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09
Jul
10

Kevin Smith, el rey de los nerds

por El Capitán 40 Comentarios
Categorías: Cine, Cómics y vídeos
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Saludos cosmonautas,

hace muy poco citamos en un post dedicado a Lost la figura de Kevin Smith, el cineasta de New Jersey que durante varios años se convirtió por méritos propios en el Rey de los Nerds (por usar una palabra más americana, en lugar de friki). La culpa de ello fueron sus cinco películas de la llamada saga de New Jersey, pero también por una vida que le llevaría a consumar muchas de las fantasías nerd por excelencia: dirigir películas, ser actor, tener tu propia serie de dibujos animados, guionizar los cómics de tus personajes favoritos, e incluso montar su propia tienda de cómics. Con estos antecedentes, ya estábamos tardando en hablar de él en la Arcadia.

A pesar de sus 16 años de carrera, hablar de Kevin Smith sigue siendo sinónimo de “Clerks”, su primera y aclamadísima película de culto, que no dejaba de ser un relato autobiográfico de la vida de Smith como dependiente de una “convenience store” (es decir, como un “combini” japonés, o un super cutre en español). La película era un proyecto que se fraguó mientras estudiaba en una academia de cine, y acabó dejando esos estudios para poder llevarlo a cabo. No podemos decir que fuese una decisión equivocada, le costó 27.575 dólares (y tuvo que vender toda su colección de cómics para conseguirlos – algo duro para un nerd, está claro), y después del gran éxito de crítica y público acabó generando 3,1 millones de dólares de beneficios (parte de los cuales destinó a recuperar esa colección comiquera).

La película partía de una premisa sencillísima, Dante, el protagonista empleado de Quick Stop, no puede disfrutar de su día de fiesta ya que su jefe le llama pidiéndole que abra la tienda porque otro empleado se ha puesto enfermo. Y en realidad no pasa mucho más que eso. Lo que veremos a continuación es un continuo desfile de personajes por la tienda, y algunas situaciones un tanto curiosas, como un partido de hockey en la azotea del establecimiento, u otra que tiene lugar en los lavabos pero que mejor no os spoileamos (¿pero acaso no has visto “Clerks”? ¿cómo es posible?).La gran baza de la película, y lo que encandiló al público friki y no tan friki, fueron precisamente sus diálogos, faceta en la que siempre ha destacado Kevin Smith como guionista. Muchos de ellos estaban plagados de referencias a Star Wars y personajes de cómics, planteándose algunas de las premisas de estas obras, o desarrollándolas como sólo un auténtico nerd podría hacer. Y esto creó escuela. Hoy en día es muy habitual encontrarnos películas o series que incluyen este tipo de conversaciones, The Big Bang Theory sería el ejemplo más claro actualmente, y estamos seguros que lo que hizo Kevin Smith en “Clerks” y en posteriores películas tuvo algo que ver.

Pero hubo algo más en “Clerks” que ha perdurado. Fueron dos personajes icónicos que salieron de la mente de Kevin Smith: Jay y Silent Bob, una especie de Laurel y Hardy modernos, o mejor dicho unos C3-PO y un R2D2 de carne y hueso. El uno es un pervertido con la boca muy sucia, que se pasa el día vacilando y tocándose las partes nobles. El otro, tal y como indica su apodo “silent”, prácticamente no habla nunca, aunque cuando lo hace deja a todo el mundo boquiabierto por las perlas de  sabiduría que suelta (por cierto, Silent Bob es Kevin Smith).

Jay & Bob delante del Quick Stop. En realidad, “Clerks” estaba inspirada en la vida de Kevin Smith, pero no como Silent Bob, sino como Dante, ya que el propio Kevin Smith trabajaba en el Quick Stop, el mismo que salía en la película, y compaginaba su trabajo en el super con el rodaje de la película.

Se podría decir, en términos “lostianos”, que Jay & Silent Bob son la “constante” de su saga fílmica, ya que aparecen en sus primeras cinco películas, y acostumbran a conocer a los distintos personajes, y es a partir de ellos que se crea normalmente un nexo de unión entre todas estas pelis de la llamada “Saga de New Jersey”. Pero esto no se limita simplemente a sacar a Jay & Bob en todas ellas, realmente hay un universo definido, con unos personajes que se conocen entre ellos y que se referencian los unos a los otros aunque ni siquiera aparezcan en la película. Y ojo, que esto no es algo hecho completamente sobre la marcha, ya que si veis, por ejemplo, “Mallrats”, en la escena final aparece algo que no pasará hasta tres películas después.

Lo curioso de todo esto es que Kevin Smith es uno de esos directores que tiene  actores fetiche, y por lo tanto en muchas de sus películas veremos desfilar los mismo nombres, como son Jason Lee, Joey Lauren Adams, y sobretodo Ben Affleck, que de hecho fue un “descubrimiento” de Kevin Smith (“se lo podría haber ahorrado” pensarán algunos, con parte de razón). El problema de esto, es que estos mismos actores acaban representando diferentes personajes de un mismo mundo, con lo cual algun lío puede hacerse uno a la hora de entender como está tejida la red de relaciones. El delirio ya es máximo en la última película, “Jay & Silent Bob Strike Back”, ya que salen todos los personajes en la misma (aunque creemos recordar que no se llegan a cruzar nunca).

Vamos a repasar entonces las películas de la saga de New Jersey. Ya hemos hablado de “Clerks”, la película que convirtió a Kevin Smith en una nueva promesa, y por ello, y con más presupuesto pudo rodar “Mallrats”, una película en la se descubriría el talento de Jason Lee (ahora muy popular por su papel en “Me llamo Earl”), y tendría el morbo de contar con Shannon Doherty, la mítica Brenda en “Sensación de vivir”. Muchos ven “Mallrats” como una de las pelis más flojas de Kevin Smith, algo en lo que podríamos estar de acuerdo, pero su peli más floja (al menos por entonces), ya era mucho mejor que la media, y cualquiera con un mínimo de cultura comiquera sabrá disfrutar a lo grande de “Mallrats”, ya sea por sus hilarantes diálogos (como el de la posibilidad de que Superman le destroce el útero a Lois Lane con su esperma), o por la estelar aparición del mismísimo Stan Lee para darle una lección al nerd de Jason Lee (y no, no son familia).

La tercera entrega de la saga es para muchos la mejor película de Kevin Smith, algo también discutible, pero no se puede negar que en “Persiguiendo a Amy” Smith hizo un trabajo muy bueno, intentando alejarse del cine de puro entretenimiento de “Mallrats”, pero sin dejar de lado sus orígenes y sus influencias más frikis… de hecho, los protagonistas son dibujantes de cómics (y un calcador… esto… entintador). Además, “Persiguiendo a Amy” es el origen del cómic “Bluntman & Chronic”, dos superheroes muy especiales que, como veremos en el film, están basados en Jay & Silent Bob (y ellos reciben sus partes de los royalties por ello).

La cuarta entrega es quizás una de las pelis más famosas de Kevin Smith, seguramente porque los dos protagonistas fueron Ben Affleck y Matt Damon, quienes estaban en su pico de popularidad después de ganar un Oscar por el guión de “El indomable Will Hunting”. Pero “Dogma” es también la película que más se aleja del estilo de la saga New Jersey, ya que se trata de una peli fantástica que nos cuenta la historia de dos ángeles caídos que quieren liarla parda para volver a entrar al cielo. Pero parte de su popularidad quizás se deba también a la controversia que creó al tratar de la religión de una forma tan “guai”, algo que hizo que Miramax, la distribuidora de cine “independiente” de Disney, cediera los derechos a Lions Gate Entertainment, para no verse involucrados en la polémica. Kevin Smith recibió más de 300.000 emails quejándose de “Dogma”, y que publicó en su página web.

Pero a pesar de salirse del estilo de la saga, “Dogma” tiene lugar en New Jersey, y como no podía ser de otra manera, Jay & Silent Bob tienen un papel, y encima bastante importante (ni más ni menos que de profetas), con lo cual queda incluída en la saga de todas maneras. Aunque la peli ya no gira tanto entorno a las “frikadas” (haberlas haylas), “Dogma” es responsable de la creación del “Jesucristo Colega” o “Buddy Jesus” (parte de la campaña de “Catolicismo Guai”), esa imagen de un Jesucristo sonriente y mostrando su pulgar hacia arriba en plan “cool”, que ha traspasado la pequeña pantalla, y seguro que muchos ni siquiera saben de donde ha salido ese “Cristo Guai”. Por cierto, también sale Dios en la peli…

La última entrega, y que iba a cerrar la saga (casi) definitivamente, fue la ya mencionada “Jay & Silent Bob Strike Back”, y este título tan Star Wars ya es toda una declaración de intenciones. La historia empieza con los comiqueros de “Persiguiendo a Amy” vendiendo los derechos de los personajes Bluntman & Chronic a unos estudios de Hollywood que quieren realizar la película. A Jay & Bob no les sienta nada bien, quieren su parte de pastel, y si no la tienen, van a sabotear la película. Así pues, estamos ante una “road movie”, algo chorra en muchos aspectos, pero que es una simple excusa para recuperar a todos los personajes de la saga, y encima, sacar a un montón de colegas de Smith, incluyendo al protagonista de “American Pie” o al mismo Dawson de “Dawson crece”. Y eso no es todo, también aparecen Gus Van Sant, dirigiendo una supuesta segunda parte de “El Indomable Will Hunting”, en la que aparecen de nuevo Matt Damon y Ben Affleck interpretándose a si mismos. Pero el cameo más importante está relacionado con el título de la película, ya que aparecen los mismísimos hermanos Skywalker, Mark Hamill y Carrie Fisher, es decir, Luke y Leia, él haciendo de malo en la película dentro de la película, y ella haciendo de monja que tiene un encontronazo con Jay & Silent Bob. Como decíamos, no es que sea una gran película, es simplemente un fin de fiesta que cualquier fan de la saga podrá disfrutar.

El cierre de la Saga de New Jersey no fue en absoluto el fin de las películas de Kevin Smith, le seguirían la lacrimógena “Jersey Girl”, una secuela de Clerks que evidentemente no estuvo a la altura, y “Zack & Miri make a porno”… Pero lo cierto es que lo dejaremos aquí porque, ya que a partir de este punto lo más interesante de Kevin Smith dejaron de ser sus películas, que empezó a compaginar con una vida “friki” muy activa. Aquí empezó, por ejemplo, a cumplir uno de los grande sueños de cualquier friki, guionizar los cómics de algunos de sus personajes preferidos. Así pues, pudimos verle encargándose de algunas historias para Green Arrow, Daredevil, (incluso hizo un cameo en la infumable versión cinematográfica), Spiderman, la Gata Negra, Batman…

Pero no sólo se publicaron sus cómics de DC y Marvel, sino que aún consiguió algo mejor, publicar sus propios cómics, basados en los personajes de sus películas y que venían a completar las historias contadas en las películas. Por ejemplo, tenemos un ejemplar de “Clerks: The Lost Scene” en el que se nos cuenta lo que pasó en una escena que nunca llegó a rodarse en la película, aunque sí vemos el antes y el después.

O tenemos también “Persiguiendo a Dogma”, en el que se nos cuenta lo que pasó entre “Persiguiendo a Amy” y “Dogma”, algo que nunca llegamos a ver.

Aparte, tenemos también el auténtico cómic de “Bluntman & Chronic”…

E incluso algunas aventuras de Dante y Randy, los motivados trabajadores del Quick Stop (en la edición española se incluye “The Lost Scene”).

Quizás toda esta actividad sería suficiente para cumplir los sueños de cualquier nerd, pero Kevin Smith aún tuvo tiempo para escribir un libro, o diario, sobre su “aburridísima” vida (My boring ass-life) y que aún no hemos leído, y montar su propia tienda de cómics (física y virtual).

¿Queréis más? Estuvo a punto de guionizar la última película de Superman, y aunque no lo cnsiguió, eso le llevó a enfrentarse al mismísimo Tim Burton, y a conocer a algunos superproductores de Hollywood excéntricos obsesionados con las arañas gigantes. Anécdotas que fueron recogidas en una serie de charlas que Smith dio en algunas universidades americanas, y que os recomendamos ver en su totalidad un día de estos. Por ahora os dejamos con un fragmento más que interesante, en el que veremos como se montan las cosas en Hollywood, y entenderemos muchas cosas…:

Pero aún hay más, porque llegó a hacer una serie de animación basada en Clerks, lo cual también le llevó a hacer muñequitos de los personajes. Es decir, tenía su propio muñequito de Silent Bob, ¡increíble! Aquí tenéis, en su versión animada, la “lost scene” que apareció en cómic…

Seguramente podríamos seguir con más historias que han convertido la vida de Kevin Smith en una auténtico camino lleno de Todo Lo Que Mola, y es por eso que se merecía aparecer en la Arcadia, por eso… y bueno, porque nos encantan todas estas películas.

30
Jun
10

Detroit Metal City: manga, anime y película

por El Capitán 50 Comentarios
Categorías: Anime, Cine, Crítica, Manga y vídeos
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Saludos cosmonautas,

aunque no es la primera vez que aparece mencionada esta obra en la Arcadia, parece mentira que hasta hoy no dispongamos de una reseña en condiciones. Pero lo bueno de todo esto es que al final lo haremos con una triple reseña del manga original, el anime que le siguió, y también la película que acabó de popularizar uno de los cómics más gamberros que han aparecido recientemente en Japón: Detroit Metal City de Kiminori Wakasugi.

Seguramente no estamos descubriendo nada nuevo a nadie (nos consta que es uno de los manga de Planeta que se resiste a la cancelación), y aunque tampoco es habitual que hagamos reseñas de obras novedosas, creemos que la obra encaja perfectamente en la Arcadia, tanto por ser #TLQM, como por su temática centrada en el Metal. Pero vamos al grano, que hay mucho que comentar.

Detroit Metal City tiene como protagonista a Negishi, un paleto de pueblo cuyo sueño es convertirse en una estrella del Pop más dulzón y afrancesado, o también conocido  en algunos círculos como tonti-pop. Con su guitarra y una maleta cargada de sueños y jerseis de colores pastel, Negishi deja Oita para ponerse a vivir en la gran capital, Tokyo. Pero sin que el lector lo sepa, el destino que encontrará Negishi en Tokyo no es el de liderar una banda de Pop, sino convertirse en Krauser II, el diabólico líder de una banda de Death Metal llamada DMC o Detroit Metal City. Con letras que hablan de violencia, torturas, parricidios y violaciones, Krauser II se gana fama de demonio, y sus fans más acerrimos aseguran que lo es (y le adoran de una manera ciega e incondicional). Pero debajo de esa capa de maquillaje y actitudes violentas, el tonti-pop de Negishi sigue ahí, soñando con dejar DMC y finalmente triunfar con sus canciones de amor.

Se podría decir que DMC es una especie de Dr. Jekyll y Mr. Hyde del mundo de la música, ya que las historias tratan sobre los brutales cambios de actitud del protagonista, y su lucha interior entre sus sueños verdaderos y el éxito de DMC. Pero ojo, porque esto no es en absoluto un manga de terror, sino una descojonante comedia de situaciones, en la que básicamente veremos sufrir a Negishi por esa doble vida que lleva, y que intenta ocultar a toda cosa a la chica de sus sueños e incluso a su familia. Como es lógico, esto llevará a multitud de episodios de líos y confusiones, que normalmente acabarán con Negishi mostrando su lado más destroyer-heavy-metal y cometiendo alguna barbaridad. Pero en el manga no sólo está Krauser II, empezando por los miembros de la banda y su mánager, hay un buen número de personajes secundarios que realmente hacen más grande la historia. Y cabe decir que el papel de los fans de la banda es de lo mejorcito.

Así pues, DMC no es que tenga una gran trama elaborada que avanza tomo a tomo (aunque sí hay cierta línea argumental), sino que lo más importante es la carcajada, y de eso lo hay a raudales. Nos gusta especialmente el uso que hace el autor de los pequeños comentarios, que le dan ese puntillo tan típico de los manga humorísticos, y que casi siempre son más graciosos que el “chiste principal”. Pero esta falta de argumento también tiene sus contras, y es que al igual que pasa con una sit-com, al final todos los episodios tienen una misma estructura, y se repiten una y otra vez algunos gags. De todas formas, no es exagerado, y nosotros aún no nos hemos cansado de Krauser II y DMC después de los seis tomos que ha publicado Planeta hasta el momento.

Por nuestra parte, algo que realmente nos ha gustado de Detroit Metal City, aparte de lo más obvio, es precisamente el nivel de conocimiento que parece tener el autor tanto del Metal como de la escena Indie Pop. Cualquier podría pensar que DMC es una simple ridiculización del mundo del Metal, ya que lo exagera hasta niveles exagerados, pero teniendo en cuenta las situaciones y bandas que suele mostrar (incluso hay un homenaje al Black Metal noruego), es fácil pensar que el propio autor es un metalero, o que al menos se ha documentado muy bien. Pero ojo, que nadie se crea que el autor sólo se mofa del Metal, ya que el tonti-pop también se lleva su parte. Aquí nadie se salva de la ridiculización, y para nosotros, esto es una muestra de las sanas intenciones del mangaka, de reírse de dos mundos opuestos, aunque en el fondo les esté haciendo un homenaje.

El éxito del manga hizo que Detroit Metal City fuese adaptado al anime, y se hizo respetando muchísimo el estilo de dibujo y todo el espíritu DMC, tanto que si ya has leído el manga, no te van a contar nada nuevo (aunque un servidor se ríe igual). Nos parece también acertado que el dibujo no haya buscado un estilo algo más comercial tratándose de un producto televisivo, y hasta cierto punto nos ha recordad a unos dibujos, ya veteranos, que también tenían que ver con el Metal. Estamos hablando de “Beavis & Butt-head”, esos dos headbangers tontos del culo, que comentaban videos en la MTV a principios de los noventa. Es un estilo no muy virtuoso de dibujo, y la animación es también muy simple, pero eso permite que se recree mucho mejor la atmósfera del manga.

Lo que tiene de muy interesante el anime es que finalmente pudimos escuchar como supuestamente sonaban las canciones de DMC. No tenemos ni idea de si el autor tuvo algo que ver en la composición, o si dio el visto bueno al resultado final, pero a pesar de que nos gusta bastante “Satsugai” (el hit de DMC), no nos encaja mucho con el Death Metal que en teoría tocan ellos en el manga. ¿Hay gritos guturales? Sí. ¿Hay blast-beats atronadores? También. Pero los temas, aunque sean durillos, les falta bastante para llegar a etiquetarlos como Death Metal.

Por último, hace ya un par de años, le llegaba el turno al live-action de Detroit Metal City, una película en la que veríamos en carne y hueso la encarnación del diablo en la tierra llamada Krauser II. La película cubre más o menos hasta el 4º o 5º tomo de la serie, cogiendo algunos de los gags más míticos (aunque con alguna ausencia importante), y nos lleva hasta uno de los momentos más cruciales de la carrera de DMC, cuando Jack Ill Dark les pasa el testigo como nuevos reyes del Metal.

Casi no hace falta ni decir que la película es algo más bajadita de tono en algunos aspectos, hay menos violencia, y se echa en falta al “cerdo capitalista” (la mascota sadomasoquista de DMC), pero como decíamos, cumple bastante en cuanto a seguir las tramas con rigor. Pero si bien el anime nos pareció muy acertado en la adaptación, parece que a la película le falta algo, seguramente ese punto más gamberro de la obra original. Aquí nos encontraremos con una película de humor bastante suavecita, con un buen papel del protagonista, aunque quizás demasiado exagerado en algunos aspectos respecto al personaje de Negishi (parece más un idiota amanerado que el sosainas del manga). Aunque debemos reconocer que nos cuesta ser objetivos con la película, ya que al conocer tan bien la historia, cuesta que nos metamos dentro. Así que si alguien la ha visto antes del anime o el manga, quizás pueda tener una opinión algo más equilibrada que la nuestra.

De todos modos, la seguimos recomendando a cualquier fan de la serie, y creemos que el final, aunque típicamente épico, tiene su gancho. Especialmente porque hay una aparición estelar, nada más y nada menos que el mismísimo Gene Simmons de KISS, que se encarga de dar vida a Jack Ill Dark. Todo un lujazo para la película, que ya merece ser vista sólo por este cameo y la batalla final en el escenario. (Y para los que no se hayan dado cuenta aún, KISS tiene una canción llamada “DMC”, aunque en realidad significa “Detroit Rock City”, en lugar de “Metal”).

Lógicamente, esta obra ha generado varios discos que se pueden encontrar en tiendas y por la red. Antes de la película, por ejemplo, apareció una especie de tributo en el que varias bandas de renombre interpretaban canciones al estilo DMC, entre ellas MUCC, Kahimi Karie (la musa de Negishi), Tommy February 6 o Electric Eel Shock. Después de la película apareció también lo que podría ser el “disco oficial” de DMC, en el que varios músicos interpretaban las canciones de DMC, e incluso se pueden encontrar las canciones de otras de las bandas aparecidas en la serie, como la mítica “Fuckingham Palace” de  Jack Ill Dark.

La canción pastelera de Soichi Negishi, “Amai Koibito”, aunque interpretada por otro de los actores de la película, el músico Hideki Kaji (¡el “Soichi real”?).

01
Jun
10

Eatrip, documental gastronómico nipón (BAFF2010)

por El Capitán 19 Comentarios
Categorías: Cine, Crítica, Japón y vídeos
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Saludos cosmonautas,

hace pocas semanas, Urías y la Comandante fueron invitados por Comer Japonés y el BAFF (Barcelona Asian Film Festival) a la proyección del documental “Eatrip“, trabajo de Yuri Nomura, una reputada crítica gastronómica japonesa. “Eatrip”, tal y como indica su título, es un viaje a través de la vida en relación con la comida, que nos quiere mostrar como la vivimos, y cuan importante es para nosotros.

A diferencia de lo que muchos esperaban (nosotros incluídos), “Eatrip” no es un documental sobre cocina japonesa, y esto explica hasta cierto punto las decepciones… pero será mejor que dejemos el debate en manos de Roger Ortuño, Kazutoshi Komuta (chef del restaurante japonés Shibui), harriken,  Adrián Montiel y el propio Urías.

Muchas gracias a Roger y a la organización del BAFF 2010 por la invitación. ¡Y gracias también por los wasabi peas!

28
May
10

Cat Stevens y Harold and Maude

por El Capitán 17 Comentarios
Categorías: Cine, Crítica, Música y vídeos
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Saludos cosmonautas,

hoy tenemos una especie de post doble, ya que vamos a hablaros de dos cosas distintas, un músico y una película, pero que para nosotros están estrechamente ligadas.

Vamos a empezar por a película, “Harold and Maude“, que sin duda estaría en nuestro Top Ten de películas favoritas de todos los tiempos, y por muy “gafaspasta” que suene, es una película poco conocida y que con los años se haya convertida en una de esas pelis de culto para cuatro cinéfilos.

La película se estrenó en 1971, y su premisa llegó a ser tan escandalosa que según tenemos entendido, en el Reino Unido estuvo unos cuantos años censurada. ¿Qué escandaliza tanto? Seguramente la cantidad de suicidos que hay en el film así como las relaciones sexuales entre un jovencito de 19 años y una mujer de 79.

El film empieza con la historia de Harold, este chico rico de 19 años bastante excéntrico, que acostumbra a simular suicidos ante su madre para llamar su atención, especialmente cuando ésta le trae chicas a casa para que las conozca y empiece a forjar un futuro exitoso.  Pero aparte del suicidio, una de las grandes aficiones de Harold son los entierros, y no duda en tunear su coche para que parezca una vehículo de la funeraria, y en acudir a funerales por el simple placer de hacerlo (sin que conozca los difuntos). En uno de estos, acaba conociendo a Maude, la viejecita de 79 años que también es aficionada a los funerales. Y sí, aunque parezca mentira, surge un romance entre ellos dos.

“Harold & Maude” es una película muy especial, con un humor negro exagerado e hilarante en muchos momentos, y con un plantel de personajes secundarios cais tan carismático como sus protagonistas. Un film que no recomendaríamos a todo el mundo, y esto hace que aún tenga más valor para nosotros, ya que aquellos que puedan disfrutar de la película lo harán con creces.

¿Y qué relación tiene esto con el músico que decíamos al principio? No es que Cat Stevens tenga un papel en la película, al menos no de la forma convencional. Pero sí podemos decir que su música es un elemento más de “Harold & Maude”, sobrepasando el mero acompañamiento y ayudando a contar mejor la historia. De hecho, compuso dos canciones expresamente para la película (y no estamos hablando de composiciones clásicas precisamente).

Para nosotros, hasta que no vimos la película, Cat Stevens era una portada de un disco que teníamos en casa (concretamente la de su famoso “Tea for the Tillerman”). Grabado tenemos en la mente ese vinilo, apoyado junto a uno de los enormes bafles de madera, y cuyo dibujo nos llamaba la atención, aunque nunca nos atrevimos a ponerlo (preferíamos poner Queen, Led Zeppelin y otras lindezas Rock). Pero después de ver la película, la cosa cambió, y las canciones de Cat Stevens empezaron a hacerse un hueco en nuestra memoria musical.

Gracias a Spotify, finalmente hemos podido recuperar sus canciones (a saber por donde andan los vinilos), y se ha convertido a día de hoy, en uno de nuestros músicos de cabecera. Quizás esto sorprenda a los que nos consideran unos metaleros empedernidos, pero nunca nos hemos cerrado a ningún tipo de música (al menos de entrada). Pero sí, tenemos que reconocer que este cantautor no parece algo que nos pegue demasiado.

Brevemente podríamos resumir la carrera del compositor en tres etapas, marcadas también por dos incidentes casi mortales. En la primera (1966-1970), se dice que fue una especie de estrella del Pop adolescente, y que vivía intensamente la vida de excesos y fama.

De esa época tenemos canciones bastante enérgicas y con mucho acompañamiento, emulando un poco los musicales que solía escuchar desde el tejado de su casa, ya que vivía cerca del barrio de los teatros.

Pero en 1968, con apenas 19 años, Cat Stevens acabó ingresado en un hospital, al borde de la muerte, afectado por tuberculosis. Durante más el año y pico que pasó hasta recuperarse del todo, Cat Stevens meditó mucho sobre su forma de vivir la vida. Algo que irremediablemente iba a cambiar su música. Un ejemplo, “Trouble”, canción que compuso durante su estancia en el hospital (y que se utilizó precisamente para “Harold and Maude”).

Estamos hablando, además, de finales de los 60 y principios de lo 70, cuando el movimiento hippie era un auténtico boom, y cuando los cantautores salían de debajo las piedras. Cat Stevens fue seguramente uno de los mejores.

Father & Son (uno de sus hits – la calidad de sonido es pésima, pero al menos es el video original)

Podemos decir que esta época fue la que dejó la mayor parte de temas míticos de su carrera, y la que más éxitos le supuso, convirtiéndose en un artista global e indispensable para entender la música de la época… ¡y de dónde salía tanto hippie!

A pesar de haber sufrido ya una experiencia traumática y haber dado un giro vuelco en su vida, parece que la metamorfosis de Cat Stevens no era completa. Tuvo que sufrir una nueva experiencia cercana a la muerte para dar un último paso. Estuvo a punto de ahogarse mientras nadaba en el mar, pero en ese momento pidió ayuda a Diós, y le prometió servirle si le salvaba. Una providencial ola le ayudó a salir del agua, y eso elicitó su último gran cambio, su conversión al islam.

La nueva religión también supuso un nuevo cambio de identidad artística, y ahora se le conoce por el más que explícito nombre Yusuf Islam. Su carrera discográfica prácticamente acabó aquí, y se dedicó básicamente a labores humanitarias, conciertos benéficos, etc., y es algo que sigue haciendo en la actualidad. Aún así, bajo el nombre de Yusuf Islam ha sacado algunos discos con toques muy espirituales y cargadas de temas religiosos.

Si queréis saber más sobre su carrera y su conversión, aquí os dejamos este “Behind The Music” de VH1 (dura 36 minutos), ¡aprovechad mientras siga en YouTube!

Y hasta aquí este breve repaso a una de nuestras películas favoritas y a nuestro cantautor de cabecera, que un día se unieron para crear una de esas relaciones especiales que pocas veces se repiten (¿quizás con “Mrs. Robinson” en “El Graduado”?). Pero es que en realidad hay algo que tanto el artista como la película tienen en común, su defensa de la libertad de vivir la vida como a uno le apetezca. Y eso, cosmonautas, es sin duda #TLQM.

25
May
10

Día del Orgullo Friki en el NEXO TLQM: Densha Otoko

por El Capitán 68 Comentarios
Categorías: Cine, Crítica, Japón, Manga y TLQM
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Saludos cosmonautas ,

finalmente ha llegado el momento de celebrar el Día del Orgullo Friki en la Arcadia de Urías y el NEXO #TLQM (Todo Lo Que Mola). Como ya os anunciamos, hoy nos hemos coordinado con un montón de blogs para mostraros desde distintos puntos de vista y a través de múltiples facetas lo que es el fenómeno otaku. Desde residentes en Japón a gente que aún sueña con su primer viaje, ilustradores, futuros directores de cine, y sobretodo muchos aficionados al manga y al anime, todos juntos rindiendo homenaje a un concepto, a veces polémico, pero sin duda referente para todos nosotros.

Al final del post tenéis la lista completa de blogs que han participado de la iniciativa (aseguraros de visitarlos todos).

Ya que hoy dedicamos un post al mundo otaku, hemos creído que lo más apropiado era hablaros de una serie de TV que realmente consiguió cambiar la percepción que muchos japoneses tenían del fenómeno, y que seguramente hizo mucho por el orgullo del otaku japonés; se trata de “電車男 / Densha Otoko” (el hombre del tren).

En “Densha Otoko” nos cuentan una supuesta historia real en la que un otaku intenta hacerse con el corazón de una chica despampanante, mientras va superando así todos sus complejos y se convierte también en mejor persona. La historia empieza con este pobre chaval, otaku de pies a cabeza (o “akihabero” como dicen en la serie – “akibakei”), quien después de una tarde de compras frikis vuelve a casa con la famosa línea Chuo de Tokyo. Ahí se encuentra “un ángel”, una chica preciosa que le encandila de mala manera (y a la que le gusta leer Dan Brown en inglés). Pero de repente, un borracho irrumpe en el vagón y empieza a tomarla con el pasaje. A la chica le toca el premio gordo y el viejo borracho empieza a  toquetearla… y en un arrebato de rabia y sentido de la justicia otakeril, nuestro friki protagonista se levanta del asiento en una épica y gloriosa escena para decirle que la deje en paz. Ahí empieza una breve y ridícula pelea que acaba alertando las autoridades y terminan llevándose al borracho detenido.

El chico vuelve a su casa, sintiéndose un poco imbécil por el mal papel en su pelea, pero de todas formas se decide a contar su vivencia en un foro de Internet para “solteros amargados”. Y ahí empieza el fenómeno, alguna gente se interesa por su historia y le felicita por su valor, otros simplemente lo ven como un ejemplo más del “patetismo otaku“. Pero todo cambia cuando el protagonista recibe una juego de tazas de la marca Hermes de la chica del tren, en agradecimiento por su gesto. Siendo un regalo muy caro, y teniendo en cuenta lo importante que es el valor de un obsequio para los japoneses, la red se revoluciona, y todo el mundo empieza a fantasear con la posibilidad de que el otaku protagonista inicie un romance con la chica en cuestión, bautizada como “Hermes” a partir de entonces. Ahí empezará todo un proceso para convertir al akibahero en un hombre hecho y derecho que sea capaz de nquistar el corazón de Hermes, siempre con la ayuda, los consejos y el apoyo de los foreros del hilo de solteros amargados.

Esta ha sido una de las primeras series de TV japonesas que llegamos a ver de cabo a rabo (ayuda mucho que hagan sólo 12 episodios y terminen – gracias por hacer las series así), y aunque es cierto que el protagonista es a veces demasiado exagerado, que la cantidad de azúcar le daría un subidón mortal  a cualquier diabético, lo cierto es que disfrutamos mucho con “Densha Otoko”, incluso llegamos a encariñarnos con los carismáticos personajes. En realidad es una serie muy dinámica, con muchas cosas pasando al mismo tiempo, muchos personajes, y mucho, mucho humor. Si encima todo ello está rodeado del mundo anime, manga, etc., creemos que es un producto muy #TLQM (todo lo que mola) en varios aspectos . Y casi os podemos garantizar que os engancharéis con el primer episodio y querréis saber lo que pasará en el siguiente, por muy obvio que parezca todo (hemos podido comprobar el fenómeno con estudiantes de japonés, y también con frikis, otakus y no otakus – el 80% se han enganchado).

Pero hablar sólo de la serie sería quedarse algo corto, y es que en realidad deberíamos hablar de lo que fue “el fenómeno Densha Otoko“. Como apuntábamos antes, se supone que la historia está basada en hechos reales, y dicen que realmente existió un hilo en el famoso foro japonés 2chan contando toda la historia al tiempo que ocurría. Es decir, Densha Otoko y Hermes son personajes que en principio existen. Nosotros conseguimos hacernos con el libro que supuestamente reune todas las conversaciones del foro (creemos que se ha traducido al inglés recientemente) y que fue un auténtico best-seller en el momento de la publicación a pesar de su curioso formato literario (en dos meses consiguió vender medio millón de copias).

Aquí tenéis las fotos del libro, no fue nada caro, y aunque poco podemos leer, sigue siendo interesante ver algunas cosas que reconocerán a la primera los que han visto la serie.

Aquí tenemos el arte ASCII que le puso nombre al otaku en cuestión.

Los Hanshin Tigers (que no “henshin”), y otros dibujitos.

El libro dio el pistoletazo de salida y lo primero que se hizo fue llevar la historia a los cines. En marzo de 2005 se estrenaba la película ” Densha Otoko” (The Train Man) y consiguió mantenerse varias semanas entre el TOP10 de películas más vistas. El estilo de esta película es muy distinto al de la serie de TV, mucho más sobrio y pausado (parece una película europea en ocasiones), y sus personajes y situaciones no llegan a ser tan exageradas (aunque alguna que otra ida de olla veremos). Lo bueno que también tiene es como llegan a explicar e integrar el arte ASCII en la película (haciéndolo más comprensible a los neófitos).

No son ni de lejos las tazas de Hermes, es nuestro pack de la edición especial de Hong Kong de la película.

El protagonista de la película hizo un brev cameo en el dorama, siendo él quien acaba apresando al borracho del tren, dejando que el otaku soltara a modo de guiño la frase “que mal he quedado yo y que bien ha quedado él”. A pesar del gesto humilde, lo cierto es que fue la serie de TV la que acabó “partiendo la pana”, su éxito tremendo lo acompañaron también 6 premios de la Academia de las Series de Televisión Japonesa (mejores actor y actriz – aunque no para Hermes, mejor director, mejor opening, y finalmente mejor dorama). Aparte de todos sus adaptaciones audiovisuales, cabe mencionar que “Densha Otoko” tuvo también adaptaciones teatrales y hasta cuatro versiones distintas en manga (algunos posts del NEXO os hablarán de ello).

Hay muchos homenajes al mundo otaku a lo largo de la serie. En realidad fue aquí donde nosotros conocimos el personaje de Keroro (aún no se había editado aquí), ya que el personaje principal siempre llevaba camisetas o colgantes para el móvil de nuestro sargento raneril preferido (que a su vez es un personaje muy apreciado por lo otakus fans de Gundam por sus múltiples homenajes a la serie que, según algunos, dio origen al término “otaku” aplicado a los “frikis”.

Por otro lado, el opening que se llevó el premio es un homenaje muy #TLQM, ya que imitaba una secuencia que realizaron unos primerizos estudios Gainax para una convención de ciencia ficción (¡más friki imposible!)

Opening “Densha Otoko”

Openings “Daicon III & IV” (¡intentad reconocer todos los personajes que aparecen!)

¿Pero por qué hemos escogido “Densha Otoko” en este post dedicado al otaku? Aparte de ser una de nuestras series favoritas de TV, pensamos que el impacto que tuvo esta serie en la imagen que tiene el japonés medio del fenómeno otaku fue realmente importante. Creemos que la enorme popularidad de la historia hizo que el interés por esta subcultura se convirtiera en algo que empezaba a vender de verdad, y prueba de ello es que en las televisiones empezaron a dedicar buenos ratos a hablar de ello. Este redescubrimiento del fenómeno otaku hizo también que se suavizaran las connotaciones negativas que siempre se habían asociado en Japón a los susodichos otakus, pero también que Akihabara se convirtiera de repente en un sitio interés para aquellos que antes ni siquiera se atrevían a pisar el barrio. ¿Tuvo algo que ver también con el boom de los Maid Cafe? Nosotros creemos que en parte algo hizo.

Y no somos sólo nosotros los que pensamos que el fenónemo Densha Otoko tuvo un impacto en Akihabara, los mismos creadores de la serie reflejaron esa nueva situación con un episodio especial de la serie, meses después de que terminara. En esta episodio de hora y media de duración, se mostraba como al hacerse pública la historia la gente “normal” empezaba a invadir Akiba y las televisiones iban a la caza y captura de los otakus. Éstos se vieron relegados entonces a trasladar sus actividades al subsuelo, para poder seguir con sus vidas anónimas y de reclusión. Lo cierto es que el episodio es completamente infumable, sólo apto para auténticos fanáticos, pero esos primeros momentos son impagables.

Aquí son las propias AKB48 las que persiguen a los otakus y no al revés.

Y próximamente os hablaremos de Akihabara@Deep, otra serie dedicada a los otakus de Akiba con constantes homenajes #TLQM. Seguramente mucho menos famosa que Densha Otoko pero… ¿qué pensarán ellos de esta historia?

Ahora ya sabéis que tenéis un montón más de blogs a los que acudir para seguir celebrando el Día del Orgullo Friki, ¡no os dejéis ni uno de ellos, todos se lo han currado!:

La Arcadia de Urías (si no queréis poner toda la lista, linkad aquí).

Aqualung – Una pequeña tira cómica: Yo no soy Friki

Compañía Perfecta – Dia del Orgullo Friki, especial OTAKU

CristoMC – Recomendaciones de Otaku a Otaku

Dekabase Command Room – Orgullo y #TLQM

Dos mineros en Japón – La meca otaku

Genjutsu – Evangelion

Gocha Gocha – 25 de maig, el dia #TLQM

Helios Hyperion – Día del Orgullo Friki

Hoy les presentamos… – manga Otaku un love (A.K.A Densha Otoko)

Ikusuki – Picopalable’s Day

Josecrem – Japón 2006

julencin2000 – Mi comienzo del viaje

MangaLand – Un geek en Shin Chan

Megapéutico – El blog de un cineasta moderno

Nere y Lorco se van… – Cuando ser friki se decía ser rarito

No Twitter – El Día del Orgullo Friki

El Pachinko – Joe Hisaishi meets Miyazaki & educando a Teo en el #TLQM

Paella de Kimchi – Pulgasari y Kim Jong Il

pepinismo – Moshi-Dora もしドラ

Pro Shoujo Spain – Berubara Kids

Quicoto Blog – Todo lo que mola de Japón

Sopa de Quarks – El otaku en la sociedad desde un punto de vista personal

Soy Friki

UnGatoNipón – Cuando ser otaku era difícil y Kimagure Orange Road

VITIMan – Genshiken una aspiración TLQM

Zon7blog – El día que nació mi yo con bigote (Mario)

¡Muchísimas gracias a todos los blogueros por unirse a la inciativa, por su entusiasmo y dedicación, y por convertir esto en un éxito de participación!

30
Abr
10

Sinde y Punset, o como dar un “¡zas, en toda la boca!”

por El Capitán 29 Comentarios
Categorías: Cine, Música y Reflexiones
Tags: , , ,

Saludos cosmonautas,

YouTube nos ha jugado una mala pasada hoy, no dejando que pudiésemos ofreceros una nueva entrega de la Entrevista Pirata, pero no por ello vamos a dejar de agasajaros en el día de hoy. Además, esto nos sirve de excusa para hacer un post regulero, que servirá de antesala a uno mucho más elaborado que hace tiempo estamos cocinando, sobre el tan cacareado tema de la industria musical, la SGAE, y demás calaña retrógrada y acomodada.

A modo de introducción, nada mejor que un breve video de la apertura del Foro de las Industrias. La “popular” Ministra de Cultura que ha conseguido que se bautice una ley con su nombre, y cuando pasa eso normalmente no es para bien, hace un pequeño discurso de apertura con unas reflexiones caducas e incluso demagógicas. Lo que seguramente no se esperaba la Ministra, o quien fuera que invitó al célebre Eduard Punset a la inauguración, es que le saldría el tiro por la culata, y que este divulgador del conocimiento le daría un bonito tirón de orejas a la Ministra.

Por cierto, un servidor, aunque parezca mentira, es socio de la SGAE. Aunque hace tiempo que quiero darme de baja… pero quiero hacerlo BIEN, ¿alguna idea? :D

29
Dic
09

Japonofilia: Como empezó todo

por El Capitán 51 Comentarios
Categorías: Anime, Cine, Cómics, Japón, Manga y Viajes
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Saludos cosmonautas,

lo cierto es que no teníamos pensado postear esta semana (aparte de la bromita de ayer), y de hecho será difícil que lo hagamos en las próximas entre la fiesta de fin de año y una expedición a tierras alicantinas que nos hace mucha ilusión (por múltiples motivos que tarde o tempranos serán revelados). Pero el amigo Jockey, del blog Genjutsu “Ilusiones diarias”, nos ha lanzado una especie de meme que nos hacía gracia contestar, sobretodo porque estamos época de recapitulaciones, valoraciones, recuerdos, etc., y por lo tanto es un buen momento para echar una mirada atrás y ver lo que nos ha llevado “hasta aquí”, es decir, a est “japonofilia” blogger que muchos compartimos en lo que Jockey ha llamado la “japonosfera” y por aquí hemos llamado el Nexo Japón.

Es difícil empezar por algo concreto, creo que esto es algo que se venía forjando poco a poco, incluso antes de darme cuenta de que lo que estaba alimentando mi infancia eran en buena parte manifestaciones culturales japonesas. Como muchos otros podría hablar de “Dragon Ball”, y antes incluso de “Dr. Slump”, o también “Ranma 1/2″, pero es que ya antes había alucinado con “Comando G” y “Ulysses 31” (a pesar de los pocos recuerdos que tengo, pero ahí están entre algunos surcos de mi corteza cerebral), también con la “Pequeña Polon“, “Heidi” (en las reposiciones, que no soy tan viejo), y estoy seguro que hubo más anime pero que ahora mismo no puedo recordar. “Dragon Ball” fue un punto de inflexión,  de eso no hay duda, y el fenómeno de las fotocopias es un claro ejemplo del inicio de una vida de “frikismos”, pero no necesariamente el definitivo, ya que creo que la película de “Akira” fue lo que realmente me acabó marcando profundamente y lo que me llevó a interesarme por más cosas. En este sentido, creo que “Dragon Ball” tenía interés por si mismo, y no necesariamente llevaba a todo el mundo a interesarse por otras series (quizás “Fly” intentó explotar ese interés, pero no llegó a acercarse al impacto de “Dragon Ball”, y diría que ni siquiera al de Arale), pero “Akira” sí era algo diferente y espectacular (al menos en su momento), algo que habría las puertas a un tipo de animación distinta, más adulta, algo a lo que no estábamos acostumbrados. A pesar de ser aún un niño, Akira me estaba diciendo que los dibujos animados no tenían porque ser solo una cosa de niños. En ese momento fue providencial la aparición de un “noche de manga” en el Canal 33 (la segunda cadena de TV3) en la que un jovencito Óscar Valiente (ahora en Norma Editorial) presentaba algunos animes que luego un servidor se grababa en VHS. Ahí descubrí todo un mundo con animes como “Grey” (que si no recuerdo mal fue el primero), y también “Golgo13″ o “Royal Space Force“, la primera película de Gainax que se había vendido como la nueva “Akira” por su fantástica animación, pero creo que pocos deben recordarla a día de hoy. Lo que hizo ese programa fue empezar a generar esa sensación de “mundillo”, de  una”escena manganime”, y claro está, alimentaba el interés.

Paralelamente a esto, y no necesariamente interrelacionado en mi cabecita por entonces, estaba el tema de los videojuegos. Después de años jugando con el Spectrum y el MSX, llegaban de Japón unos aparatos que servían para jugar, y que suplicamos mi hermano y yo a nuestro padre que nos lo comprara unas navidades. Era la Master System II, al cabo de poco llegó la Megadrive (sí, al principio yo era de Sega, y no llegué hasta Nintendo al cabo de un buen tiempo con la Super Nintendo). Supongo que al empezar a interesarse uno por los videojuegos, la atención se dirigía irremediablemente a Japón, y las imágenes de juegos con caracteres japoneses que estaban por llegar, o incluso aquellos que no llegarían nunca, empezaban a fascinar.

Pero de la época de “Akira” y “Dragon Ball” habría que añadir otro paréntesis, el del cine de acción hongkonés. Manga Films se lanzó no solo a traer anime (y a calentar al personal con la saga de Urutsukidoji), si no también a sacar los VHS del mejor cine de acción que se ha hecho jamás, el de Hong Kong, sobretodo gracias a la unión del director John Woo y el actor Chow Yun Fat. Aunque por entonces quizás era demasiado pequeño para acceder fácilmente a todo ese material, y pocas fueron las películas que pude ver, sin duda me marcaron esas portadas, esos trailers, y todas esas coreografías imposibles. Lógicamente no estamos hablando de Japón en este caso, pero sí de un despertar del interés por todo lo asiático en general.

Pero lo que realmente se desarrolló fue el interés por el manga, poco a poco el cómic japonés se hacía un lugar en los quioscos. La verdad es que es incomparable la oferta que había entonces con la que hay ahora. Antes podías estar casi enterado de cualquier manga que se publicaba, pero ahora es algo inabarcable. Recuerdo también que en esa época apareció también la Shonen Magazine, la B’sLog de entonces, aunque con una selección de títulos bastante más potente que la “versión actual”, pero al cabo de un tiempo fracasó (como tantos otros títulos). Por entonces hubo dos obras que me engancharon de mala manera, todas ellas obras muy romanticonas, como son “Video Girl Ai” y “Kimagure Orange Road” (las hormonas de adolescente iban como locas por ese entonces – bah, en realidad siguen más o menos igual).  Pero también hubo otros que me marcaron como los primeros tomos de “Bastard!!” (con tantas referencias al Metal era imposible no pasárselo bien) o “El Puño de la Estrella del Norte”. En su momento ya lo contamos, pero lo cierto es que podemos citar “Gamma, el Hombre de Hierro” como uno de los manga que más hicieron para forjar esa atracción por Japón, al ser un manga que mostraba como ninguno de los que se había publicado hasta entonces lo que era la “vida real” de un japonés. Pero la serie se canceló. Y justamente en ese momento, en el mundo del cómic se daba un nuevo fenómeno. Los cómics americanos de toda la vida empezaron a recibir las influencias del manga, y una portada con una Pícara dibujada al estilo manga, en la Saga del Apocalípsis, me llevó de vuelta al mundo de Marvel Cómics, abandonando el manga durante un montón de años.

Después de dejar el manga y de dejar también de seguir las colecciones Marvel (principalmente por meterme de lleno en el mundo de la música, y por qué no decirlo, por echarme novia), ¿qué fue entonces lo que renovó mi interés por “lo japonés”? La cosa vino de manos del cine de terror, del cual me había convertido en un auténtico fanático. La revista Fangoria publicaba un artículo sobre “ringu (the ring)“, una sencilla película japonesa, pero que ponía los pelos de punta. Esa película fue el inicio de la llamada “New Wave Of Japanese Horror Movies“, una ola de pelis de terror novedosas y muy excitantes que pondría de moda el cine asiático en general (“Dark Water”, “Ju-on”, “Kairo”, “Audition”…). Y sí, eso hizo que mi interés volviese a girar alrededor de Japón de una forma más intensa, pero también podría decir que más madura. Ya no solo me interesaba ver películas, si no que sentía un interés general por su cultura, por sus costumbres…

…y para rematarlo todo, llegó la música.

Debía correr el año 2002 o 2003, y en la redacción de Hell Awaits Magazine, la publicación sobre Metal Extremo en la que escribía por entonces, corría un CD con unos curiosos vídeos. Una banda japonesa con unos vestidos espectaculares, con una puesta en escena brutal, y unos videos muy llamativos. ¿Qué era eso? No tenía ni idea, y además ni siquiera podía escucharlo, así que simplemente me quedé con esa imagen en la retina durante mucho tiempo. Un tiempo después leía la notícia de que Marty Friedman, exguitarrista de Megadeth (uno de mis grupos favoritos), se largaba a Japón para tocar con una popular cantante de Rock japonesa, una tal Aikawa Nanase. Mi interés por Japón hizo que investigara un poco más y empecé a escuchar a Aikawa Nanase a dosis regulares. Eso hizo que recordara que en su momento me había quedado prendado de un grupo japonés con unos espectaculares vestidos. Al haberme metido ya en Internet buscando a Aikawa Nanase, fue mucho más fácil dar finalmente con mi objetivo, así que al final los encontré, unos pavos que parecían mujeres llamados Malice Mizer, luego descubrí lo que era el Visual Kei, y ahí tiene otro frente abierto en lo japonés.

Supongo que en ese momento algo hizo click en mi cerebro, los cabos empezaron a atarse sin que me diera cuenta, y más tarde ya me pasaba el día leyendo blogs sobre Japón, óbviamente el de Kirai, también el de Ale, Flapy, Óskar… y al final, después de un par de viajes a Japón, después de ponerme a estudiar algo de japonés, y finalmente embarcarme en una segunda carrera universitaria de Estudios de Asia Oriental… nació la Arcadia, que sin ser un blog “sobre Japón”, es más que evidente de donde procede la mayor parte de la inspiración.

(Seguro que me he dejado un montón de detalles, así que espero vuestros comentarios, que ya me están ayudando a reconstruir mi historia.)

01
Nov
09

Las compras del XV Saló del Manga de Barcelona

por El Capitán 37 Comentarios
Categorías: Cine y Manga
Tags: , , , , , , , , , ,

Saludos cosmonautas,

Sabemos que muchos os estaréis preguntando qué ha pasado con Urías todo este tiempo, y tenemos muchas ganas de responder a ese misterio, pero parece que no tenemos aún una respuesta clara por su parte. Hoy ha vuelto a la Arcadia y ha confesado que se ha pasado todo el fin de semana en la decimoquinta edición del Saló del Manga de Barcelona preparando un reportaje que veremos muy pronto. A lo que no ha podido resistirse es a enseñarnos todo lo que ha comprado, que en realidad no es demasiado y tampoco muy original, pero nos ha dicho que ha estado bastante ocupado con otras cosas.

Por el momento no nos ha querido decir exactamente qué ha estado haciendo durante los días previos al salón, pero dice que tarde o temprano nos enteraremos. Por ahora, vamos a ver esas adquisiciones…

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Y aquí tenemos los manga que ha comprado Urías (sí, en el salón, aunque parezca mentira, también se pueden comprar manga). En esta caso han sido el número 2 y 3 de “Pluto” y también el 11 y el 12 de “20th Century Boys”, dos obras de Naoki Urasawa, autor al cual nos hemos enganchado recientemente. También podéis ver dos tomos de “Shin-chan”, el 1 y el 2, y aunque ya teníamos la edición de 1996 de Shin-chan, hemos querido agenciarnos la obra en su formato más propio del original, y también leer historias inéditas para nosotros. Después tenemos el número 5 de “Detroit Metal City”, esa locura de manga que consigue que nos partamos de risa. Y también el segundo númeor de “Ebichu, el hámster ama de casa”, una obra muy raruna, con un humor muy peculiar, muy guarro, muy bestial, y que tanto nos hace reír a carcajadas como dejarnos atónitos (por no entender de la misa la mitad). Finalmente, tenemos “Nijigahara Holograph”, un regalo de Ponent Món al comprar Ebichu y que ha resultado ser una gran sorpresa, nos hemos enganchado mucho con otro de esos mangas geniales que en España van a pasar totalmente desapercibidos.

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No solo de manga vive el hombre (y tampoco la mujer), y si ya tenemos cierta afición por coleccionar cómics en general, lo de los DVDs ya es una obsesión enfermiza. No pudimos resitirnos a comprar 4 DVD’s de Hong Kong Digital Classics por solo 10 euros, y además con pelis clásicas como son “The Young Master” de Jackie Chan o “Ultraforce” de Michelle Yeoh, y también “El Camino del Dragón” de Donnie Yen y “Crime Story” también de Jackie Chan, de las cuales hemos oído muchas cosas buenas. Además, también nos hemos hecho con un muy buen pack, a 16,95 euros, formado por “Crows II” de Miike Takashi y “Cure” de Kurosawa Kiyoshi. La primera es la segunda parte de la adaptación cinematográfica del manga, cuya primera parte vimos en Sitges el año pasado y nos encantó la energía y lo cool de la propuesta. Por otro lado, “Cure” del “otro maestro Kurosawa”, es ya un clásico de la nueva ola de cine de terror japonés.

EDIT: Con eso de ir tres días al salón nos olvidamos de mostraros algunas de las compras primerizas, que iremos actualizando en breve.

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Sí, finalmente ya podemos lucir una camiseta de X Japan, quién iba a decir que la acabaría comprando en Barcelona, después de haber buscado en Japón en tres ocasiones sin obtener resultados… esta camiseta forma parte de TODO LO QUE MOLA.

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Lo cierto es que la imagen habitual del Salón del Manga son los pasillos abarrotados de gente, el tener que desplazarse a través de la marea humana, e intentos infructuosos para llegar a ver bien un stand, así que hemos querido ser algo originales, y en lugar mostraros esa imagen típica del Saló, os mostramos el aspecto que tenía el domingo a primerísima hora, justo cuando abrían puertas, casi desértico, ideal para comprar.

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Pero a los pocos minutos, el salón empezaba a llenarse poco a poco de visitantes…

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¡Ponyo, coño!

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¡Y aquí un detalle de la camiseta que ha dado que hablar en el salón! ¡La camiseta de TODO LO QUE MOLA!

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Y aquí tenemos una foto que puede ser algo reveladora… ¿Estará Beus Senshi de los Kamen Sentai Bloggerman implicada en la misteriosa desaparición de Urías?

21
Oct
09

Sitges 2009: Symbol

por El Capitán 11 Comentarios
Categorías: Cine, Crítica y vídeos
Tags: ,

Saludos cosmonautas,

volvemos a la carga con una nueva reseña de las películas que pudimos ver en el festival de Sitges 2009. En esta ocasión, os hablaremos del nuevo trabajo del director/actor/cómico Matsumoto Hitoshi que ya nos fascinó con su anterior “Dai nipponjin”, un falso documental sobre un superhéroe al estilo kaiju en horas bajas (que quizás sea un poco lenta, puede, pero es tremendamente original, un kaiju eiga como no se ha visto jamás).

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Urías en el cine Prado, minutos antes de empezar la película, impaciente por que empiece. (Foto de @epi69blas)

Con este antecedente no nos lo pensamos ni un minuto cuando supimos que se estrenaría en Sitges 2009 su última película “Symbol”, y además partíamos con una premisa interesante, dos historias paralelas, la primera sobre un luchador de lucha libre mexicana a punto de entrar en combate, y la segunda, un sujeto con pijama hortera de colores que se despierta en una habitación vacía… o parcialmente vacía, y que empezará a vivir una experiencia muy surrealista… o quizás no tanto como parece.

Aunque por el argumento puede parecer que “Symbol” sea una paranoia alucinógena sin pies ni cabeza, lo cierto es que tiene un sentido, al menos nostros creemos haberlo encontrado en el campo de la psicología de la conducta, la evolución de la humanidad, las interconexiones… en fin, os lo dejamos para vosotros, porque tampoco es cuestión de chafaros nada. Pero tanto si se entiende el mensaje, como si no, la película se deja disfrutar en cada momento. Quizás por nuestra interpretación de la película podéis pensar que será un rollo infumable de cine artístico gafapasteril, pero nada más lejos de la realidad, y es que buena parte de la película se la pasa uno riendo, y muchas veces a carcajadas. Y es que uno de los talentos de este actor/director/cómico japonés está en hacernos reír, pero al mismo tiempo nos fascina con inverosímiles historias.

La película tiene mucho ritmo, las dos historias paralelas funcionan bien, y la película va creciendo a cada momento hasta llegar a un final que como se ha dicho, puede recordar al viaje de mil colorines de 2001: Odisea en el espacio. Además, es bien curioso empezar a ver una peli japonesa y ver que entiendes lo que dicen (claro, son mexicanos hablando español).

En cualquier caso, si tenéis la oportunidad de verla, no os lo penséis dos veces, el público de la sala en Sitges acabó aplaudiendo con ganas.

Al más puro estilo Publicidad Japón, os mostramos a Matsumoto en un anuncio con el ya mítico pijama.

13
Oct
09

Sitges 2009: “Carriers” (Infectados)

por El Capitán 21 Comentarios
Categorías: Cine, Crítica y vídeos
Tags: , ,

Una de las tradiciones sagradas de la Arcadia es acudir religiosamente al Festival de Cinema Fantástic de Catalunya, es decir, el festival de cine “del que mola” de Sitges. Es uno de los eventos frikis por excelencia del calendario anual, y donde miles de personas hacen su peregrinaje en las primeras semanas de octubre.

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Instrucciones de uso: cuando aparezca el Rey Kong en pantalla aplaudir y gritar.

Aunque este año nuestro paso por el festival ha sido menos productivo de lo habitual, hemos podido disfrutar de algunas cuantas películas que queremos compartir con vosotros a través de varios posts, empezamos con…

CARRIERS (Infectados)

Este año el festival está dedicado al 30 aniversario de la mítica “Alien en 8º pasajero”, pero cualquiera diría que sigue vigente el homenaje del año anterior al cine de zombies, y es que es increíble la cantidad de películas que se han estrenado del género. Aún así, a pesar de que el argumento de “Carriers” parezca la enésima película de zombies modernos (citando al gran Enjuto Mojamuto, “no son zombies, son infectados”), no aparece ningún cazacerebros, ni de los clásicos lentos y tontos a lo Romero, ni los Turbo-Zombies de Danny Boyle (“28 Días Después”). Así lo advertían estos dos hermanos catalanes, los hermanos Pastor, que presentaron este largometraje debut financiado por un gran estudio de Hollywood. La verdad es que había muchas ganas…

“Carriers” podría ser descrita como una “zombie road movie” pero sin zombies, ya que nos cuenta el viaje de 4 jóvenes en busca de un lugar seguro, en un mundo en el que una enfermedad muy contagiosa ha acabado con prácticamente toda la humanidad. Su forma de sobrevivir, unas reglas sencillas pero tajantes, que llevarán a los protagonistas a tomar decisiones difíciles.

El film empezaba de forma muy prometedora, con un planteamiento no necesariamente original pero llamativo e interesante al mismo tiempo, aquí el virus se comporta de una forma más “realista” y con precaución uno puede evitar contagiarse. En este sentido, es divertido y original ver como los protagonistas se colocan máscaras (al más puro estilo Gripe A) y botes de lejía en mano se dedican a limpiar los coches que necesitan y que han podido ser contaminados por algún infectado (y nosotros nos preguntamos, en las pelis clásicas de zombies, ¿nadie se ha planteado desinfectar las heridas de las mordeduras zombies para ver si así se curan y el sujeto afectado no se transforma en un vulgar como-cerebros?).

Pero los cartuchos de los hermanos Pastor se gastan a media película con la misma rapidez que tiene el hermano mayor protagonista al apretar el gatillo. Uno tiene la sensación con “Carriers” que, intentando no caer en algunos arcos argumentales tópicos del género, se ha dejado la historia sin explotar, sin exprimir como debería, y la tensión que se llega a vivir en algunos momentos del film se va desinflando hacia el final, cuando se supone debería vivirse todo de forma más dramática.

Así pues, podemos decir que “Carriers” ofrece lo prometido al principio, pero no consigue mantenernos pegados y sufriendo en la butaca hasta el final. Aún así, un buen debut para estos hermanos Pastor, que habrá que ver con qué nos sorprenden después, porque hay mucho camino por recorrer aún antes de llegar a esa playa idílica tan deseada.

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Puede que no sea la playa deseada de la película, pero a nosotros nos encanta verla cada año. (Foto de @epi69blas).

PD: Tenemos nueva cabecera para la Arcadia. ¿Qué os parece ésta? Tenemos una segunda opción que pondremos mañana. ¡Espero vuestros comentarios al respecto! ¡Gracias!

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