cada vez más violentos e irrespetuosos respecto a sus mayores (algo mucho más preocupante en Japón que aquí, seguramente). Así pues, el gobierno se saca de la manga una “ley de reforma educativa” que sirve de correctivo y advertencia para los adolescentes. La ley se llama “Battle Royale”, y se trata de una competición con una premisa que ya conocemos: sólo puede quedar uno. La sanguinaria competición empieza con un secuestro, el del autobús escolar, y con el posterior traslado de toda una clase de instituto a una isla deshabitada. Una vez allí, se reparten de forma aleatoria todo tipo de armas, desde una ballesta hasta la tapa de un cubo de basura, y da comienzo la batalla.

Así acaba la ganadora de la edición anterior de Battle Royale… un poco pallá. 

Empezará entonces un combate entre estos adolescentes que al principio no terminan de creerse la situación. Algunos tomarán la vía directa e intentarán salvar el pellejo acabando con la vida de sus, hasta hace poco, amigos o compañeros de clase. Pero muchos otros intentarán buscar otras vías, ya sea el suicidio o simplemente esperar la muerte. Por si la situación en si no es suficiente, todos los participantes llevan un collar que les hará estallar la cabeza si se alejan de los límites de la isla o intentan quitárselo (parecido a lo que vimos en “Perseguido” de Schwarzengger). Pero esto aún se complicará más. Cuantos menos contendientes queden, más se reducirán esos límites. Si alguien se encuentra en una de las “zonas prohibidas”, el collar hará de les suyas. A todo estoy hay que sumarle las lógicas alianzas entre amigos y enamorados, las traiciones que se suceden, así como las pequeñas historias personales de cada personaje que, en buena parte, se acaban resolviendo “en el campo de batalla”. Así como un Takeshi Kitano que da mucha grima en su papel de profesor vengativo.

El mapa de la isla de Battle Royale dividido en zonas. Cada vez se elimina algunas zonas para acercar los participantes.

El protagonista principal de la historia es Nanahara Suya, el típico chico guapo pero sin ningún atisbo de héroe de acción, que es interpretado por Tatsuya Fujiwara (quizás le conoceréis por ser Yagami Light en las películas de Death Note). Este chico, incapaz de asimilar la situación al principio, procurará dialogar con sus compañeros o esconderse para tratar de evitar lo inevitable: la masacre adolescente. A él se le unirá una chica, Noriko, que al parecer tiene una relación especial con el Profesor Kitano (sí, se llama igual). Pero hay dos personajes más que complicarán un poco la cuestión. Dos estudiantes, mayores que el resto, que se han apuntado voluntariamente a la competición. Lógicamente, uno de ellos es un auténtico pirado ávido de sangre que pondrá las cosas difíciles a los demás pipiolos. Respecto al otro, sus motivaciones no son tan claras.

La pareja protagonista. ¿Para cuándo un Pekín Express edición “Battle Royale”?

La película fue prohibida en Alemania y Singapur, e incluso en Japón se hizo algo de presión para que no se estrenara (a sabiendas de su contenido, siendo la novela muy popular). Esto podría hacernos pensar que estamos ante una película gore o muy cruel, pero no hay que exagerar. Es cierto que veremos muertes algo sanguinarias, pero muchas de ellas vienen de situaciones desafortunadas, o en defensa propia, y por lo tanto no siempre existe ese elemento de cruel recreación en las muertes. Visto así, seguramente lo que más escandalizó fue la premisa en si, es decir, que veamos a menores edad intentando matándose los unos a los otros. Y para qué engañarnos, este es uno de los reclamos principales, y para muchos lo único necesario para disfrutar de la película. Pero como todo relato distópico, siempre hay algo más detrás, alguna reflexión o crítica, y Battle Royale también se puede leer a otros niveles, más allá del puro entretenimiento (pero tampoco esperéis una disertación filosófica…).

Portada del libro, que por ahora se puede encontrar por aquí en inglés.

Lo más obvio y lo que más habitualmente han señalado los críticos occidentales es la reflexión respecto a la violencia. El preguntarse por qué nos fascina, por qué nos gusta contemplarla e incluso podemos llegar a gozar de ella (algo que hemos visto en el público de “La larga marcha” o el que veremos en “Los juegos del hambre”). Una violencia de la cual la juventud a menudo disfruta con videojuegos u otras plataformas. ¿Pero qué pasa cuando les enfrentamos a una violencia real? Es posible que exista algo de esto en la película y la novela, pero esta interpretación quizás responda más a las ganas de encontrarle un mensaje al planteamiento violento del film (y de paso acusarlo de poca originalidad), así como e un intento por establecer paralelismos con otras obras occidentales.

Nosotros creemos que la premisa de “Battle Royale” es mucho más japonesa y mucho más directa. Para empezar tenemos el más que obvio conflicto generacional que se plantea en Japón, ese  ”generationl gap” que en el 2000 se intuía y ahora es más que evidente: el mundo de los adultos es tan diferente al de los jóvenes, que sus realidades chocan y no se comprenden los unos a los otros. Esto explica el contexto de la distopía, y por qué se ha llegado al extremo. Pero fijémonos también en la salvaje competitividad que realmente existe entre los estudiantes japoneses. Estudian horas y horas para sacar las mejores notas, hay un gran afán por ser el primero de la clase y poder entrar en las mejores universidades. Este determinismo aún vigente hace pensar que si no sigues el ritmo seguramente serás un fracasado el resto de tu vida. Si a esto le sumamos el habitual “bullying” que hemos visto reflejado en tantas otras obras, la inspiración o la intención del autor puede puede que sea otra: “ser un adolescente en el instituto no es tarea fácil en Japón, y puede acabar contigo”. Battle Royale es llevar al extremo la situación, y saca a relucir la auténtica humanidad de los personajes, con lo cual, al final el mensaje puede ser más positivo de lo que parecía a priori. De todos modos, si lo único que interesa es ver a chavales y chavales matándose los unos a los otros, te encantará.

¿Colegialas macizas liándose a tiros? ¿Dónde hay que firmar?

Si ya conocéis la película, sabed que existe una segunda parte que dirigió el hijo de Fukasaku, ya que este falleció cuando se empezaba a rodar. Sabed también que es una secuela bastante deficiente, más en la línea de una exploitation movie que otra cosa. Aquí todo es mucho más gratuito. Por otro lado, el mismo autor de la novela original trabajó en un manga que aquí ha publicado IVREA. Según Koushun Takami, en el manga desarrolló mucho más los personajes que en la novela, con lo cual puede ser un añadido interesante.

Portada del manga de IVREA, se han publicado sus 15 tomos. 

Haz clic en los links para leer los otros posts sobre distopías juveniles en las que sólo puede quedar uno:

“La larga marcha” de Stephen King

“Los juegos del hambre” de Suzanne Collins

20
ene
12

Entrevista Pirata: Anna Roig i l’ombre de ton chien (2a parte)

Saludos cosmonautas,

después del parón Navideño, volvemos de nuevo con la Entrevista Pirata con la encantadora Anna Roig, la cara y mente pensante detrás de Anna Roig i l’ombre de ton chien, una de las propuestas musicales más interesantes del bullicioso panorama musical catalán actual.

Pero primero tenemos que empezar con una disculpa, debido a ciertos problemas técnicos que hemos tenido con la entrevista. Como veréis, os aseguramos que no volverá a pasar. El responsable ha pagado por sus crímenes.

Si os perdisteis la primera parte, aquí la tenéis.

17
ene
12

Beavis and Butt-head: estúpidos, ignorantes y adorables

Saludos cosmonautas,

justo cuando termina el 2011 nos damos cuenta de que este ha sido el año del regreso de uno de los duetos más famosos de la infame MTV, y no tiene nada que ver con la música… o sí. A principios de los noventa aparecieron en el popular canal musical, una pareja de “jebis” muy particular. Eran dos adolescentes ataviados con una camiseta de Metallica y otra de ACDC respectivamente, el uno castaño y el otro rubio, el uno tonto y el otro más tonto. Ambos, unos gamberros de tomo y lomo que harían escandalizar a cualquier padre. Y lo hicieron. Y todos se acuerdan de sus nombres: Beavis and Butt-head.

Estos dos energúmenos eran una creación de Mike Judge (que quizás algunos conozcan por “El rey de la colina”), y él mismo era el encargado de poner las desagradables voces de ambos personajes. No se podría decir que la serie tuviese realmente un argumento, simplemente eran pequeños episodios de la vida de estos jebis ignorantes y faltones, y su característica risa (huh-huh-huh-huh-huh). Así pues, tanto se podía hablar de “Frog Baseball” (cuando juegan a béisbol con una rana), de la rabia perruna, o de cualquiera de las putadas que podían hacerle a su vecino o a su profesor hippie. Aunque cabe decir que ellos mismos podían terminar siendo las víctimas a menudo, víctimas de su propia ignorancia y estupidez. Eran adorablemente subnormales.

Aquí tenéis el episodio piloto:

Aunque con ciertas limitaciones, la calidad de la animación mejoró en sucesivos episodios:

Pero si algo hizo famosos a Beavis and Butt-head, fueron los segmentos musicales que se incluían en cada episodio (sí, por entonces, la MTV aún tenía cierta relación con la música). Básicamente veíamos siempre la misma imagen de Beavis y Butt-head, sentados en un sofá, y comentando los videoclips que veían en la MTV. Podían reaccionar de varias maneras, pero lo más habitual, y lo más divertido, era cuando no les gustaba un vídeo y se dedicaban a destriparlo. Tenía cabida todo tipo de música, desde lo más actual de entonces (el Grunge o incluso el Metal), hasta el Rap, el Soul, y cualquier cosa que se le ocurriera al guionista. De hecho, dicen que Mike Judge improvisaba totalmente esta sección, con lo cual no es de extrañar que a menudo se fuesen por las ramas…

En otras ocasiones, ni siquiera era necesario decir nada:

Pero a veces había vídeos que les gustaban, y era entonces cuando desplegaban toda su pasión Heavy Metal. Aunque no siempre se ponían de acuerdo, claro…

Este par de capullos se hicieron muy famosos gracias a esta sección, y al parecer algunos se tomaban muy en serio sus reacciones (aunque a menudo demostraban una gran ignorancia, incluso en aquello que teóricamente deberían dominar, como el Metal). Dicen que el mismo Kurt Cobain fue muy feliz cuando Beavis and Butt-head dieron su visto bueno a uno de sus vídeos:

Visto esto, no es de extrañar que Nirvana contribuyeran a “The Beavis & Butt-head Experience”, un CD recopilatorio apadrinado por estos dos jovencitos (con comentarios entre tema y tema), que incluía a bandas como Primus, White Zombie, Megadeth… ¡y Cher! Así es, Cher se prestó a hacer una versión de “I got you babe”, sustituyendo a Sonny Bono por Butt-head, en uno de los duetos más esperpénticos de la historia de la música.

A partir de ahí ya empezaron a salir videojuegos, cómics (algunos se publicaron aquí), e incluso un largometraje (“Beavis and Butt-head do America”). Hubo un spin-off, “Daria”, protagonizado por un personaje secundario, aunque Mike Judge no tenía nada que ver y los dos personajes tampoco aparecían. “Beavis and Butt-head” se alargó durante 8 temporadas, de 1993 a 1997, y sorprendentemente volvieron a la MTV en Octubre de 2011 (con un dibujo algo mejor, pero exactamente el mismo humor).

El cómic, editado por Marvel Comics, también se publicó en español (tenemos algunos ejemplares en la bodega de la Arcadia). 

No de ja de sorprender que fuese Nintendo quien sacara el videojuego de unos personajes tan polémicos, y que definieron en los noventa el concepto “políticamente incorrecto”. Luego serían los chavales de “South Park” los que recogerían el testigo. Curiosamente, la serie de Mike Judge terminó poco después de que empezaran Cartman y sus colegas, y que dejaron a Beavis & Butt-head como unos simples aficionados. Pero los mismos Parker y Stone han reconocido que el show de MTV fue su principal inspiración. Ahí queda eso.

Por supuesto, como iconos que fueron, incluso aparecieron en el ya mítico “Celebrity Deathmatch”:

12
ene
12

“El enmascarado de la luna”: Gekko Kamen en VHS

Saludos cosmonautas,

hoy dejaremos las explicaciones para después del vídeo, un unboxing muy especial:

Gekko Kamen, el primer superhéroe televisivo japonés.

Así es, por pura casualidad nos enteramos de que existía una versión VHS en español de la película de este mítico superhéroe, Gekko Kamen, e iniciamos nuestro regateo con el vendedor… conseguimos un relativo buen precio para semejante joya, aunque como suele ocurrir con todo lo que mola, para algunos esto es basura reciclable y para otros oro en paño. Pocos días después, lo tenemos en las manos, y estamos ansiosos por ver la película.

Como explicábamos en el vídeo, Gekko Kamen, fue el primer superhéroe televisivo japonés, bastantes años antes del más famoso rey del tokusatsu televisivo, Ultraman (y 13 años antes de otro Kamen, Kamen Rider). Así pues, desde el 24 de Febrero de 1958 hasta el 5 de Julio de 1959, niños y mayores japoneses se reunían ante el televisor (algunos en la suya propia, otros en la del vecino) para ver los 130 episodios de la serie de este motorista enmascarado (¿de qué me suena esto?). Según dicen, la cancelación se debe a que muchos niños se hicieron daño intentando imitar a Gekko Kamen, si es cierto o no ya lo veremos… el caso es que la serie volvió 13 años después en formato anime, y fue esta versión la que consiguió traspasar fronteras, llegando a México bautizado como “Capitán Centella”.

Lo más curioso de esta edición en vídeo, es la contraportada, ya que en lugar de ofrecer la típica sinopsis con los fotogramas pertinentes, se marcan un texto de varios párrafos que, hemos considerado tan interesante, que lo vamos a transcribir:

“Hace ya 25 años, cuando el JINETE DE LA MASCARA DE LA LUNA, vestido con su blanca bufanda, su blanca máscara y sus gafas de sol se convirtió en uno de los personajes de cómic más populares de todos los tiempos, superando incluso los de Flash Gordon y Superman. Cuando apareció por primera vez en las series de TV japoneses, alcanzó inmediatamente una fenomenal audiencia del 65 por ciento en la TV, lo que virtualmente dejó vacías las calles y plazas de las ciudades. Los niños se sintieron tan impresionados por este personaje, que sus distintivos (bufanda, máscara y gafas de sol) se vendieron por millones. Un gran número de jóvenes japoneses debieron ser hospitalizados diariamente con huesos fracturados, como resultado de tratar de imitar a su “HEROE”. Esto llegó a tal punto que, por la insistencia de un gran número de familias cuyos hijos trataron de “volar desde lo alto”, las autoridades se vieron obligadas a adoptar medidas para prevenir este síndrome. Pero los sentimientos alimentados por la gente hacia el JINETE DE LA MASCARA DE LA LUNA permanecieron inalterables a través de los años. Y ahora, nuestro héroe favorito ha vuelto a nuestro lado, su carácter y sus virtudes de bondad y justicia han permanecido incólumes, pero adaptadas a las realidades del día de hoy. Setsu Asakura, el pintor y escultor mundialmente famoso, diseño su vesturario y Takuya Yura diseñó la motocicleta. La “Super” motocicleta desarrollada de la HONDA de 750 cc, llevó seis meses para su remodelado y cuesta 40.000 dólares.

Con la ayuda de la más moderna y avanzada tecnología japonesa, la potencia de la motocicleta ha sido aumentada de 66 a 150 caballos de fuerza, y está equipada con varios dispositivos tales como los rayos ultras rojos y radar, paracaídas, sistema VTR, pantalla de humo y lanzador de aceite. Debe destacarse que estos dispositivos no han sido concebidos como armas mortales, sino solamente mecanismos defensivos. Este hecho juega un importante papel hoy día, pues existe ya demasiada violencia cotidiana en nuestras pantallas. Esta película debería servir para inspirar a nuestros hijos en el verdadero significado de “valor” y “justicia”.

“El Jinete de la Máscara de la Luna” combina espléndida e impresionantemente las persecuciones en motocicleta a increíble velocidad con maravillosas combinaciones de acción física. En todos los sentidos, nos ofrece la más moderna tecnología, en la que tanto destaca el Japón. No se utiliza un solo truco en aquellas escenas en las que el “bien” se enfrenta a lo “diabólico”. Esta película destaca también por su excelente fondo musical, con la presentación de un magnífico grupo rock-m-roll, THE NORTHERN LITES. “

Por último, queremos hablaros de una famosa parodia del personaje, tan famosa que se podría decir que tiene entidad propia. Se trata de Kekko Kamen, una heroína creada por el mismísimo Go Nagai (autor de Mazinger Z, Devilman, etc.), y que de formar similar a Gekko Kamen viste una máscara, bufanda, unas botas… y nada más, porque el resto de la ropa se la ha dejado en el armario, y por lo tanto, se pasea en cueros.

Para Kekko Kamen ha habido también adaptación en anime, y una serie de películas bastante conocidas, especialmente porque una de las reinas del porno japonés, Maria Ozawa, es la encargada de encarna al personaje.

Y un extra final, una parodia, parodiada; de Gekko Kamen a Kekko Kamen, y de Kekko Kamen a Kekko Kamen Rider.

22
dic
11

Entrevista Pirata: Anna Roig i l’ombre de ton chien (1a parte)

Saludos cosmonautas,

lo prometido es deuda (no te lo crees ni tú), y tal como os avanzábamos en verano, finalmente hemos podido realizar una Entrevista Pirata a la banda que convertimos en “recomendación musical veraniega oficial de la Arcadia”: Anna Roig i l’ombre de ton chien.

Como ya os contamos en el post que les dedicamos, esta banda nos cogió por sorpresa. Tenía todos los números para que no nos gustara, pero poco a poco fue calando, y nos sedujo hasta que caímos rendidos al encanto de Anna Roig, sus melodías, así como ese mundo de curiosos personajes que ha creado.

Quedamos una lluviosa tarde en Arenys de Mar, e hicimos la entrevista entre paseo y paseo por el pueblo. Una tarde agradable, con una chica más agradable aún, y además, la primera que entrevistamos en la Entrevista Pirata. Hasta ahora, sólo habían pasado hombres por aquí. Así que sin más, os dejamos con Anna Roig.

Y para terminar, uno de sus últimos y creativos vídeos:

Si no lo leísteis, podéis leer nuestro post sobre Anna Roig i l’ombre de ton chien aquí.

21
dic
11

Pink Lady, el dúo de JPop Sideral… o esas tías buenas bailando raro

Saludos cosmonautas,

el de hoy es uno de esos posts que llevan meses y meses (por no decir años) arrinconados en la Arcadia. Uno de esos posts que aseguras que tarde o temprano tienes que hacer, pero como quieres hacerlo bien lo vas procrastinando hasta límites insospechados. Pero después de la buena acogida del post sobre el período Showa (clicad aquí), creemos que ya ha llegado el momento de hablar de nuestro dúo JPop favorito: Pink Lady (ピンク・レディー).

Mitsuyo y Keiko eran dos amigas que vivían en la prefectura de Shizuoka, y que un buen día aparecieron en el programa “Star Tanjo!”, uno de esos típicos programas que buscaban talentos. Aunque al principio tenían unas pintas algo remilgadas, y lo suyo era el folk, poco tiempo después la cosa iba a cambiar radicalmente. Una transformación que veremos en este vídeo:

Pues sí, ahora se llamaban Mie y Kei, y se las conocería como Pink Lady. Atrás dejaban las canciones folk y se pasaban a la música disco más desenfrenada con unas coreografías llenas de energía, y mucha menos ropa que antes. Parece que la ciudad había cambiado radicalmente a estas inocentes niñas de pueblo y les había convertido en unas chicas sexys y provocadoras. Su primer Single fue “Peppa Keibu” (Inspector Pepper).

Aunque algo más atrevidas, las chicas aún tenían que sofisticar esa nueva imagen y llevarla hacia el rollo disco-sideral que tanto nos gusta de ellas y que pudimos ver con “UFO”, uno de sus Singles más famosos, publicado en 1977 (1,55 millones de copias vendidas y 10 semanas en el número 1). Aquí las coreografías aún se vuelven más locas, peculiares… ¡frikis!

Y es que no deja de ser curiosa la imagen de estas dos chicas, bastante altas para ser japonesas, muy delgadas, y con unos movimientos no siempre gráciles, enfundadas en unos trajes deslumbrantes (literalmente), y realizando unos movimientos precursores del para-para tan… eclécticos (por describirlos de alguna manera). La coreografía y el vestuario de “UFO” dejó huella en los japoneses, de ahí que se hayan hecho algunas parodias:

Según dicen, en esa primera época de 1976 a 1979, todo lo que tocaban Pink Lady se convertía en oro. Empezaron a generar una cantidad ingente de merchandising, todo el mundo las quería para anunciar sus productos (si lo hacían, los anunciantes multiplicaban sus ventas), y no paraban de hacer apariciones por todas partes. Incluso llegaron a ser protagonistas de alguna película y un anime (aunque ellas no doblaron a sus personajes).

Pink Lady Monogatari: Eiko no Tenshitachi (ピンクレディー物語 栄光の天使たち)

La clave de su éxito se encuentre quizás en que, a pesar de su imagen de chicas guapas y ligeritas de ropa, eran lo suficientemente “decentes” como para llegar a todos los públicos, incluso los más pequeños (para los que se llegaron a editar revistas con las coreografías paso a paso). También están las ya mencionadas coreografías e indumentarias, así como el uso de palabras inglesas, que por entonces no era tan común en los artistas nipones. Y aunque la música a menudo queda en segundo plano cuando hablamos de idols, lo cierto es que también fue bastante original en su momento (a mi me encantan esas intros que luego nada tienen que ver con la canción). En conjunto, un cóctel explosivo. Y tan explosivo, que acabó explotando en sus caras.

¿Queréis unas pegatinas de Pink Lady? ¡Yo sí!

¡Niños! ¡Aprenderos la coreografía de UFO!

Libro para colorear. ¿Sólo se puede pintar con rosa?

En un movimiento muy mal calculado, Pink Lady rechazaron participar en el programa de fin de año Kohaku Uta Gassen, para hacer un show de fin de año propio. Para los que no lo conozcan, el programa Kohaku Uta Gassen es toda una institución en la televisión nipona (NHK). Cada fin de año se reúnen a los artistas Pop (y Enka) más famosos en una especie de batalla de equipos (el equipo rojo – mujeres – y el equipo blanco – hombres), el vencedor es escogido por el público. Pink Lady, o su agencia, sobrestimaron sus posibilidades rechazando la invitación, y se estrellaron con un 8.2% de audiencia, frente al 72.2% de Kohaku. Por si esto no fuese suficiente debacle, su agencia aseguró que habían invitado como público una escuela de niños ciegos, pero dicha escuela negó que existiese tal invitación, con lo cual la imagen de las Pink Lady quedó seriamente dañada al intentar “aprovecharse de unos pobres niños ciegos para publicitar su programa”. Rechazar la invitación al programa que tan bien les había ido antes fue como firmar su sentencia de muerte. No sabemos si fue por esto, pero su agencia de management había estado preparando un plan B que consistía en promocionarse en Estados Unidos.

No se puede decir que les saliese mal del todo, ya que consiguieron hacerse un hueco en la prestigiosa lista Billboard, una hazaña que sólo un artista japonés había conseguido anteriormente: Sakamoto Ryu, con su “Sukiyaki” (sobre el cual hicimos un post). Ellas lo hicieron con “Kiss in the dark.”

Incluso tienen el honor de haber entrado en la lista de los 50 peores programas de televisión de la historia de EEUU, con los cinco episodios del show “Pink Lady and Jeff”; un programa de la NBC en la las dos chicas, aparte de cantar, protagonizaban una serie de sketchs cómicos con un comediante de segunda.

Las pobres chicas, que se aprendían los guiones de forma fonética (también las canciones en inglés), debieron respirar tranquilas cuando se canceló el show. A modo de ejemplo del patetismo del programa, aquí tenemos a Mie y Kei con Hugh Heffner, en un intento de convertirse en chicas Playboy.

Finalmente, la aventura en Estados Unidos hizo que se olvidaran del mercado doméstico, y entre el bajón de ventas que supuso el incidente del programa de fin de año, y la mala imagen que habían dado, en 1981 llegó el momento de decir adiós. Pink Lady anunciaron su disolución. Aquí tenéis “Goodbye Love”, en su concierto de despedida.

Por suerte para sus fans más acérrimos, ese no fue un adiós definitivo. Ya que a lo largo de los 80 seguirían haciendo algunas apariciones en algunos programas, las veríamos sacando Singles en solitario, e incluso protagonizando alguna película. Pero mención aparte merece la colaboración de Mie con Animetal (ya en 1998), en los discos llamados Animetal Lady, y en los que interpretó varios hits de Shojo y Kodomo Anime en clave Metal.

Podéis leer el post sobre Animetal aquí.

En lo que parece una reconciliación en toda regla, en 1988 volvieron a actuar en el Kohaku Uta Gassen. Pero no fue hasta 2005 que hicieron un auténtico retorno a los escenarios para una nueva gira de despedida. Lo cual suena un poco raro si no has actuado en casi 20 años… y más raro aún si a los cinco años anuncias de nuevo tu retorno. Así que podemos suponer que Pink Lady seguirán volviendo una y otra vez mientras siga vivo el interés… y con lo bien que se conservan, parece que les queda cuerda para rato (¡si es que incluso bailan mejor ahora!).

Pink Lady 1976

Pink Lady 2005

LOS EXTRAS DEL DVD

Podríamos comentar muchas cosas curiosas de la carrera de Pink Lady, pero vamos a haceros una breve selección a modo de extras en este post.

Empezamos por la curiosidad “typical Spanish”, y es que uno de sus Singles más famosos es una canción llamada “Carmen”.

Lógicamente, en su época, Pink Lady tenían su competencia. También muy populares fueron Candies, un trío de chicas que empezaron unos años antes, y que también tuvieron un gran impacto en el panorama musical japonés. Pero a continuación os presentamos un vídeo en el que los dos grupos se reúnen para interpretar “Peppa Keibu” (después, como era de esperar, cantaron otro hit de Candies).

Pero si hay un crossover espectacular es el siguiente. ¿Quienes son uno de los grupos femeninos de idols más importantes de finales de los 90 y principios del siglo XXI? ¡Las Morning Musume! Un crossover de ensueño.

Por último, una curiosidad relacionada con el manga. Puede que los más veteranos recuerden un anime llamado “Dirty Pair”, del que luego apareció un cómic realizado por autores americanos, cuyo origen de fueron unas novelas de Haruka Takachiho y Yoshikazu Yasuhiko.  En una entrevista, Haruka explicó que para crear a Dirty Pair se había inspirado dos dúos femeninos contemporáneos, las luchadores de lucha libre llamadas Beauty Pair y  las mismas Pink Lady, en una curiosa fusión.

Beauty Pair. Nada que ver con la delicadeza de las dos cantantes. 

Portada de una de las novelas de Dirty Pair. Una de ellas incluso se llamaba Kei (como la de Pink Lady).

Aunque nosotros las conocemos mejor con este aspecto. Dirty Pair!

Ahora podéis buscar en un mítico vídeo de Marc Bernabé en una tienda #TLQM, el merchandising de Pink Lady. Gallifante para el que lo vea. El post lo tenéis aquí.

Varias de las fotos las hemos sacado de www.pinkladyamerica.com, muy recomendable para cualquier fan de Pink Lady.

19
dic
11

Un viaje al Japón de la era Showa

Saludos cosmonautas,

hoy queremos proponeros un pequeño viaje en el espacio y el tiempo muy especial, y es que gracias a unos interesantes vídeos que hemos encontrado, podemos hacer un breve repaso de una época muy concreta de la historia japonesa, el período Showa. Éste tuvo lugar desde 1926 hasta 1989, durante el reinado del Emperador Hirohito, y se podría decir que fue cuando el mundo pudo ver lo mejor y lo peor de Japón: su cruel participación en la 2a Guerra Mundial, con sus nefastas consecuencias para ellos y otros países asiáticos, pero también el milagro de la recuperación tras su derrota, que les llevó a convertirse en la segunda potencia económica mundial y a convertirse en un modelo de país en cuanto a calidad de vida. Dicen que los japoneses recuerdan con añoranza esos años dorados del período Showa, y no nos extraña, ya que fue justo después de la muerte de Hirohito, con el inicio del período Heisei (el actual), cuando la burbuja económica estalló. Desde entonces, Japón ha vivido en un constante declive, que hace que miren al pasado reciente con nostalgia.

De la Era Showa a la Era Heisei, 8 de enero de 1989.

Podríamos decir que para nosotros la era Showa tiene un encanto especial, tenemos algo de nostálgicos-retro-vintage en lo que respecta a esa época de la historia japonesa, y es curioso porque en realidad nunca la hemos vivido, y por lo tanto, muchas de las cosas de la era Showa son nuevas para nosotros. Pero también es cierto que algunas de las cosas de Japón que más nos impactaron en nuestra infancia provenían de la era Showa y eran contemporáneas a nosotros mismos (sin ir más lejos, el Capitán Harlock), y quizás eso ha moldeado nuestro gusto estético de alguna forma, haciéndonos más receptivos a todo lo que sea Showa.

Vamos a centrarnos especialmente en la década de los 60 , ya que fue de las más importantes en el desarrollo económico e industrial de Japón, y también una década clave en la creación de la “cultura popular” nipona, especialmente en lo que respecta a manga, anime, series de televisión, etc. Vamos a hacer un poco de repaso.

En el año 63 se estrenó en las pantallas niponas la serie animada de “Astro Boy”, todo un hito cultural, ya que convirtió al pequeño robot en un icono para muchas generaciones, y es seguramente uno de los personajes de manga al que los japoneses le tienen más cariño. Aunque ese mismo año otro robot proveniente del manga tuvo su serie, “Tetsujin-28-go”. Dos años después se estrenaba “Kimba, el león blanco” de Tezuka y “Obake no Q-taro” de Fujiko Fujio. En 1966 se estrenaba “Ultraman” y “Cyborg 009″ de Shotar Ishinomorim y unos pocos años después los manga de “Ashita no joe”, “Doraemon” y el anime de “GeGeGe no Kitaro”. Está claro que, ser un niño japonés en los 60 fue algo #TLQM, y esto lo retrató muy bien Urusawa en su manga “20th Century Boys”. También hubo un par de películas japonesas de mucho éxito a mediados de la década pasada que quisieron retratar esa época de finales de los 50 y principios de los 60. Se trata de la primera y segunda parte de “Always Sanchome no Yuhi”, una romántica historia coral de una calle de Tokyo y sus peculiares habitantes.

Pero vamos a centrarnos ahora en la realidad. En los vídeos que veremos a continuación, encontraremos el retrato de la vida diaria de familias japonesas en distintos años, empezando por 1963 (justo cuando empezaba la revolución económica y su boom industrial), y también veremos algunas otras cosas típicas del período Showa. Mientras los veis, podéis ir pensando si realmente ha cambiado tanto la imagen de Japón en 40 años. Aunque pensad también que estas imágenes tienen cierto sesgo, ya que el que las grabó no era japonés. Así que quizás la pregunta más acertada es si nuestro interés por Japón (nuestra mirada) sigue siendo exactamente el mismo que hace más de 40 años.

Otro ejemplo más de esa época, pero 3 años después, 1966. El vídeo es mucho más largo, pero también más detallista y más exhaustivo en su retrato de la familia protagonista:

Y siguiendo con esa imagen de los 20th Century Boys, aquí tenemos un breve reportaje sobre unos niños que van a la escuela, en un ambiente bastante más rural.

Muchos tienen la imagen de los japoneses que nunca se quejan por nada, no protestan ni desafían nunca a la autoridad. Sin duda, esto es en buena parte cierto, pero eso no significa que no hayan existido japoneses que se hayan rebelado contra el sistema de forma contundente. Los estudiantes de los años 60 lo hicieron, aunque no sacaron nada de ello y quizás por eso, ya nadie quiera protestar de nuevo.

Ahora, vamos a fijarnos en algo que siempre es divertido y a la vez un reflejo de una época, los anuncios de televisión. El primero, gustará mucho a los amantes de la gastronomía nipona.

Aunque por entonces el manga de Osamu Tezuka ya había revolucionado la “historieta” japonesa, en 1959 aún seguía siendo muy popular el “kamishibai” (un cuentacuentos que utilizaba ilustraciones), para el cual muchos artistas manga habían dibujado, y del que surgieron algunos personajes como Ogon Batto.

Kamishibai de Ogon Batto.

Puede que muchos no sepan que el primer superhéroe de la historia fue Ogon Batto, ya que apareció en los kamishibai un año antes que Superman. Aquí podéis ver la película que se hizo años después de Ogon Batto, que también fue objeto de varios anime.

Pero en realidad, el primer superhéroe televisivo no fue ni Ogon Batto (lo suyo era el cine), ni Ultraman. Ese honor es para Gekko Kamen, que apareció en la pantalla pequeña en 1958 (ojo al nombre y al vehículo que usa).

Y no podíamos terminar este repaso a la era Showa sin darle un toque musical al asunto. Así que, por favor, ¡que entren Pink Lady! (¡Aunque ellas se merecen un post entero!)

Por cierto, hace un par de años estuvimos con Ale en un pequeño museo Showa. Aquí podéis verlo.

01
dic
11

XVII Saló del Manga de Barcelona (2011): Un repaso en imágenes

Saludos cosmonautas,

Hace apenas un mes se celebraba en la Farga de l’Hospitalet de Llobregat la decimoséptima edición del Saló del Manga de Barcelona, siendo esta la última vez que tiene lugar en el recinto de la Farga. El próximo año se trasladará a Fira de Barcelona, donde hay mucho más espacio para un evento que cada año recibe miles y miles de visitantes que acaban apretujados entre stand de merchandising y stand de merchandising.

Se decía que iba a ser uno de los peores años por culpa de la crisis, pero según parece no ha estado tan mal como se esperaba, y a nivel de manga se ha vendido bastante bien. Por nuestra parte, la mayor preocupación es que el obligado reajuste de las editoriales de manga, que hasta no hace mucho eran capaces de lanzarse a la piscina con propuestas originales o más minoritarias, y con la crisis ha tenido que recular y apostar por valores seguros. Esto significa que los lectores de manga que prefieren algo más que el típico Shonen, tendrán que armarse de paciencia (que le den el premio del Saló al mejor Seinen a una obra de las Clamp… ehem… ehem…). Aún así, ha habido novedades destacables en ese campo, y la presencia del maestro Hiroshi Hirata es buena prueba de ello. No nos enrollemos más, ahí va nuestro repaso en imágenes.

Aunque no tenemos imágenes de esto, nuestros dos momentazos personales del Saló fueron conocer a Keichi Hara, creador de la fantástica “El Verano de Coo”, y el precioso autógrafo de Hirata-sensei.

Un gran fan de Kamen Rider junto a un gran fan de Gojira. 

“El Verano de Coo”, un anime sorprendente. 

Seguramente uno de los autógrafos más especiales que nos han dedicado (¡aunque fuese igual para todos!).

Este post llega casi con un mes de retraso, y también tenemos que confesar que llega algo más mutilado de lo que teníamos previsto en un inicio (lo cual explica también el retraso). Pero todo esto tiene un motivo, que tarde o temprano será desvelado. (hype!).

28
nov
11

Entrevista Pirata: Nacho Cerdà – The Phenomena Experience (4a parte)

Saludos cosmonautas,

nosotros lo advertimos, y así ha sido. En algún foro de cine, ya se ha declarado una guerra entre aquellos que están de acuerdo con Nacho Cerdà y su visión del cine y los cineastas actuales, y sus detractores. Y es que muchas de sus opiniones y reflexiones, es imposible que dejen a alguien indiferente… al menos si eres alguien a quien le apasiona el cine.

En esta 4a parte rebajamos un poco el tono, pero no por ello deja de ser menos interesante, y es que hablar del público del Phenomena era algo imprescindible, así como de esa nostalgia que es la principal responsable de la venta de entradas. Aún nos quedan algunas cosas que enseñaros de esta entrevista, pero vamos a dejar descansar a Nacho hasta el 16 de Diciembre, cuando se celebre el 1er Aniversario de The Phenomena Experience.

Aqui tenéis la primera, segunda y tercera parte de esta entrevista que da que hablar.

14
nov
11

Entrevista Pirata: Nacho Cerdà – The Phenomena Experience (3a parte)

Saludos cosmonautas,

sigue avanzando nuestra entrevista pirata con el creador de Phenomena Experience, el evento cinematográfico que recupera grandes clásicos del cine de los 70-80-90 en pantalla grande y con un público entregadísimo. Un evento que va más allá del puro entretenimiento y que le sirve a Nacho para reivindicar un tipo de cine que en buena parte ha desaparecido con la mejora de la técnica digital. Según Nacho, esto también provoca que las nuevas generaciones de cineastas no sean capaces de apreciar algunas cosas del pasado cinematográfico. Llevando ya cinco años como profesor de cine, nuestro entrevistado no se corta un pelo al hablar del cine actual y las nuevas generaciones.

PRIMERA PARTE, SEGUNDA PARTE.

¡Y recordad que esta semana The Phenomena Experience estará cuatro días en Madrid!




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