ya os contamos algunas de nuestras aventuras en el pasado Saló del Còmic de Barcelona hace unos días, pero faltaba el plato fuerte. Como os hemos ido contando en los últimos meses, nos hemos vuelto a reenganchar al Universo Marvel, pero conseguir ponerse al día no es tarea fácil con la cantidad de títulos y sagas que existen. Nosotros dejamos de seguir los X-Men más o menos cuando iba terminando la época de Grant Morrison (los llamados “Nuevos X-Men”), y desde entonces se podría decir que la forma de hacer de Marvel ha aposta muy fuerte por una serie de eventos/crossover muy potentes, que complican ese trabajo de recuperación y actualización.
Para conseguirlo, nos hemos puesto en manos de un experto Marvel Zombie, el dibujante Àlex Santaló (que conocéis de una Entrevista Pirata), quien nos ayudará a poner orden con algunas de las últimas sagas importantes que se han vivido en el Universo Marvel. No hablaremos de todas porque no hay tiempo, pero sí al menos de las dos o tres más importantes de los últimos 10 años.
Por cierto, al igual que con la peli de Los Vengadores, hay sorpresita final :) (y no os cortéis contadnos vuestras experiencias marvelescas en los comentarios)
han pasado meses y meses, pero finalmente os mostramos la última parte de la entrevista que le hicimos a Niko, célebre papá de Cálico Electrónico. Y lo hacemos hoy, 7 de Mayo de 2012, día elegido para el estreno de la esperada 4a Temporada de Cálico Electrónico. Después de unos añitos haciendo sólo algunos cameos, el superhéroe más bajito de la galaxia, el rapsoda más cerdaco del mundo, vuelve a la palestra. ¡Ya era hora! Así que, antes de dirigiros a la web de Cálico Electrónico para ver el estreno mundial, aquí tenéis a Niko que nos contará algunas cosillas; entre ellas, planos de futuro que ya son presente. Así, en plan fast forward.
Recupera las anteriores entregas, seguramente mucho más locas que esta (en la que el orujo ya estaba de bajón):
hace meses tuvimos a Anna Roig, cantante y compositora del grupo Anna Roig i l’ombre de ton chien, sometida al interrogatorio de la Entrevista Pirata (si os lo perdisteis, aquí tenéis la primera y segunda parte). Pero nos guardamos un as en la manga, un pequeño gran extra en el que le propusimos un pequeño ejercicio a Anna, a partir de ciertos objetos tenía que hablarnos de los personajes que aparecen en sus canciones, algunos tan controvertidos como la asesina en serie Trini Sánchez Mata. ¡Os dejamos con Anna!
Por cierto, si os han gustado estas historias, Anna Roig acaba de publicar su primer libro (por ahora en catalán sólo), aquí tenéis más información. Y para terminar, para aquellos que no conocéis la banda, aquí el videoclip de una de sus canciones más famosas:
en el último concierto de Els Amics de les Arts, nos encontramos con dos fans que reconocieron a este humilde capitán. Compartiendo las primeras filas del concierto de Mataró, tuvimos tiempo para comentar, entre otras cosas, la Entrevista Pirata que les hicimos a “Els Amics” hace ya un par de años. Nos alegró mucho saber que esa entrevista dejó muy buen recuerdo entre los fans. Y aunque no vamos a repetir una Entrevista Pirata, no hemos podido evitar volver a proponer un “juego” a estos músicos. Sabiendo que son muy aficionados a ver un buen número de series, hemos querido conciliar esa afición con su música. Escogiendo 12 de sus series favoritas, les retamos a relacionarlas con las 12 canciones de su nuevo disco “Espècies per catalogar” (del que hicimos un extenso repaso aquí). ¿Queréis ver el resultado?
Pero antes os proponemos un pequeño juego. ANTES DE VER EL VÍDEO, intentad relacionar las series favoritas de Els Amics de les Arts con las canciones de su nuevo disco. Una vez lo tengáis hecho, podéis ver la solución en el vídeo.
ayer fue un día para recordar en el departamento de Estadística y Mentirología de la Arcadia. Después de casi tres años desde que inauguramos el blog en WordPress (ya llevábamos algunos meses en Blogspot), finalmente superamos la cifra de 500.000 páginas vistas, medio millón.
Que nadie se confunda, esto no son 500.000 visitantes únicos, sino las veces que alguien ha entrado en este blog. Por ahora no tenemos esa información porque la versión de WordPress gratuita que usamos no da esos datos (y sí, tarde o temprano acabaremos pillando servidor, etc.). Estamos muy lejos de muchos otros compañeros de travesía, algunos de los cuales pueden llegar a esa cantidad o doblarla en un solo mes, o en pocos meses, pero para un blog tan particular como este, tan poco mainstream en todos los sentidos, es toda una hazaña.
Así pues, sólo nos queda decir: ¡Gracias Google Images!
Para qué negarlo, en los últimos meses, y no sabemos muy bien el motivo, el tráfico de Google Images ha aumentado considerablemente, consiguiendo que llegásemos a estas cifras antes de lo esperado. La duda que nos corroe es si alguna de esta gente que llega al blog a través de una imagen luego se lee el post o incluso se acaba convirtiendo en lector. A nosotros nos ha pasado más de una vez descubrir posts o blogs interesantes mientras buscábamos imágenes. ¿Es el caso de alguno de vosotros?
Pero ahora en serio.
¡Muchas gracias Cosmonautas! Gracias a todos los que seguís viniendo aquí desde el principio, gracias a los que os acercasteis más tarde, y bienvenidos y gracias a los más recientes. La verdad es que el formato blog hoy en día parece estar en una especie de impasse, que puede llevarlo a la desaparición definitiva en favor del microblogging, o hacia algún tipo de reinvención. Pero algunos de nosotros seguimos creyendo en el blog como una fuente de entretenimiento, e incluso de conocimiento.
También es cierto que ahora mismo vivimos cierta paradoja, tenemos más visitas que nunca, pero eso difícilmente se refleja en el número de comentarios. Somos accesibles desde todo tipo de plataformas, y nuestras emisiones se esparcen por Twitter, Facebook, Google+, e incluso las suscripciones que últimamente han crecido bastante, pero aún así, el nivel de comentarios es más bajo que cuando recibíamos menos de la mitad de visitas que ahora. No podemos explicar los motivos que hay detrás de ello, pero estamos más que seguros que los smartphone tienen mucho que ver. La gente nos lee, pero dejar un comentario desde un terminal móvil sigue dando mucha pereza. De todos modos, nunca nos metimos en esto para recibir los elogios y las palmaditas en la espalda, sino para compartir experiencias y aficiones. Así que no os toméis esto como una queja, sino una simple reflexión sobre como están cambiando los tiempos.
Lo dejamos aquí, agradeciendo una vez más vuestra atención, y aunque no prometemos llegar al millón (porque eso traería mala suerte), sí os aseguramos que nos queda cuerda para rato. Pero antes de irnos, recuperamos al “himno de la Arcadia” que en su día grabamos de forma bilingüe con Ale, en una versión ligeramente distinta (y sin los 8 minutos de repaso al Capitán Harlock que podéis ver aquí):
hace tiempo que debería haber escrito este post, pero quería hacerlo con calma y esto es algo que no abunda en la Arcadia últimamente. Pero no podíamos alargarlo más, teníamos que hablaros de la que probablemente sea una de las mejores bandas catalanas de Metal Extremo de la actualidad (y no porque lo digamos nosotros, haced un Google).
Nos hace especial ilusión la buena acogida que están teniendo estos “Maleït”, y es que nos une un estrecho lazo con ellos. De hecho, se podría decir que vimos nacer y crecer la banda dentro de un coche. Y es que su alma mater, Markvs, fue durante varios años el cantante de The Bleeding Sun, la banda con la que nosotros pasamos casi una década encima de los escenarios (pero es que además, es un amigo). Recuerdo perfectamente los los inicios de Markvs con la guitarra, de como a un ritmo endiablado (a base de echarle horas y horas) iba mejorando sus dotes técnicas y compositivas, y de como me enseñaba sus avances mientras me llevaba en coche hasta la estación de Sant Cugat. Durante un tiempo compaginó ambas bandas, pero llegó un momento en el que tenía que decidirse, y creo tomó la decisión correcta. Dejó The Bleeding Sun y se dedicó en cuerpo y alma a construïr Maleït.
Su primer trabajo fue un EP llamado “Escorça”, en el que demostraban ser capaces de estar a la altura de algunas de las bandas más veteranas de la escena. No tenían nada que envidiar a nadie, de hecho, todo lo contrario, aún les quedaba mucho camino por delante, y “Maleïnt el món”, su primer álbum, es buena prueba de ello.
En estas ocho composiciones, Maleït nos ofrecen una mezcla de Black y Death Metal atronador, arrollador, aplastante, y al mismo tiempo, con cierto toque melódico e incluso progresivo.Es más que evidente el trabajo minucioso que la banda ha dedicado en la composición y ejecución, lo cual se traduce en un disco cargado de detalles, giros sorprendentes, golpes de efecto, y en definitiva, una escucha bastante dinámica. Incluso es de agradecer que, en un disco tan potente, se le haya dejado espacio al bajo para que brille con luz propia, algo que no siempre es habitual en este género.
¿Después les sorprende que les describan como RURAL Black/Death Metal?
Las influencias son tantas y tan bien integradas que el resultado final es un proyecto muy personal, con identidad propia. Aún así, hay ecos que van desde Immortal hasta Nile, pasando por Vidres a la Sang. De hecho a nadie se le puede escapar la influencia que han tenido en la carrera de Maleït los ya desaparecidos Vidres. Fueron un ejemplo a seguir para muchas bandas catalanas, demostrando que se podía impresionar al resto del Estado, y parte del extranjero, haciendo Metal Extremo en catalán, siempre que la propuesta fuera interesante. Maleït tomaron buena nota de ello, y a nadie le sorprenderá que ambos cantantes hayan participado en respectivos discos, y que los dos baterías de Vidres hayan pasado por las filas de Maleït.
La buena notícia es que el impetu de esta banda les puede llevar a conseguir lo que no consiguieron sus camaradas de Vidres a la Sang al quedarse en el camino; llevar su propuesta mucho más lejos. Son incansables, y mientras todo el mundo habla de su primer álbum, ellos ya trabajan en el segundo, así que podemos esperar que Maleït sigan superándose cada día.
Porque aún queda mucho espacio para mejorar. “Maleïnt el món” es un muy buen trabajo, pero no deja de ser un debut en el que hay muchas cosas que pueden afinarse más. Quizás lo que más se puede criticar de sus composiciones es que a veces se pasan de intrincadas, y no dejan respirar mucho al oyente (ni siquiera con aquellas fantásticas partes más melódicas con voces límpias). Quizás por eso hablo tanto de composiciones, y no tanto de “canciones”. Y es totalmente lícito que rehuyan la repetición de patrones, pero quizás, y esto ya es una cuestión muy personal, una mayor coherencia en cada tema ayudaría a crear un mayor impacto en el oyente, al que le sería más fácil distinguir cada canción. También hay espacio para mejorar a nivel técnico, lo cual no significa que el nivel no sea óptimo. Pero teniendo en cuenta lo alto que apuntan a nivel compositivo, se echa en falta algo más de virtuosismo (y con esto estamos siendo muy exigentes – nois, volem més encara!).
Como no queremos acabar con las notas negativas, cerramos insistiendo en la gran calidad de este “Maleïnt el món”, un trabajo que está dando que hablar y que pone en el mapa a un grupo que tiene mucho que decir y muchos muros por derribar en el complicado mundo del Metal Extremo, tan lleno de prejuicios territoriales.
de forma extraordinaria subimos hoy un post para hablaros de la última iniciativa 2.0 de Els Amics de les Arts (algo muy habitual de estos chicos, y que los fans agradecen). Con la salida de su nuevo disco (que comentamos con detalle aquí), y a punto de empezar su nueva gira, han querido regalar a algunos de sus fans la oportunidad de asistir al que será su ensayo general para la gira de “Espècies per catalogar“. El concurso en cuestión consiste en parodiar, versionar, imitar o reproducir uno de tres videoclips que ellos propusieron, concretamente los de “A vegades”, “Deja vu” y “Monsieur Costeau”. Entre hoy y mañana lunes hasta las 20.00h, se pueden votar los distintos vídeos. Y como lógicamente no haríamos un post simplemente para anunciarlo, os queremos mostrar nuestra participación. En realidad no lo hicimos con la intención de ganar, se nos ocurrió una idea que iba a poner a prueba nuestros dotes de edición de vídeo, y nos lanzamos a ello para aprender y divertirnos a la vez. Y de hecho, pedimos a Els Amics de les Arts que NO incluyeran el vídeo en el concurso, pero no nos han hecho mucho caso! Así que si os apetece podéis votar el vídeo #3 en este link. Pero en el caso improbable de que ganemos (por no decir imposible), podemos decir que “renunciaremos al premio”.
En fin, vamos a lo que interesa que es el vídeo. Nos decidimos a parodiar “A vegades”, uno de sus primeros videoclips, grabados en plano secuencia (como el último “Monsieur Costeau”). Lo mejor es que veáis primero el original:
La idea para nuestro vídeo era hacer una reproducción lo más fiel posible, pero con una sola persona, un servidor. Lo cual suponía un reto considerable en cuanto a coreografía, timings, y también en edición de vídeo (al menos para alguien con formación nula en el tema). Hay muchísimos errores de raccord, o manos que desaparecen misteriosamente, pero tampoco es que haya quedado tan mal. Lo peor, la vergüenza (en este caso no ajena) que nos provoca vernos bailar…
Como os decíamos, no vamos a pedir activamente el voto. Aunque podéis dárnoslo como muestra del cariño que nos profesáis (hahahahaha). Seguid este link para ver a todos los demás participantes. Es bonito ver la ilusión que han puesto los participantes (los resultados finales ya es otro tema aparte), aunque también me ha parecido fea la poca deportividad de algunos que se han dedicado a poner “No me gustas” en YouTube (¡y no lo decimos por los que nos han puesto a nosotros! Ya estamos acostumbrados). Pero empezar a hacer este tipo de campañas convierte esto en una competición más que en un divertimento, y acaba perdiendo toda la gracia e interés.
seguimos con nuestra trilogía de distopías juveniles a muerte, donde el “sólo puede quedar uno” es la ley. Ayer empezamos con Stephen King y su novela “La larga marcha”, hoy es el turno de una película de culto japonesa.
BATTLE ROYALE de Kinji Fukasaku
Basada en una novela de Koushun Takami, su adaptación cinematográfica hizo grandes cosas por el cine asiático a principios del siglo XX. Para muchos fue la primera toma de contacto con un cine diferente al que estamos acostumbrados, y acabó abriendo de par en par las puertas del cine asiático para su desembarco en Europa y Estados Unidos. La novela “Battle Royale” se publicó en Japón en 1999, y fue todo un éxito en parte gracias a la polémica de su contenido. Un año después, aparecía la película de Kinji Fukasaku, director veterano y reputadísimo, sobretodo por algunas de sus películas de yakuzas (como la saga “The Yakuza Papers”).
En este caso, el mundo distópico es un Japón no muy alejado en el tiempo en el que la delincuencia y la inseguridad van de la par de un régimen autoritario y algo sanguinario. Los adultos sienten cierto pavor respecto a los jóvenes, cada vez más violentos e irrespetuosos respecto a sus mayores (algo mucho más preocupante en Japón que aquí, seguramente). Así pues, el gobierno se saca de la manga una “ley de reforma educativa” que sirve de correctivo y advertencia para los adolescentes. La ley se llama “Battle Royale”, y se trata de una competición con una premisa que ya conocemos: sólo puede quedar uno. La sanguinaria competición empieza con un secuestro, el del autobús escolar, y con el posterior traslado de toda una clase de instituto a una isla deshabitada. Una vez allí, se reparten de forma aleatoria todo tipo de armas, desde una ballesta hasta la tapa de un cubo de basura, y da comienzo la batalla.
Así acaba la ganadora de la edición anterior de Battle Royale… un poco pallá.
Empezará entonces un combate entre estos adolescentes que al principio no terminan de creerse la situación. Algunos tomarán la vía directa e intentarán salvar el pellejo acabando con la vida de sus, hasta hace poco, amigos o compañeros de clase. Pero muchos otros intentarán buscar otras vías, ya sea el suicidio o simplemente esperar la muerte. Por si la situación en si no es suficiente, todos los participantes llevan un collar que les hará estallar la cabeza si se alejan de los límites de la isla o intentan quitárselo (parecido a lo que vimos en “Perseguido” de Schwarzengger). Pero esto aún se complicará más. Cuantos menos contendientes queden, más se reducirán esos límites. Si alguien se encuentra en una de las “zonas prohibidas”, el collar hará de les suyas. A todo estoy hay que sumarle las lógicas alianzas entre amigos y enamorados, las traiciones que se suceden, así como las pequeñas historias personales de cada personaje que, en buena parte, se acaban resolviendo “en el campo de batalla”. Así como un Takeshi Kitano que da mucha grima en su papel de profesor vengativo.
El mapa de la isla de Battle Royale dividido en zonas. Cada vez se elimina algunas zonas para acercar los participantes.
El protagonista principal de la historia es Nanahara Suya, el típico chico guapo pero sin ningún atisbo de héroe de acción, que es interpretado por Tatsuya Fujiwara (quizás le conoceréis por ser Yagami Light en las películas de Death Note). Este chico, incapaz de asimilar la situación al principio, procurará dialogar con sus compañeros o esconderse para tratar de evitar lo inevitable: la masacre adolescente. A él se le unirá una chica, Noriko, que al parecer tiene una relación especial con el Profesor Kitano (sí, se llama igual). Pero hay dos personajes más que complicarán un poco la cuestión. Dos estudiantes, mayores que el resto, que se han apuntado voluntariamente a la competición. Lógicamente, uno de ellos es un auténtico pirado ávido de sangre que pondrá las cosas difíciles a los demás pipiolos. Respecto al otro, sus motivaciones no son tan claras.
La pareja protagonista. ¿Para cuándo un Pekín Express edición “Battle Royale”?
La película fue prohibida en Alemania y Singapur, e incluso en Japón se hizo algo de presión para que no se estrenara (a sabiendas de su contenido, siendo la novela muy popular). Esto podría hacernos pensar que estamos ante una película gore o muy cruel, pero no hay que exagerar. Es cierto que veremos muertes algo sanguinarias, pero muchas de ellas vienen de situaciones desafortunadas, o en defensa propia, y por lo tanto no siempre existe ese elemento de cruel recreación en las muertes. Visto así, seguramente lo que más escandalizó fue la premisa en si, es decir, que veamos a menores edad intentando matándose los unos a los otros. Y para qué engañarnos, este es uno de los reclamos principales, y para muchos lo único necesario para disfrutar de la película. Pero como todo relato distópico, siempre hay algo más detrás, alguna reflexión o crítica, y Battle Royale también se puede leer a otros niveles, más allá del puro entretenimiento (pero tampoco esperéis una disertación filosófica…).
Portada del libro, que por ahora se puede encontrar por aquí en inglés.
Lo más obvio y lo que más habitualmente han señalado los críticos occidentales es la reflexión respecto a la violencia. El preguntarse por qué nos fascina, por qué nos gusta contemplarla e incluso podemos llegar a gozar de ella (algo que hemos visto en el público de “La larga marcha” o el que veremos en “Los juegos del hambre”). Una violencia de la cual la juventud a menudo disfruta con videojuegos u otras plataformas. ¿Pero qué pasa cuando les enfrentamos a una violencia real? Es posible que exista algo de esto en la película y la novela, pero esta interpretación quizás responda más a las ganas de encontrarle un mensaje al planteamiento violento del film (y de paso acusarlo de poca originalidad), así como e un intento por establecer paralelismos con otras obras occidentales.
Nosotros creemos que la premisa de “Battle Royale” es mucho más japonesa y mucho más directa. Para empezar tenemos el más que obvio conflicto generacional que se plantea en Japón, ese ”generationl gap” que en el 2000 se intuía y ahora es más que evidente: el mundo de los adultos es tan diferente al de los jóvenes, que sus realidades chocan y no se comprenden los unos a los otros. Esto explica el contexto de la distopía, y por qué se ha llegado al extremo. Pero fijémonos también en la salvaje competitividad que realmente existe entre los estudiantes japoneses. Estudian horas y horas para sacar las mejores notas, hay un gran afán por ser el primero de la clase y poder entrar en las mejores universidades. Este determinismo aún vigente hace pensar que si no sigues el ritmo seguramente serás un fracasado el resto de tu vida. Si a esto le sumamos el habitual “bullying” que hemos visto reflejado en tantas otras obras, la inspiración o la intención del autor puede puede que sea otra: “ser un adolescente en el instituto no es tarea fácil en Japón, y puede acabar contigo”. Battle Royale es llevar al extremo la situación, y saca a relucir la auténtica humanidad de los personajes, con lo cual, al final el mensaje puede ser más positivo de lo que parecía a priori. De todos modos, si lo único que interesa es ver a chavales y chavales matándose los unos a los otros, te encantará.
¿Colegialas macizas liándose a tiros? ¿Dónde hay que firmar?
Si ya conocéis la película, sabed que existe una segunda parte que dirigió el hijo de Fukasaku, ya que este falleció cuando se empezaba a rodar. Sabed también que es una secuela bastante deficiente, más en la línea de una exploitation movie que otra cosa. Aquí todo es mucho más gratuito. Por otro lado, el mismo autor de la novela original trabajó en un manga que aquí ha publicado IVREA. Según Koushun Takami, en el manga desarrolló mucho más los personajes que en la novela, con lo cual puede ser un añadido interesante.
Portada del manga de IVREA, se han publicado sus 15 tomos.
Haz clic en los links para leer los otros posts sobre distopías juveniles en las que sólo puede quedar uno:
después del parón Navideño, volvemos de nuevo con la Entrevista Pirata con la encantadora Anna Roig, la cara y mente pensante detrás de Anna Roig i l’ombre de ton chien, una de las propuestas musicales más interesantes del bullicioso panorama musical catalán actual.
Pero primero tenemos que empezar con una disculpa, debido a ciertos problemas técnicos que hemos tenido con la entrevista. Como veréis, os aseguramos que no volverá a pasar. El responsable ha pagado por sus crímenes.
justo cuando termina el 2011 nos damos cuenta de que este ha sido el año del regreso de uno de los duetos más famosos de la infame MTV, y no tiene nada que ver con la música… o sí. A principios de los noventa aparecieron en el popular canal musical, una pareja de “jebis” muy particular. Eran dos adolescentes ataviados con una camiseta de Metallica y otra de ACDC respectivamente, el uno castaño y el otro rubio, el uno tonto y el otro más tonto. Ambos, unos gamberros de tomo y lomo que harían escandalizar a cualquier padre. Y lo hicieron. Y todos se acuerdan de sus nombres: Beavis and Butt-head.
Estos dos energúmenos eran una creación de Mike Judge (que quizás algunos conozcan por “El rey de la colina”), y él mismo era el encargado de poner las desagradables voces de ambos personajes. No se podría decir que la serie tuviese realmente un argumento, simplemente eran pequeños episodios de la vida de estos jebis ignorantes y faltones, y su característica risa (huh-huh-huh-huh-huh). Así pues, tanto se podía hablar de “Frog Baseball” (cuando juegan a béisbol con una rana), de la rabia perruna, o de cualquiera de las putadas que podían hacerle a su vecino o a su profesor hippie. Aunque cabe decir que ellos mismos podían terminar siendo las víctimas a menudo, víctimas de su propia ignorancia y estupidez. Eran adorablemente subnormales.
Aquí tenéis el episodio piloto:
Aunque con ciertas limitaciones, la calidad de la animación mejoró en sucesivos episodios:
Pero si algo hizo famosos a Beavis and Butt-head, fueron los segmentos musicales que se incluían en cada episodio (sí, por entonces, la MTV aún tenía cierta relación con la música). Básicamente veíamos siempre la misma imagen de Beavis y Butt-head, sentados en un sofá, y comentando los videoclips que veían en la MTV. Podían reaccionar de varias maneras, pero lo más habitual, y lo más divertido, era cuando no les gustaba un vídeo y se dedicaban a destriparlo. Tenía cabida todo tipo de música, desde lo más actual de entonces (el Grunge o incluso el Metal), hasta el Rap, el Soul, y cualquier cosa que se le ocurriera al guionista. De hecho, dicen que Mike Judge improvisaba totalmente esta sección, con lo cual no es de extrañar que a menudo se fuesen por las ramas…
En otras ocasiones, ni siquiera era necesario decir nada:
Pero a veces había vídeos que les gustaban, y era entonces cuando desplegaban toda su pasión Heavy Metal. Aunque no siempre se ponían de acuerdo, claro…
Este par de capullos se hicieron muy famosos gracias a esta sección, y al parecer algunos se tomaban muy en serio sus reacciones (aunque a menudo demostraban una gran ignorancia, incluso en aquello que teóricamente deberían dominar, como el Metal). Dicen que el mismo Kurt Cobain fue muy feliz cuando Beavis and Butt-head dieron su visto bueno a uno de sus vídeos:
Visto esto, no es de extrañar que Nirvana contribuyeran a “The Beavis & Butt-head Experience”, un CD recopilatorio apadrinado por estos dos jovencitos (con comentarios entre tema y tema), que incluía a bandas como Primus, White Zombie, Megadeth… ¡y Cher! Así es, Cher se prestó a hacer una versión de “I got you babe”, sustituyendo a Sonny Bono por Butt-head, en uno de los duetos más esperpénticos de la historia de la música.
A partir de ahí ya empezaron a salir videojuegos, cómics (algunos se publicaron aquí), e incluso un largometraje (“Beavis and Butt-head do America”). Hubo un spin-off, “Daria”, protagonizado por un personaje secundario, aunque Mike Judge no tenía nada que ver y los dos personajes tampoco aparecían. “Beavis and Butt-head” se alargó durante 8 temporadas, de 1993 a 1997, y sorprendentemente volvieron a la MTV en Octubre de 2011 (con un dibujo algo mejor, pero exactamente el mismo humor).
El cómic, editado por Marvel Comics, también se publicó en español (tenemos algunos ejemplares en la bodega de la Arcadia).
No de ja de sorprender que fuese Nintendo quien sacara el videojuego de unos personajes tan polémicos, y que definieron en los noventa el concepto “políticamente incorrecto”. Luego serían los chavales de “South Park” los que recogerían el testigo. Curiosamente, la serie de Mike Judge terminó poco después de que empezaran Cartman y sus colegas, y que dejaron a Beavis & Butt-head como unos simples aficionados. Pero los mismos Parker y Stone han reconocido que el show de MTV fue su principal inspiración. Ahí queda eso.
Por supuesto, como iconos que fueron, incluso aparecieron en el ya mítico “Celebrity Deathmatch”:
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