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31
ene
11

De cuando Son Goku se escribía Son Gokuh

Saludos cosmonautas,

la semana pasada os contábamos que a principios de los noventa era bastante difícil encontrar cualquier tipo de material de Dragon Ball, que no fueran fotocopias, o de manga en general. Algunos tuvieron la posibilidad de agenciarse revistas francesas como “Dorothée Magazine“, y otros más afortunados, incluso llegaron a poseer preciados tomos originales japoneses. Pero con el tiempo, tanto editoriales como aficionados descubrieron una verdad: cualquier cosa con Dragon Ball en la portada, vendía. Fuese una revista profesional o un fanzine modesto, si prometías material sobre Dragon Ball, tenías ventas aseguradas (acostumbrados a las fotocopias, es normal). Podríamos decir que fue así como empezó el llamado “boom” del manga en nuestro país, y también como se fraguó una “escena” (con fans y redactores que hoy en día dirigen el cotarro).

A lo largo de esta semana tenemos planeado hacer un repaso de revistas como NEKO, KABUKI, KAME, SHOGATSU… que conformaron una parte de este universo del fanzine o magazine profesional dedicado al manga, y que en buena parte fueron responsables de introducir a mucha gente en el mundo del manga, más allá de Dragon Ball. Lo haremos tratando distintos temas: empezaremos lógicamente por Dragon Ball, hablaremos de “los otros manga/anime” que nos presentaron, las polémicas de la revista Kabuki (que se llevaban fatal con medio fandom), de como se vivió el primer Salón del Manga, y también de los cómics “de estética manga” que realizaron autores de aquí en las páginas de algunas de estas revistas.

Como os decíamos antes, Dragon Ball suponía ventas aseguradas, y es increíble como en prácticamente cualquier número aparecía un artículo dedicado a la obra de Akira Toriyama. Evidentemente Son Goku ostenta el récord de portadas en este tipo de publicaciones, ya fuese por aparecer como imagen principal, o como un pequeño reclamo (de las 20 revistas que aún conservamos, aparece en 17 portadas). Y una de las que más supo/pudo explotar el tema fue la revista NEKO de Camaleón Ediciones.

La portada del adiós de Dragon Ball. Este número especial se tenía que leer al estilo japonés.

Para nosotros, NEKO fue siempre la revista de referencia en el panorama. Seguramente de las más longevas de la época, y la más profesional en todos los sentidos, tanto por su buena edición, como por los contenidos de una calidad que superaba la media fácilmente. Pero sí, hubo algunos que les criticaron por aprovechar siempre el tirón de Toriyama. De hecho, llegaron a publicar una entrevista a Akira Toriyama en más entregas que cualquiera de nuestras Entrevistas Pirata, e incluso, cuando parecía que el filón se agotaba después del final del manga, se dedicaron a repasar uno a uno los episodios de Dragon Ball GT.

¿Spoiler? ¿Qué es un spoiler? Por entonces no conocíamos esta palabra, y a nadie le preocupaba. Todas las revistas nos avanzaban las tramas de los manga y anime, especialmente de Dragon Ball, y por entonces nadie se quejaba. Aquí arriba podemos ver una página del número 10 de NEKO, donde nos mostraban la viñeta final de Dragon Ball, y la traducción del texto de despedida de Akira Toriyama.

Masakazu Katsura era de los otros grandes autores que vendían mucho por esa época, y merecía portada. Pero por supuesto no podía faltar “Son Gokuh” en un rincón, con las primeras imágenes de Dragon Ball GT (aunque aún no se conocía el título ni la naturaleza del proyecto, todo eran especulaciones).

Como os decíamos, cualquier excusa era buena para sacar Dragon Ball en la revista.  En este caso tenemos el número 19 de NEKO, con un repaso a los capítulos del 3 al 6 de Dragon Ball GT. Lo interesante aquí es el primer párrafo, en el que ya se habla de cuando la gente empezó a cansarse un poco de tanto Dragon Ball por todos lados. No deja de ser un fenómeno habitual lo de empezar a criticar lo que antes se alababa, y creemos que esto era señal de que la escena manga empezaba a crecer un poco más, y a diversificarse. Era el momento de que el alumno acabase con el maestro… ¡o algo así!

Pero NEKO no eran los únicos que aprovechaban el tirón Dragon Ball. La casi siempre polémica KABUKI (que publicaba Glénat), se hizo un hueco entre revistas profesionales y los fanzines a base de meterse con todo el mundo (aunque es algo que hablaremos en otro post). Y a pesar que eran los primeros en criticar tanta “dragonballmanía”, ellos también pecaron de ello a menudo.

Parece que el títular nos habla de “Legend of Mother Sarah”, que aparece en un rincón. Pero está claro quien domina la portada… ¡¡Esto sí es Dragon Ball!! Aquí nos hacían un extenso repaso de lo que había sido Dragon Ball desde sus inicios hasta el inicio de la saga de Bool, para acabar concluyendo con lo siguiente:

Creemos que Dragon Ball es el vivo ejemplo de lo que supone un autor normal y corriente con una idea genial, es decir, Toriyama tuvo una inspiración divina, y así nació el Dragon Ball original, siendo una auténtica revelación y convirtiéndose en leyenda, pero una vez acabó esa fabulosa ocurrencia Tori no tuvo nivel, categoría o simplemente imaginación para mantener el ritmo, bajando la serie en demasía y manteniéndose a costa de vivir de las rentas de su parte predecesora. Sin embargo, todo se aprende, y parece que Tori le ha cogido el truco a la cosa, pues ahora la serie está mejorando. Esperemos que siga así.” (Firmaba Lázaro Muñoz).

¿Se referían a esto los de NEKO? Quién sabe… Otros que también aprovechaban siempre el tirón fueron los de la revista KAME. En este caso, se trataba de una publicación “sin ánimo de lucro”, pero con una calidad muy por encima de la media fanzinera, y que a nosotros nos descubrió bastantes cosas interesantes (algo que también dejaremos para otro post).

¿Y que era lo más nuevo de Dragon Ball? Eso era lo que siempre ofrecían todas estas revistas y fanzines. Y en este número tres de KAME, lo que más nuevo era que prácticamente llegaban hasta el final del manga, justo en la derrota de Boo. En el artículo simplemente se dedicaban a destripar totalmente esa parte final del manga, detalle a detalle (aunque dejarían para el siguiente número el desenlace definitivo). ¿Qué os decíamos de los spoilers? ¡Y nosotros tan felices de saber antes que muchos otros lo que iba a pasar!

Por último, os dejamos con la portada del número 1 de SHOGATSU, una revista que nacía de las cenizas de otra llamada ANIMANGA. Os la ponemos como ejemplo de la regla básica para todo primer númeor de una revista de esta índole… ¡poner a Son Goku en portada!

¡Y hasta aquí nuestro breve repaso a la dragonballmanía vista desde las revistas!¡ Seguiremos la semana con más posts sobre otros temas tan o más interesantes de estas revistas!

 

27
ene
11

Dorothée: cuando aquí sólo teníamos fotocopias de Dragon Ball…

Saludos cosmonautas,

hoy vamos a hacer una pequeña incursión en el terreno de la arqueología manga, pero centrándonos en esa ya mítica (y mitificada) época del boom de Dragon Ball. Esos tiempos en los que Son Goku y compañía estaban arrasando por todos lados, y aún así, aquí teníamos que contentarnos con unas miserables (aunque ahora entrañables) fotocopias. Actualmente, con Internet y la facilidad con la que se viaja, parece que esto de conseguir un miserable manga original o un póster raquítico sea de lo más fácil del mundo, pero a principios de los noventa cualquier cosa, más allá de las fotocopias, era un tesoro.

Pero muy cerca teníamos a unos chavales que nos pasaban la mano por la cara, se nos meaban en la boca y nosotros aplaudíamos, los franceses. Ai, los franceses… En realidad, hoy en día siguen teniendo un mercado mucho más maduro, capaz de aceptar que se editen mangas antiguos como “Galaxy Express 999″ o “Cyborg 009″, mientras que plantearse editarlos aquí sería casi un suicidio. Pero en esa época, aún era peor. En 1990, en Francia había revistas dedicadas al manga, y Dragon Ball estaba en todas partes… ¡y a color! Nosotros, a calcar fotocopias.

Si uno tenía la suerte de viajar a Francia, podía aprovechar la oportunidad de conseguir algunos tesoros. Lo más fácil de conseguir era una revista infantil llamada “Dorothée Magazine“, que con sus portadas a todo color con imágenes de Dragon Ball, Ranma 1/2 o Los Caballeros del Zodiaco, suponía un choque tremendo para cualquiera salido del abismo que había tras los Pirineos. Estaba en francés, sí, pero había dibujitos de Dragon Ball y otros anime, ¡y sólo lo tenías tú! Era… mi tesoro. Dorothée era el nombre de la presentadora de algún programa infantil de la televisión francesa, donde seguramente se emitían todos los anime que por entonces llegaban a Europa: Dragon Ball, Ranma 1/2, Los Caballeros del Zodiaco, City Hunter (allí se llamaba Nicky Larson), y varias más. La revista, estaba formada principalmente por “fotonovelas” de los episodios de anime. Era de lo más cutre que podías encontrar, pero toda una novedad y un lujo para algunos. Aunque en la primera que compré en 1992 regalaban un manga de verdad de Dragon Ball, en el que aparecía Trunks por primera vez. Aún no sabíamos quien era y lógicamente fui incapaz de enterarme bien de donde había salido y que hacía allí. A estos foto-anime-manga les acompañaban varios artículos, casi siempre alguno sobre Dragon Ball, pero también otras secciones infantiles (animalitos y esas cosas) e incluso fotonovelas de algunas series francesas para adolescentes que se llegaron a ver en Catalunya.

La primera que compré data de 1992, arriba a la izquierda puede verse como anuncian el manga con Trunks. Los Caballeros del Zodiaco debajo, y a la izquierda, para los catalanes, un fotograma de “Tu de què vas?”.

Ranma 1/2 era otra de las estrellas habituales. Como podéis ver, también incluye juegos infantiles y hablan sobre personajes populares entre la juventud francesa. “¿Quién eres Jose?” ¡Un bujarrón noventero!

Aunque la conseguí más tarde, esta forma parte de un recopilatorio de 1990… ¡ojo si iban avanzados nuestros vecinos! Y no lo digo porque aparezcan los New Kids On The Block en portada, ¡impagable!

Aunque tuvieran mucha más información que nosotros, ahí también vendía cualquier cosa con imágenes de Dragon Ball. Aquí un número especial y bastante completa dedicado íntegramente a Dragon Ball Z. La tapa era dura y llevaba tres pósters, e incluía una especie de árbol genealógico con las relaciones de todos los personajes.

Los enemigos de “Sangoku” del más fuerte al más débil. Y atención a la confesión, no he visto ninguna de las pelis en las que sale el tal Broly (aunque había jugado con el personaje en videojuegos). ¿Y quién coño es Janemba?

Lo que decíamos, Dragon Ball estaba de moda, y ellos tenían mucho más merchandising que nosotros. ¡Estos chavales, lo petaban en el cole! ¡Mamá quiero ser tan guai como ellos!

Así eran los “cómics” que llevaban estas revistas de Dorothée, la verdad es que un poco de vergüenza ajena visto ahora. Pero al menos esto estaba en una revistilla cutre infantil, en España, Sailor Moon se editó así tal cual.

Yo me dormía viendo Los Caballeros del Zodiaco, y siempre me parecieron bastante nenazas… aunque sus armaduras eran chulas, ¡y sus figuras!

Otro de los anime/manga que publicaban era “Shurato”. No me suena absolutamente de nada. Pero esto de poner fichas de personajes estaba bien, y seguro que dió mucho material para fotocopias.

Una curiosidad. En algunos números te incluían estos extraños cómics con instrucciones, para que los plegaras y pudieras leerlos correctamente. ¡Menudas chorradas nos tragábamos de niños! ¡Pliégamelo tú, editor cabrón!

¿Queréis ver más? Tenemos más revistas aparte de Dorothée, y sólo haremos una segunda parte si lo pedís en los comentarios. Pero sirva este post de antesala a otro que estamos preparando con las primeras revistas y fanzines que se editaron en el Estado Español a raíz de la explosión del manga a principios de los noventa.

11
ene
11

La ¿mala? influencia del manga

Saludos cosmonautas,

no es nada nuevo que muchas de las expresiones de todo lo que mola han tenido detrás suyo una historia de persecución por parte de paladines de la moral, que blandieron sus espadas en defensa de los “pobres, indefensos e influenciables niños”, víctimas de los perjudiciales, e incluso satánicos, productos de entretenimiento que más nos gustan, es decir, desde los cómics al Heavy Metal, pasando por el cine de género.

La historia es la de siempre, dicen que sus contenidos son perjudiciales, una mala influencia, que nos van a llevar por el mal camino, etc. Si encima, aparece un chalado que, por casualidad era lector/fan/jugador de algún videojuego/cómic/película/músico al que se le tiene especial manía, entonces ya apaga y vámonos, porque ya tienen munición para años.

Aunque visto lo visto, tampoco necesitan muchas razones para empezar con sus campañas de demonización de todo lo que mola, como claro ejemplo, este predicador tan popular en YouTube, que se dedica a perseguir los “nintendos, los segas y los pokemón”:

No vamos a discutir en absoluto sobre lo perjudicial de nuestras aficiones, está totalmente fuera de lugar, especialmente aquí. Pero nos ha llamado la atención, por fin, un ejemplo de todo lo contrario. Es decir, un ejemplo de como un anime ha inspirado a mucha gente en Japón a “hacer el bien”. Al parecer, una o varias personas han utilizado el nombre de Naoto Date para hacer donaciones de juguetes y material escolar a distintos orfanatos de algunas prefecturas japonesas.

Resulta que este nombre corresponde al de un personaje de un manga de 1968 titulado “Tiger Mask” (de los autores Ikki Kajiwara y Naoki Tsuji), que trata sobre un luchador de “pressing catch” apodado “Tiger Mask”, quien siendo huérfano, donaba parte de su dinero ganado con la lucha libre al orfanato.

Alguien en Japón empezó a hacer estas donaciones bajo ese nombre, y después de que la noticia se conociera a través de la prensa, parece que le han salido muchos imitadores (¡y ojo que ha donado cosas muy #TLQM!). Esto nos ha recordado a cuando se empezaron a encontrar en servicios públicos japoneses sobres con grandes sumas de dinero, que al parecer algunas personas muy altruistas iban repartiendo por la geografía nipona. Parece que en Japón la moda del altruismo es algo que también se pega de vez en cuando. Pero la novedad, en el caso que nos ocupa, es esa inspiración en un manga. Que sirva de ejemplo para tantos energúmenos que creen que de todo lo que mola sólo pueden salir cosas malas. Aunque sabemos de sobras que, desgraciadamente, estos ejemplos de buenas obras venden mucho menos en las noticias que los casos contrarios.

Por cierto, el personaje Tiger Mask acabó convirtiéndose en un luchar de wrestling real:

Fuentes: Japan Probe

13
dic
10

Animetal: Metal y Anime juntos

Saludos cosmonautas,

últimamente hay mucha gente que nos pregunta sobre algunas canciones en concreto que hemos usado en nuestros vídeos, y es que parece que hemos perdido el hábito de ponerlo al final del vídeo. Es algo que tenemos que corregir. Pero da la casualidad que hay un grupo que se repite bastante en nuestros montajes y que muchos preguntáis por ellos. Está claro que lo que hacen estos señores es algo que os llama la atención, y ya tardábamos en hablaros de ellos.

Seguramente muchos de vosotros ya les conocéis, no son para nada un grupo desconocido, pero para aquellos que los descubren ahora… con todos ustedes… ANIMETAL.

Aunque a primera vista parecen un grupo de Visual Kei que aún no ha superado el rollo psicodélico-espacial de los años 70, lo cierto es que estos señores no tienen nada que ver con el movimiento que iniciaron los X Japan. Lo suyo es el Metal puro y duro. Pero su particularidad reside en las canciones que interpretan, y que son, ni más ni menos, que los openings y endings de multitud de animes famosos y también de algunas series tokusatsu.

Esto significa que tenemos versiones suyas de openings de clásicos como Mazinger Z, Devilman, Yamato, Capitán Harlock, Galaxy Express 999, Gundam, Dragon Ball, y un sinfin más de animes, aunque en general son aquellos que tienen ya cierto tiempo. Pero el tokusatsu también es otro de sus grandes temas, y ahí encontraremos los openings de casi cualquiera de los personajes de Shotaro Ishinomori (Kamen Rider, Robotto Keiji, Inazuman, Kikaider…), y también algunos openings de los Super Sentai o los Metal Heroes como Gavan.

El opening de Yamato al completo.

Pero los de Animetal no publican discos al uso, lo suyo es una fórmula que ellos llaman “maratón”, y que consiste en ir enganchado uno tras otro todos los temas que tocan. Ya que la mayoría son openings, y ellos tocan las versiones cortas, es fácil encontrarnos más de 40 canciones en un mismo álbum. Y sí, lo cierto es que a veces da un poco de rabia, ya que nos gustaría poder escuchar un tema entero, pero al menos nos están dando una cantidad de clásicos reinterpretados increíble. Han llegado a publicar 7 maratones, cada uno de ellos normalmente girando entorno a un tema en concreto. En el primero se atrevían con los clásicos del anime de los años 60 y 70, en el segundo con los personajes tokusatsu, en el tercero afinaban más y se iban a las producciones de Tsuburaya (Ultraman, etc.), y sigue y suma. Aparte de los maratones, obviamente han salido varios recopilatorios y álbumes en directo que repasan algunos de sus hits animetaleros.

La etapa más sorprendente de Animetal llegó con la inclusión de Mie en sus filas, la que había sido una de las integrantes de Pink Lady (un dúo de chicas poperas de los años 70), y que convirtió a Animetal en Animetal Lady. Como no podía ser de otra manera, en esta etapa la banda se dedicó a hacer versiones metaleras de openings de shojo y kodomo (es decir, manga para chicas y niños).

Aquí tenemos a las Pink Lady. No es raro que se mezclaran con Animetal, ¿verdad? Algún día tendremos que hacer un post sobre ellas.

Aunque la premisa de Animetal parezca una chorrada nostálgica, no hay que subestimar la banda. Estamos ante unos músicos que saben lo que se hacen, no son unos simples oportunistas, sino grandes músicos que se han propuesto homenajear el anime y el tokusatsu a su estilo, es decir, el Metal. Muestra de ello es también las mezclas que a veces suelen hacer de algunos de los openings con clásicos del Heavy Metal. Así pues, podemos escuchar algo de Led Zeppelin, Ozzy Osbourne, Judas Priest o incluso Kiss entre tanto anime y tokusatsu.

Parte del “maratón tokusatsu” en vivo y en directo.

De hecho, no son unos “mindundis”, su fundador Eizo Sakamoto formó parte de Anthem, uno de los grandes grupos de Heavy Metal japonés en los ochenta (también formó parte del JAM Project). Han contado entre sus filas con uno de los guitarristas de Galneryus, seguramente una de las bandas de japonesas de Heavy Metal más populares actualmente. Aparte, han contado con colaboraciones de otros ilustres como el batería de Loudness, Munetaka Higuchi, o el exguitarrista de Megadeth y que ha trabajado con Aikawa Nanase, el americano Marty Friedman.

Ya simplemente por su propuesta, el mezclar Metal con Anime y Tokusatsu les convierte en una banda #TLQM, pero teniendo en cuenta que encima lo hacen bien, entonces… ¡estos señores se merecen estar en lo más alto del pedestal de TODO LO QUE MOLA!

13
oct
10

Leiji Matsumoto ya sabe qué es TODO LO QUE MOLA

Saludos cosmonautas,

hace pocos días nos llegaba vía Twitter una grandísima notícia de manos de Marc Bernabé (sobran las presentaciones), y es que nos confirmaba que había cumplido una misión muy importante que desde la Arcadia le habíamos encomendado unos días antes. Aprovechando que Marc iba a volver a Japón una vez más para continuar con el ambicioso proyecto de Masters of Manga, se nos ocurrió acercarnos a su casa con un paquete en la mano, dispuestos a hacerlo volar hasta las manos de alguien a quien respetamos profundamente, y que ha sido la mayor inspiración en la creación de la Arcadia. Pero vamos al lío…

¡Sí señor! Al igual que la semana pasada, seguimos flotando en las nubes. Leiji Matsumoto, el grandísimo creador de obras como Galaxy Express 999 o el Capitán Harlock (obras que han dado nombre e imagen a este blog) ya sabe qué es TODO LO QUE MOLA, y tiene una de nuestras flamantes camisetas. Sólo nos queda agradecerle una vez más a Marc Bernabé todo su atrevimiento, y también a Matsumoto-sensei por su paciencia, ありがとう!!!

(Recordad que podéis seguir la evolución del proyecto de Marc Bernabé en el blog de Masters of Manga.)

Leiji Matsumoto, 100% #TLQM

¿Nos votarías en los Premios Bitácoras 2010 como mejor videoblog? ¡Puedes hacerlo con tu cuenta de Facebook o Twitter! Si tenéis dudas de como votar, podéis leer unas sencillas instrucciones en comerjapones.

 

(¿habéis visto el video en que el Profesor Hurías y Urías os piden el voto… juntos?)

30
jun
10

Detroit Metal City: manga, anime y película

Saludos cosmonautas,

aunque no es la primera vez que aparece mencionada esta obra en la Arcadia, parece mentira que hasta hoy no dispongamos de una reseña en condiciones. Pero lo bueno de todo esto es que al final lo haremos con una triple reseña del manga original, el anime que le siguió, y también la película que acabó de popularizar uno de los cómics más gamberros que han aparecido recientemente en Japón: Detroit Metal City de Kiminori Wakasugi.

Seguramente no estamos descubriendo nada nuevo a nadie (nos consta que es uno de los manga de Planeta que se resiste a la cancelación), y aunque tampoco es habitual que hagamos reseñas de obras novedosas, creemos que la obra encaja perfectamente en la Arcadia, tanto por ser #TLQM, como por su temática centrada en el Metal. Pero vamos al grano, que hay mucho que comentar.

Detroit Metal City tiene como protagonista a Negishi, un paleto de pueblo cuyo sueño es convertirse en una estrella del Pop más dulzón y afrancesado, o también conocido  en algunos círculos como tonti-pop. Con su guitarra y una maleta cargada de sueños y jerseis de colores pastel, Negishi deja Oita para ponerse a vivir en la gran capital, Tokyo. Pero sin que el lector lo sepa, el destino que encontrará Negishi en Tokyo no es el de liderar una banda de Pop, sino convertirse en Krauser II, el diabólico líder de una banda de Death Metal llamada DMC o Detroit Metal City. Con letras que hablan de violencia, torturas, parricidios y violaciones, Krauser II se gana fama de demonio, y sus fans más acerrimos aseguran que lo es (y le adoran de una manera ciega e incondicional). Pero debajo de esa capa de maquillaje y actitudes violentas, el tonti-pop de Negishi sigue ahí, soñando con dejar DMC y finalmente triunfar con sus canciones de amor.

Se podría decir que DMC es una especie de Dr. Jekyll y Mr. Hyde del mundo de la música, ya que las historias tratan sobre los brutales cambios de actitud del protagonista, y su lucha interior entre sus sueños verdaderos y el éxito de DMC. Pero ojo, porque esto no es en absoluto un manga de terror, sino una descojonante comedia de situaciones, en la que básicamente veremos sufrir a Negishi por esa doble vida que lleva, y que intenta ocultar a toda cosa a la chica de sus sueños e incluso a su familia. Como es lógico, esto llevará a multitud de episodios de líos y confusiones, que normalmente acabarán con Negishi mostrando su lado más destroyer-heavy-metal y cometiendo alguna barbaridad. Pero en el manga no sólo está Krauser II, empezando por los miembros de la banda y su mánager, hay un buen número de personajes secundarios que realmente hacen más grande la historia. Y cabe decir que el papel de los fans de la banda es de lo mejorcito.

Así pues, DMC no es que tenga una gran trama elaborada que avanza tomo a tomo (aunque sí hay cierta línea argumental), sino que lo más importante es la carcajada, y de eso lo hay a raudales. Nos gusta especialmente el uso que hace el autor de los pequeños comentarios, que le dan ese puntillo tan típico de los manga humorísticos, y que casi siempre son más graciosos que el “chiste principal”. Pero esta falta de argumento también tiene sus contras, y es que al igual que pasa con una sit-com, al final todos los episodios tienen una misma estructura, y se repiten una y otra vez algunos gags. De todas formas, no es exagerado, y nosotros aún no nos hemos cansado de Krauser II y DMC después de los seis tomos que ha publicado Planeta hasta el momento.

Por nuestra parte, algo que realmente nos ha gustado de Detroit Metal City, aparte de lo más obvio, es precisamente el nivel de conocimiento que parece tener el autor tanto del Metal como de la escena Indie Pop. Cualquier podría pensar que DMC es una simple ridiculización del mundo del Metal, ya que lo exagera hasta niveles exagerados, pero teniendo en cuenta las situaciones y bandas que suele mostrar (incluso hay un homenaje al Black Metal noruego), es fácil pensar que el propio autor es un metalero, o que al menos se ha documentado muy bien. Pero ojo, que nadie se crea que el autor sólo se mofa del Metal, ya que el tonti-pop también se lleva su parte. Aquí nadie se salva de la ridiculización, y para nosotros, esto es una muestra de las sanas intenciones del mangaka, de reírse de dos mundos opuestos, aunque en el fondo les esté haciendo un homenaje.

El éxito del manga hizo que Detroit Metal City fuese adaptado al anime, y se hizo respetando muchísimo el estilo de dibujo y todo el espíritu DMC, tanto que si ya has leído el manga, no te van a contar nada nuevo (aunque un servidor se ríe igual). Nos parece también acertado que el dibujo no haya buscado un estilo algo más comercial tratándose de un producto televisivo, y hasta cierto punto nos ha recordad a unos dibujos, ya veteranos, que también tenían que ver con el Metal. Estamos hablando de “Beavis & Butt-head”, esos dos headbangers tontos del culo, que comentaban videos en la MTV a principios de los noventa. Es un estilo no muy virtuoso de dibujo, y la animación es también muy simple, pero eso permite que se recree mucho mejor la atmósfera del manga.

Lo que tiene de muy interesante el anime es que finalmente pudimos escuchar como supuestamente sonaban las canciones de DMC. No tenemos ni idea de si el autor tuvo algo que ver en la composición, o si dio el visto bueno al resultado final, pero a pesar de que nos gusta bastante “Satsugai” (el hit de DMC), no nos encaja mucho con el Death Metal que en teoría tocan ellos en el manga. ¿Hay gritos guturales? Sí. ¿Hay blast-beats atronadores? También. Pero los temas, aunque sean durillos, les falta bastante para llegar a etiquetarlos como Death Metal.

Por último, hace ya un par de años, le llegaba el turno al live-action de Detroit Metal City, una película en la que veríamos en carne y hueso la encarnación del diablo en la tierra llamada Krauser II. La película cubre más o menos hasta el 4º o 5º tomo de la serie, cogiendo algunos de los gags más míticos (aunque con alguna ausencia importante), y nos lleva hasta uno de los momentos más cruciales de la carrera de DMC, cuando Jack Ill Dark les pasa el testigo como nuevos reyes del Metal.

Casi no hace falta ni decir que la película es algo más bajadita de tono en algunos aspectos, hay menos violencia, y se echa en falta al “cerdo capitalista” (la mascota sadomasoquista de DMC), pero como decíamos, cumple bastante en cuanto a seguir las tramas con rigor. Pero si bien el anime nos pareció muy acertado en la adaptación, parece que a la película le falta algo, seguramente ese punto más gamberro de la obra original. Aquí nos encontraremos con una película de humor bastante suavecita, con un buen papel del protagonista, aunque quizás demasiado exagerado en algunos aspectos respecto al personaje de Negishi (parece más un idiota amanerado que el sosainas del manga). Aunque debemos reconocer que nos cuesta ser objetivos con la película, ya que al conocer tan bien la historia, cuesta que nos metamos dentro. Así que si alguien la ha visto antes del anime o el manga, quizás pueda tener una opinión algo más equilibrada que la nuestra.

De todos modos, la seguimos recomendando a cualquier fan de la serie, y creemos que el final, aunque típicamente épico, tiene su gancho. Especialmente porque hay una aparición estelar, nada más y nada menos que el mismísimo Gene Simmons de KISS, que se encarga de dar vida a Jack Ill Dark. Todo un lujazo para la película, que ya merece ser vista sólo por este cameo y la batalla final en el escenario. (Y para los que no se hayan dado cuenta aún, KISS tiene una canción llamada “DMC”, aunque en realidad significa “Detroit Rock City”, en lugar de “Metal”).

Lógicamente, esta obra ha generado varios discos que se pueden encontrar en tiendas y por la red. Antes de la película, por ejemplo, apareció una especie de tributo en el que varias bandas de renombre interpretaban canciones al estilo DMC, entre ellas MUCC, Kahimi Karie (la musa de Negishi), Tommy February 6 o Electric Eel Shock. Después de la película apareció también lo que podría ser el “disco oficial” de DMC, en el que varios músicos interpretaban las canciones de DMC, e incluso se pueden encontrar las canciones de otras de las bandas aparecidas en la serie, como la mítica “Fuckingham Palace” de  Jack Ill Dark.

La canción pastelera de Soichi Negishi, “Amai Koibito”, aunque interpretada por otro de los actores de la película, el músico Hideki Kaji (¡el “Soichi real”?).

31
may
10

Japanorama, un programa de TV #TLQM

Saludos cosmonautas,

ya sabéis que uno de los hobbies favoritos de los acólitos al #TLQM es hacer memoria de todas aquellas cosas que le han llevado a ser como es. Un gran ejemplo es este blog, así como los posts que invadieron la blogosfera el Día del Orgullo Friki. Nosotros ya hicimos una en su momento para hablar de nuestra japonofilia, y repasándola nos hemos dado cuenta de que faltaba un elemento importante en nuestra formación de expertos en #TLQM de Japón, un programa de televisión.

Estamos hablando de “Japanorama”, un programa de la BBC que  desde el 2002 y durante tres años, estuvo descubriendo a su público algunas de las cosas más frikis y molonas de la cultura popular de Japón. Cada temporada constaba de seis episodios, y cada uno de ellos llevaba una palabra por título, que indicaba el tema a tratar. No eran monográficos en realidad, ya que cada palabra se explotaba de distintas maneras.

Por ejemplo, el primer episodio se titulaba “Ciencia Ficcion”, y tanto se hablaba de la película cyberpunk “Tetsuo”, como de “Astro Boy”, los robots en general, o “IKU”, una peli porno inspirada en Blade Runner. Y con esta fórmula, a lo largo de tres temporadas, Japanorama nos habló de la juventud japonesa (Battle Royale, Waterboys, Pop Idols), de crimen (Takeshi Kitano, Takashi Miike… o Pizzicato Five), de espadas (Zatoichi, El Lobo Solitario y su cachorro), el cine de terror japonés, el tokusatsu, los otakus, y muchísimos temas más (podéis consultarlos en la wikipedia).

Pero lo mejor de todo es el cariño y el cuidado con el que se hacía el programa. No estábamos ante el típico show para puros neófitos, con los topicazos de siempre, o la ignorancia de aquel que no tiene ni idea de lo que está hablando. Jonathan Ross,  el presentador e ideador, es un auténtico apasionado de la cultura japonesa, y eso se nota mucho por la forma y el contenido de Japanorama. De hecho, no hace falta más que ver como empieza el programa para darse cuenta de ello.

¿Alguien pondría en duda su grado de frikismo cuando lo primero que hace es visitar el rodaje de Ultraman y reivindicar que se emita en UK? Seguramente no había mejor forma de empezar. Pero hay muchos más detalles que convierten este programa en algo especial. Por ejemplo, la mayor parte del diseño gráfico del programa está hecho por la mismísima Junko Mizuno, a quien ahora conocemos por su particular estilo sádico-kawaii del cómic “Cinderella”.

El renombre de los invitados es envidiable (Mamoru Oshii, Shinya Tsukamoto, Takeshi Kitano, e incluso Hard Gay o Demon Kogure entre muchos otros). Además, para explicar algunas de las palabras japonesas que tratan en el programa (kawaii, otaku…), cuentan con la ayuda de una cosplayer profesional. Y si el hecho de que Jonathan Ross, este veterano presentador televisivo inglés, aparezca vestido igual que Robotto Keiji no es suficiente para vosotros, ¡quizás es que aún os falta mucho por aprender! ;-)

Podríamos seguir contando lindezas de este programa, pequeños detalles que lo convierten en un programa perfecto para aquellos que quieren introducirse en la cultura popular japonesa, pero buscan algo más que lo típico y tópico.  Podemos decir que a nosotros nos ayudó a expandir un poco más nuestro campo de acción dentro de los frikismos japoneses. Y si con esto no tenéis suficiente, el mismo Jonathan Ross produjo después una serie de programas llamados “Asian Invasion” en los que nos hablaba del cine japonés, el coreano y el de Hong Kong. Muy recomendables también. Además, este señor fue también el productor del original “Adam & Joe Go To Tokyo”, otro interesante programa de los creadores de “The Adam & Joe Show“.

PD: Lo único que le podemos criticar a Jonathan Ross es que cometiera un grave error, podríamos decir imperdonable, en su episodio dedicado a lo “kawaii”. Ya que tuvo la mala idea de irse a “gatostiablelandia” y casarse ahí con su mujer. Jonathan, Jonathan… ¿acaso quieres recibir una visita de los Gatostiable Hunters?

Ai Jonathan, ¿por qué lo hiciste?

12
may
10

Gundam Cafe en Akihabara

Saludos cosmonautas,

aunque ya os contamos hace poco que, al menos en cuanto a diseño, nosotros nos quedamos con el Tetsujin 28 antes que con el Gundam, lo cierto es que no le haríamos ningún feo a la mítica saga otaku por excelencia. Así, cuando nos enteramos de que en el barrio friki de Akihabara estaban a punto de abrir un café temática Gundam, no dudamos ni un segundo en contactar con nuestro corresponsal de lujo en Tokyo, Marc Bernabé, para mandarle ipso facto a que se tomara un café. Lo mejor de todo es que nos hizo caso, y tuvo la gentileza de aguantar casi una hora de cola para mostrarnos como es por dentro este singular café.

(Dejadnos pedir perdón, sobretodo a Marc, por no haber podido subir el video con una mejor calidad, ¡pero estamos trabajando en ello!)

Si queréis leer más cosas sobre el Gundam Café, el gran Flapy , realizó una crónica en su blog, y además, podéis encontrar el mismo post, pero con un montón de fotos, en el número de mayo (con chica Gundam en portada) de la revista de Mechanical Japan.


04
may
10

Tetsujin 28-go, el otro robot gigante en Japón

Saludos cosmonautas,

gracias a nuestra red de corresponsales que tenemos en Japón, hoy por fin podemos mostraros “el otro robot gigante“. que ha sido construido recientemente en Japón. Seguramente, a estas alturas la mayoría habréis visto las impresionantes fotos del Gundam a escala original que fue expuesto en Odaiba, Tokyo, ya hace unos cuantos meses. (infinidad de blogs dejaron buena constancia de ello, y algunas fotos fueron impresionantes) Fue algo realmente espectacular, ináudito… pero también temporal.

Al poco tiempo de enterarnos de lo del Gundam, hubo una notícia que quizás paso un poco más desapercibida. La notícia de que en Shinnagata (Kobe) estaban construyendo otro robot gigante, aunque este iba a ser permanente. Se trataba de una reproducción del mítico Tetsujin-28, también conocido como Gigantor.

Lo cierto es que, estando la estatua en Kobe y no en Tokyo, suponemos que eso ha hecho que su impacto en la blogosfera haya sido reducido. Pero como a nosotros nos gusta mucho, queremos poner nuestro grantio de arena, y con la ayuda de nuestros corresponsales, aquí os lo mostramos.

El personaje fue creado por Yokoyama Mitsuteru en 1956, así que estamos ante un auténtico veterano, y eso es bastante obvio viendo el diseño del personaje que, si me permitís, me gusta más que el del Gundam (sin desmerecerlo).

Me parece que no es tan grande como el de Odaiba (aunque en todas partes dicen que tanto el uno como el otro miden 18 metros de altura), pero la postura es mucho más dinámica e impactante, todo un lujo.

Las calles cercanas están adornadas con motivos de Tetsujin 28-go.

¡Muchas gracias a Dani & Leila por las fotacos!

Os dejamos ahora con unos videos de la construcción del Tetsujin (visto en Plastic Pals)

Podéis verlos todos aquí.

Y finalmente, su solemne inauguración:

SWITCH ON!!!

20
abr
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Queen, Daft Punk, y la Space Opera de Leiji Matsumoto

Saludos cosmonautas,

si el volcán islandés y su nube de ceniza lo han permitido, hoy se supone que estaremos en Bilbao, pero eso no significa que no podamos ofreceros una pequeño post para comentar una novedad en el mundo de nuestro querido mangaka Leiji Matsumoto (autor de Galaxy Express 999 y Capitán Harlock, entre otras).

A través de Misión Tokyo nos hemos enterado de que Matsumoto ha realizado recientemente un video clip para la que es una de las mejores canciones de la historia del Rock, “Bohemian Rhapsody” de Queen. “¿Es esto la realidad? ¿Es esto una fantasía?” dice la canción, pero no, parece ser que los integrantes de Queen solicitaron a Matsumoto que hiciera un videoclip para el tema en celebración del 18º aniversario de la muerte de Freddie Mercury, y utilizando los personajes de su nuevo manga, “Out of galaxy Koshika”, nos ha ofrecido un mini-anime fantástico con la mejor de las bandas sonoras. Toda una fantasía para nosotros ya que junta dos de nuestras grandes pasiones, la música de Queen y el dibujo de Matsumoto, en definitiva, el anime y el Rock con respectivos representantes de lujo.

Queen – “Bohemian Rhapsody~Featuring Leiji Matsumoto”

La mayoría de fans de Matsumoto ya sabrán que no es la primera vez que el mangaka trabaja en proyectos musicales de esta índole. Incluso es posible que muchos de vosotros conozcáis ese trabajo sin haberos dado cuenta de que era suyo. Os estamos hablando de la película-videclip-largo-del-copón-space-opera titulado “Interstella 5555″, que no es más que un anime basado en el disco “Discovery” de Daft Punk.

En su momento, pudimos ver los video-clips de los Singles “Aerodynamic” o “One More Time”, pero en realidad eran simplemente fragmentos de la película. Aquí tenéis los primeros 7 minutos de “Interstella 5555” que incluyen “One More Time y “Aerodynamic”.

¡Queremos más experimentos de este tipo!




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