suele ocurrir, cuando descubres algo por casualidad y te gusta, sin que nadie te haya hecho recomendación alguna, su valor se ve multiplicado por ese factor de descubrimiento personal. Algo así fue lo que nos pasó con esta fantástica serie titulada “Freaks and Geeks”. Aunque no es precisamente una serie muy conocida, parece ostentar el grado de “serie de culto”, algo que descubrimos poco después de empezar a verla, compartiendo nuestro hallazgo en Twitter.

La premisa es sencilla, una serie sobre los estudiantes de un instituto americano,desde el punto de vista de los marginados y los frikis (esos “Freaks and Geeks” del título). Los protagonistas principales son dos hermanos. Lindsay, una chica de 16 años que hasta hace poco era la reina del grupo de “mateatletas”, siempre con sobresalientes y la preferida de los profesores, que actualmente se encuentra en una fase rebelde que la lleva a juntarse con los chicos problemáticos del instituto, los “freaks”. En el grupo encontramos a Daniel, de quien Lindsay está enamorada, que resulta ser el típico chulo-fracasado y de pocas luces (que sale con la algo “marimacho” Kim). Después está Nick, el batería fumeta que vive atemorizado por su padre militar (y está enamorado de Lindsay). Finalmente, el estoico Ken, a quien parece que todo le resbala y se mete con todo el mundo desde su pose totalmente apática.

El otro protagonista es Sam, el hermano pequeño de Lindsay. Seguramente uno de los personajes más prototípicos, el del jovencito enamoradizo, tímido, menos desarrollado que sus compañeros y algo inseguro, pero inteligente y más o menos equilibrado. Su personaje contrasta con Bill, el personaje más cómico de la serie, 100% nerd, desde su aspecto a su forma de caminar, desde sus manías hasta su forma de hablar, pero que acaba convirtiéndose en uno de los personajes con más carisma (y seguramente el más querido por los fans). Por último, está Neal, el personaje judío de la serie, que va de ligón pero no se come un rosco, y cuyos gustos se han quedado algo anticuados. Estos tres forman el grupo de “geeks” del título, un trío que recuerda muchísimo a cierto grupo de frikis investigadores de una universidad californiana.

Sam: “¿Qué es una cerveza sin alcohol?”

Bill: “Es como la cerveza, pero que simplemente no tiene ese ingrediente que te emborracha.”

Neal:” …¿alcohol?”

Bill: “Sí.”

Este elenco de protagonistas y personajes secundarios es uno de los puntos fuertes de “Freaks and Geeks”, hay muchas caras conocidas, y otras que con un poco de ayudan en seguida situaremos. La protagonista indiscutible y que está preciosa en la serie, Linda Cardellini, saltó luego a la fama por su papel en “ER” (Urgencias), pero también fue la Velma de las películas de Scooby Doo, tuvo un papel en “Brokeback Mountain”  y aparecía en “Legally blonde” (Una rubia muy legal).

Linda Cardellini (Lindsay)… ¡guapa!

Dentro del grupo de los “Freaks”, tenemos a James Franco, ahora uno de los actores de moda en Hollywood, y que aquí hacía el papel de Daniel. Otro de los “freaks” es también una cara más que conocida para todos los fans de “How I met your mother”, Jason Segel, que en su papel de Nick no dista mucho del Marshall que conocemos de la famosa sitcom. Y para cerrar el trío calavera, interpretando a Ken está Seth Rogen, otro actor habitual en las comedias más populares de los últimos años: ha puesto la voz de “Paul”, y ha aparecido en “Superbad” (Supersalidos), “Knocked Up” (Lío embarazoso), “The Green Hornet”, “Zack and Miri make a porno” (¿Hacemos una porno? de Kevin Smith), e incluso en Donnie Darko. Seth Rogen tuvo un pequeño papel en “Dawson’s Creek”, donde también aparecía en un papel secundario importante Busy Philipps, que interpreta a Kim en “Freaks and Geeks”, la chica mala.

Después tenemos a los “Geeks”, Sam es John Francis Daley, que se ha prodigado más en televisión y quizás es menos popular. En su currículum más actual encontraremos su participación en la serie “Bones”, como el Dr. Lance Sweets. Neal, el chico judío y sobrado, es Samm Levine, que también se ha dedicado bastante a pequeños papeles televisivos (con una aparición en “HIMYM”, e incluso en “Lost”), pero quizás os pueda sonar por ser uno de los “Inglorious Basterds” de Tarantino. Por último, Bill Haverchuck, fue interpretado por Martin Starr, que ha aparecido al igual que Seth Rogen en “Superbad” o “Knocked up”, en el “Hulk” de 2008, y como sus otros dos compañeros, en un episodio de “HIMYM”. No seguiremos, pero os podemos decir que entre los personajes adultos también hay muchas caras conocidas, e incluso míticas (como Biff de “Regreso al Futuro”). Seguramente la serie fue todo un trampolín para todos estos chicos, pero hay que reconocer que realmente lo bordaban en “Freaks and Geeks” (mención aparte merecen los padres de los protagonistas, John Francis Daley está simplemente fantástico – míticas las cenas en casa de los Weir).

Harold: “Tenía un amigo que fumaba. ¿Sabes qué hace ahora? Está muerto. Crees que fumar queda guai, vamos desenterrarle a ver lo guai que se le ve ahora.”

Lógicamente, veremos muchos más personajes, y eso incluye los tópicos de deportistas y animadoras, las empollonas recatadas, los profesores de toda índole, y los propios padres de los alumnos (los cuales reciben un tratamiento menos superficial que en la mayoría de series de instituto). Los temas a tratar también son los clásicos de este tipo de series: la rebelión contra los padres, los abusones, los enamoramientos, el tema de las drogas y el alcohol, las fiestas, las responsabilidades, y en definitiva, el hacerse mayor (siendo un marginado, habría que añadir). Hasta aquí, quizás el argumento puede parecer de lo más corriente y normal, pero en realidad es sólo la base para construir  una de las mejores series de institutos que hemos visto en la Arcadia (por no decir claramente que es la mejor).

Sólo para empezar, hay algo bastante original en su planteamiento. En 1999, los creadores se sentían incapaces de recrear con fidelidad los institutos de finales de los noventa, así que prefirieron inspirarse en su propia juventud. De esta forma, la serie se situaba en el curso 1980/1981, cuando lo más habitual en este tipo de producciones es centrarse en la época actual. Esto obliga a recrear una época muy concreta, en la que los productos culturales del momento se convierten en algo crucial. Así pues, la ropa, la música, y también la televisión y el cine del momento tienen una especie de papel secundario de gran importancia para situarnos en el contexto (y de paso, generar complicidades con cierto público, de 30 o más años para arriba). El esfuerzo que hicieron fue notable, aunque eso no impidió que se colara alguna botella de ketchup de plástico (que no llegaron hasta 1990).  Y ojo al dato, el productor asegura que en parte se inspiraron en “Harold y Maude” para su aspecto estético (película de culto de la que ya os hablamos aquí). ¿No parece esto ya garantía de buen gusto?

Más allá de la producción, estamos ante una serie de guiones trabajados, que si bien no dejan de perpetuar algunos de los tópicos (¿acaso los adolescentes no ven el mundo así?), existe una voluntad de darle la vuelta a las cosas (a menudo a través de fantásticos diálogos). Las motivaciones y los sentimientos de los personajes tienen su lógica y explicación, y se hace un tratamiento de los temas  menos edulcorado de lo habitual. De hecho, los creadores de la serie ya procuraban, deliberadamente, que los episodios no terminasen siempre con un “final feliz”. Se buscaba realismo, y aunque nunca hemos estado en un instituto americano, algunos fans dicen sentirse realmente identificados con la serie. Si la mayoría de obras de este tipo se dirigen a un público igual al que están representando, en este caso quizás apuntaríamos a una audiencia más adulta, que puede ver todos estos temas con cierta perspectiva, y quizás no necesita de la típica moraleja servida en bandeja (eso se deja en manos del espectador).

Antes mencionábamos lo cuidados que están los aspectos culturales de la serie, y ahí es donde encontraremos ese plus culturalmente disperso que hace que la serie nos atrape aún más. Uno de los aspectos más destacables, y más recordados, es la musical. Atención a la lista: Led Zeppelin, The Who, Alice Cooper, Queen, Pink Floyd, Van Halen, Rush, Deep Purple o The Grateful Dead. Son algunos ejemplos de grupos que no sólo forman parte de la banda sonora, si no que se mencionan o directamente forman parte del argumento del episodio (ya sea porque los protagonistas quieren ir a un concierto de The Who, como porque John Bonham de Led Zeppelin acaba de morir). Al parecer, esto hizo encarecer mucho la producción, al tener que utilizar buena parte del presupuesto en pagar los derechos. Esto llegaba hasta tal punto que, en posteriores re-emisiones, se cambiaron algunas de las canciones, y los productores tuvieron que esperar mucho tiempo para encontrar quien les editara el DVD dejando intacta la banda sonora.

Nick Andopolis: “Hey, yo creo en Dios, tío. Le he visto, ¡he sentido su poder! Toca la batería para Led Zeppelin y su nombre es John Bonham, baby!” 

Música aparte, hay más elementos que convierten esta serie en una pieza #TLQM en toda regla. Como no podía ser de otra forma, el grupo de “geeks” son los encargados de darle el punto más friki/nerd/(ponga aquí su etiqueta) a los diálogos y también al “product placement” culturalmente disperso. Star Wars es seguramente una de las sagas más citadas durante la serie (Star Trek algo menos), y también aparece en varios pósters o merchandising. Quizás citar Star Wars, hoy en día, no sea algo tan culturalmente disperso como podía serlo hace 15 años (¿antes de Clerks?), pero es que hay muchos más detalles que nos dan pistas sobre la naturaleza geek de sus creadores. Por ejemplo, están las apariciones de los Micronautas, ya sea en los diálogos o en forma de caja (aparecen más de una vez en casa de Neal), y también uno de los grandes momentazos: cuando Bill se disfraza de Doctor Who para ir a un convención de Ciencia Ficción (y eso que Doctor Who nunca fue tan popular en EEUU como ahora). Pero si hay un momento nerd por excelencia es el mítico episodio final, de título “Discos & Dragons”, en el que Daniel, el chulo-fracasado, termina dando un vuelco a su personaje al aceptar jugar a “Dungeons & Dragons” con los geeks, y acaba dándose cuenta de que hay cosas que se le pueden dar bien, más allá de su pose de tipo duro.

Bill Havercuck (Martin Starr) a punto de irse a la SciFi Convention vestido de Tom Baker, el 4º Doctor.

Bill: “Se cree que ser el Dungeon Master le da derecho a jugar con nuestras mentes.”

Harris: “Oh, lo siento. Quizás debería hacer que os encontraseis con gatitos y abuelitas para no disgustaros.”

–

Daniel: “Vale, de acuerdo, seré un enano, pero mi nombre es Carlos.”

Bill: “¿Carlos, el enano?”

Daniel: “Sí, tienes un problema con ello, Gorthon?”

No es extraño que hubiese un nivel de cuidado considerable en todos los aspectos de la serie (desde el guión a la producción), ya que este no era el típico trabajo de encargo, sino una apuesta personal de su creador, Paul Feig, que incluyó muchísimas vivencias personales en los guiones que escribía en hoteles de Estados Unidos, mientras viajaba intentando vender una película.  ¿Valió la pena el esfuerzo? Que la serie tenga estatus de culto y que en IMDB la nota no baje del 9, evidencia la fantástica crítica y cariño que se ganó la serie (aparece en muchas listas de “las mejores series de todos los tiempos”). Pero a pesar de todo, “Freaks and Geeks” se canceló en la primera temporada. Los cambios continuos de emisión no favorecieron para nada las audiencias, y en el capítulo 13 la NBC dijo basta. ¿Qué pasó con todos esos fieles admiradores? Pues que presionaron y presionaron, hasta que consiguieron que se hiciesen 3 episodios más. Después volvió a darse la serie como finiquitada. Y los fans volvieron a insistir. Para su re-emisión en otro canal de la FOX se realizaron dos episodios más, cerrando definitivamente “Freaks and Geeks” con el decimoctavo. Una pena (o una garantía para perpetuar su condición “de culto”).

No podemos dejar de recomendar esta serie a cualquiera, pero especialmente para aquellos que quizás estén un poco hartos de tramas y subtramas complejas de la mayor parte de series actuales, y quieran algo mucho más centrado en personajes, diálogos e interpretaciones. En “Freaks and Geeks” se encuentra todo esto y mucho más, demostrando que se merece esa etiqueta de “serie de culto”. Aunque os advertimos que cuando termina el episodio 18 uno se siente algo huérfano, y empezará a echar de menos a todos estos personajes. Para todos aquellos que sufran de esta forma, siempre queda el consuelo de ver “Undeclared”, una especie de continuación universitaria de la serie, que a pesar de no contar con los mismos personajes, sí repite algunos actores y se dan algunos cameos (sus creadores siguen un poco la línea de Kevin Smith, en ese sentido). Además, también podréis ver a Jackson Teller, de Sons of Anarchy, mucho más joven y con acentazo inglés.

Sólo para terminar, una pequeña duda que nos corroe respecto a “Freaks and Geeks”, ¿por qué prácticamente en cada episodio tienen exámenes, si las clases que vemos apenas duran un minuto?

(Ahora tocaría hablar de Parker Lewis, no? ¿dónde están mis cintas VHS?)

cuando en la Arcadia prometemos algo, cumplimos. La semana pasada terminaba con el anuncio del retorno de Cálico Electrónico, el que fuera un pionero en esto de la animación flash y el marketing viral, después de un dramático y abrupto final, como todo buen superhéroe, volvía de sus cenizas.

Pocos meses antes del anuncio, nos reunimos con Nikotxan, el creador y doblador del personaje (él mismo ya es todo un personaje), para hablar de Cálico Electrónico, la animación flash, y aquellos proyectos que ahora mismo está manejando.

El Sr. Niko, como estrella mediática que es, nos recibió en su mansión barcelonesa, recién levantado a las seis de la tarde, ya que el día anterior había estado de marcha con algunas top models en Saint Tropez. Nos dió la bienvenida con un potente orujo de café, que no sabemos si tiene alguna relación o no con el resultado de esta entrevista.

hoy nos hemos levantado con nieve y una gran noticia para los admiradores del superhéroe más regordete e inútil del panorama actual. Hace un par de días, Nikotxan, su creador, anunciaba que si el hashtag #quevuelvacálico se convertía en Trending Topic, iba a resucitar al mítico Cálico Electrónico con una 4a temporada que nunca llegó. Nosotros mismos, fans del retaco, hicimos nuestra mini-campaña twittera. Prometimos publicar inmediatamente la entrevista que le hicimos a Niko si se conseguía tal objetivo. Y aunque no hemos confirmado que se consiguiese el trending topic, parece que el retorno de Cálico Electrónico estaba cantado. Para celebrarlo, nos ponemos ya en marcha para publicar cuanto antes la espeluznante entrevista . Os advertimos que nada volverá a ser igual en las Entrevistas Pirata. Ah, y que no será apta para menores de edad (hay alcohol, hombres desnudos de pelo en pecho… vamos, lo normal).

Os dejamos un pequeño avance… (y aquí toda la información del Regreso de Cálico Electrónico)

¿recordáis cuando os hablamos de los TOCT? ¿Los Trastornos Obsesivos Culturales Transitorios? (Si no, repasad la entrada.) Y es que ahora mismo, estamos inmersos en una nueva obsesión, una de esas que de vez en cuando vuelven. Digamos que ahora mismo nos va el rollo sectas. De esas que adoran a dioses primigenios, criaturas de otras dimensiones que llegaron a la tierra hace eones (antes del tiempo), y en honor a las cuales se hacen sacrificios humanos. No llaméis a la policía. Aún no. No estamos locos. Aún no. Y es que estamos hablando de ficción (o no), concretamente la que creó un excéntrico señor de Nueva Inglaterra llamado Howard Philips Lovecraft.

Seguramente hay dos culpables a los que tenemos que señalar de este repentino renovado interés, y que nos ha obligado a desempolvar, literalmente, libros que compramos hace eones. El primero es Cels Piñol, que actualmente está preparando una versión narizona de “Las montañas de la locura”, mítica obra del escritor de Providence, que además se puede mezclar con cierta facilidad con “The Thing”, otra mítica película. El segundo culpable, es otro pintamonas (con cariño) habitual por estos lares, Andrés Palomino. Y es que el autor de Crónicas PSN lleva ya bastante tiempo ejerciendo de traductor de un webcomic muy particular: “La Cripta (del horror) innombrable“.

Este webcomic, cuyo título original es “Unspeakable vault (of doom)“, es creación de Goomi, un diseñador/ilustrador francés de nombre Francois Launet, que va publicando con relativa regularidad. Lo que ha hecho este señor es coger muchos de los Mitos de Cthulhu y convertirlos en graciosos personajes cómicos, que a veces se dedican a putear a la humanidad, y en ocasiones simplemente se la van comiendo como si de pintxos se tratasen. Aunque se han modificado ligeramente la mayoría de los nombres (algunos se han vuelto simplemente más cariñosos), los conocedores de la mitología lovecraftiana los identificarán en seguida. Aunque puede chocar como han pasado de convertirse en seres terribles que vuelven locos a los humanos, a criaturas con mucho sentido del humor, entrañablemente crueles y sádicas, y que tienen a los humanos como pasatiempo principal (aunque casi siempre, los estúpidos humanos se lo habrán buscado).

Hay que advertir que conocer todas estas criaturas y muchos de los relatos de Lovecraft es vital para poder entender la gran mayoría de chistes. Si has jugado al juego de rol, también sirve, pero tampoco os sobrará un poco de sabiduría culturalmente dispersa, ya que también encontramos otros referentes (desde Mundodisco a la Tierra Media, pasando por Batman, o incluso Godzilla). El propio autor recomienda en su FAQ empezar a leer “La Llamada de Cthulhu” para empezar a entender de qué va el tinglado. No es mala recomendación.

¡Cthulhoo actor!

¡Cthulhoo crossover #TLQM!

Así que si no habéis descubierto aún las historias de Lovecraft, os recomendamos que empecéis con “La llamada”, y quizás después con “Las montañas de la locura” y “Dagón”, y ya estaréis preparados para empezar a reíros con este original webcomic, que ahora, ya tenéis disponibles en tiendas especializadas en formato papel (gracias a la insistencia de Andrés, y la edición de Diábolo Ediciones). Hacedme caso, o puede que algún monstruo pulposo os acabe tomando por aperitivo. ¡Nosotros lo hemos devorado en un sólo día!

a estas alturas casi todos estaréis enterados del proyecto que estamos llevando a cabo, ese documental+libro dedicado a los 20 años de nuestra historia del manga y el anime. Como tenemos previsto estrenarlo en el próximo Saló del Manga, no nos sobra el tiempo, y como habréis visto, la frecuencia de publicación ha bajado relativamente. Pero tranquilos, que como mínimo tendréis uno o dos posts semanales. Por otro lado, tenemos muy claro que queremos compartir, en parte, este proceso de investigación y realización del proyecto. Lo que no está tan claro es si lo haremos desde la Arcadia, o abriremos otro blog. ¿Qué pensáis?

En cualquier caso, queremos empezar estos posts, por ahora desde aquí, hablando de la joya de la corona en nuestra búsqueda de fanzines míticos de manga y anime. Se trata seguramente de uno de los fanzines legendarios de principios de los noventa. Unos fanzines que todo el mundo conocía, y todo el mundo quería, pero que no todos podían poseer. Nosotros, nunca los conseguimos, pero gracias a la amabilidad de Cels Piñol, que nos dejó rebuscar entre sus archivos secretos, hemos encontrado los famosos Kiusap dedicados a Dragon Ball.

Recordad que por entonces, en los inicios de la “dragonballmanía”, no existía ningún tipo de merchandising oficial, ninguna licencia que ofreciera a los Songokumaníacos materiales para saciar su hambre fan. De ahí que se creara un mercado negro de fotocopias de Dragon Ball (aquí tenéis un vídeo con el Profesor Hurías explicándolo). No se puede decir que todas las fotocopias fuesen de gran calidad, en ocasiones eran dibujos calcados de otros dibujos… Pero entonces llegó el Kiusap de Cels Piñol, que fue el primero en hacerlo bien. Consiguió una serie de fotocopias del manga, y muchas ilustraciones de algún libro de Akira Toriyama. Lo puso bien bonito, ordenadito y grapadito, y arrasó.

Su éxito fue tal, que tuvo que reeditarlo, y acabó dedicando tres números a las fotocopias de Dragon Ball. Por desgracia, no pudimos encontra rel número 6 del Kiusap, que fue el primero, y que se basaba en el libro de ilustraciones de Toriyama, “The World” (¿alguien lo tiene?). En cualquier caso, lo más gracioso del tema es que el 90% de estos dos fanzines (7 y 8), que eran páginas del manga, ¡estaban en coreano! Seguramente fueron pocos los que se dieron cuenta, ya que por aquel entonces la gente tenía aún más dificultades para distinguir lo japonés, de lo chino o lo coreano. Sólo unas pocas portadas o ilustraciones eran realmente japonesas.

Aparte de imágenes, no había mucho más, sólo algunos artículos. Y destacamos aquí uno en el que se revelaba uno de los grandes spoilers de Dragon Ball Z, ¡Son Goku venía del espacio!

Otra de las fuentes que tenía Cels, y muchos otros, fue la revista Dorothée. Nosotros ya hicimos un post al respecto, y es que esta revista francesa era una interesante adquisición para los primeros fans del manganime de nuestro país.

Cels siempre terminaba el fanzine pidiendo que alguien se dignara a publicar material de forma oficial. Y tardaron un tiempo, pero al final se consiguió. Pero esa, ya es otra historia.

¡Muchas gracias, Cels! Prometemos guardar estos ejemplares en el lugar más seguro de la Arcadia, bajo 5 sistemas de seguridad distintos (a prueba de Lupins y Moriartys).

después del parón Navideño, volvemos de nuevo con la Entrevista Pirata con la encantadora Anna Roig, la cara y mente pensante detrás de Anna Roig i l’ombre de ton chien, una de las propuestas musicales más interesantes del bullicioso panorama musical catalán actual.

Pero primero tenemos que empezar con una disculpa, debido a ciertos problemas técnicos que hemos tenido con la entrevista. Como veréis, os aseguramos que no volverá a pasar. El responsable ha pagado por sus crímenes.

Si os perdisteis la primera parte, aquí la tenéis.

justo cuando termina el 2011 nos damos cuenta de que este ha sido el año del regreso de uno de los duetos más famosos de la infame MTV, y no tiene nada que ver con la música… o sí. A principios de los noventa aparecieron en el popular canal musical, una pareja de “jebis” muy particular. Eran dos adolescentes ataviados con una camiseta de Metallica y otra de ACDC respectivamente, el uno castaño y el otro rubio, el uno tonto y el otro más tonto. Ambos, unos gamberros de tomo y lomo que harían escandalizar a cualquier padre. Y lo hicieron. Y todos se acuerdan de sus nombres: Beavis and Butt-head.

Estos dos energúmenos eran una creación de Mike Judge (que quizás algunos conozcan por “El rey de la colina”), y él mismo era el encargado de poner las desagradables voces de ambos personajes. No se podría decir que la serie tuviese realmente un argumento, simplemente eran pequeños episodios de la vida de estos jebis ignorantes y faltones, y su característica risa (huh-huh-huh-huh-huh). Así pues, tanto se podía hablar de “Frog Baseball” (cuando juegan a béisbol con una rana), de la rabia perruna, o de cualquiera de las putadas que podían hacerle a su vecino o a su profesor hippie. Aunque cabe decir que ellos mismos podían terminar siendo las víctimas a menudo, víctimas de su propia ignorancia y estupidez. Eran adorablemente subnormales.

Aquí tenéis el episodio piloto:

Aunque con ciertas limitaciones, la calidad de la animación mejoró en sucesivos episodios:

Pero si algo hizo famosos a Beavis and Butt-head, fueron los segmentos musicales que se incluían en cada episodio (sí, por entonces, la MTV aún tenía cierta relación con la música). Básicamente veíamos siempre la misma imagen de Beavis y Butt-head, sentados en un sofá, y comentando los videoclips que veían en la MTV. Podían reaccionar de varias maneras, pero lo más habitual, y lo más divertido, era cuando no les gustaba un vídeo y se dedicaban a destriparlo. Tenía cabida todo tipo de música, desde lo más actual de entonces (el Grunge o incluso el Metal), hasta el Rap, el Soul, y cualquier cosa que se le ocurriera al guionista. De hecho, dicen que Mike Judge improvisaba totalmente esta sección, con lo cual no es de extrañar que a menudo se fuesen por las ramas…

En otras ocasiones, ni siquiera era necesario decir nada:

Pero a veces había vídeos que les gustaban, y era entonces cuando desplegaban toda su pasión Heavy Metal. Aunque no siempre se ponían de acuerdo, claro…

Este par de capullos se hicieron muy famosos gracias a esta sección, y al parecer algunos se tomaban muy en serio sus reacciones (aunque a menudo demostraban una gran ignorancia, incluso en aquello que teóricamente deberían dominar, como el Metal). Dicen que el mismo Kurt Cobain fue muy feliz cuando Beavis and Butt-head dieron su visto bueno a uno de sus vídeos:

Visto esto, no es de extrañar que Nirvana contribuyeran a “The Beavis & Butt-head Experience”, un CD recopilatorio apadrinado por estos dos jovencitos (con comentarios entre tema y tema), que incluía a bandas como Primus, White Zombie, Megadeth… ¡y Cher! Así es, Cher se prestó a hacer una versión de “I got you babe”, sustituyendo a Sonny Bono por Butt-head, en uno de los duetos más esperpénticos de la historia de la música.

A partir de ahí ya empezaron a salir videojuegos, cómics (algunos se publicaron aquí), e incluso un largometraje (“Beavis and Butt-head do America”). Hubo un spin-off, “Daria”, protagonizado por un personaje secundario, aunque Mike Judge no tenía nada que ver y los dos personajes tampoco aparecían. “Beavis and Butt-head” se alargó durante 8 temporadas, de 1993 a 1997, y sorprendentemente volvieron a la MTV en Octubre de 2011 (con un dibujo algo mejor, pero exactamente el mismo humor).

El cómic, editado por Marvel Comics, también se publicó en español (tenemos algunos ejemplares en la bodega de la Arcadia). 

No de ja de sorprender que fuese Nintendo quien sacara el videojuego de unos personajes tan polémicos, y que definieron en los noventa el concepto “políticamente incorrecto”. Luego serían los chavales de “South Park” los que recogerían el testigo. Curiosamente, la serie de Mike Judge terminó poco después de que empezaran Cartman y sus colegas, y que dejaron a Beavis & Butt-head como unos simples aficionados. Pero los mismos Parker y Stone han reconocido que el show de MTV fue su principal inspiración. Ahí queda eso.

Por supuesto, como iconos que fueron, incluso aparecieron en el ya mítico “Celebrity Deathmatch”:

hace un par de meses os anunciábamos que íbamos a aparecer en la versión televisiva de un veterano programa de Catalunya Radio llamado Generació Digital. Si no lo visteis, aquí lo tenéis.

Ahora os queremos anunciar que vamos a formar parte del plantel de tertulianos culturalmente dispersos de una nueva edición dominical del programa que se estrena este próximo fin de semana (Domingo 15 a las 16h). No apareceremos cada domingo, ya que habrá una buena lista de colaboradores culturalmente dispersos que se irán turnando para comentar las últimas novedades en el mundo #TLQM, ya sean cómics, películas, series, o temas de interés para el fandom.

Nos hace bastante ilusión volver a ponernos delante de un micro, y es que seguramente muchos no sabéis que ya hace varios lustros hacíamos un programa de humor en Radio Argentona, y otro musical en Mataró Radio. Y aunque ahora sea de forma más esporádica, hacerlo en Catalunya Radio, en este programa, y con tertulianos de lujo como Cels Piñol y Àlex Santaló, entre otros, será fantástico.

Así que recordad, el próximo domingo a las 16h, los que puedan (y no les asuste el catalán), que sintonicen Catalunya Radio (también por Internet en www.catradio.cat) para la edición culturalmente dispersa de Generació Digital (#GDCD). Y recordad también que Generació Digital sigue teniendo su programa habitual los sábados de 16h a 18h, y los miércoles en el Canal 33 a partir de las 23h.

hoy dejaremos las explicaciones para después del vídeo, un unboxing muy especial:

Gekko Kamen, el primer superhéroe televisivo japonés.

Así es, por pura casualidad nos enteramos de que existía una versión VHS en español de la película de este mítico superhéroe, Gekko Kamen, e iniciamos nuestro regateo con el vendedor… conseguimos un relativo buen precio para semejante joya, aunque como suele ocurrir con todo lo que mola, para algunos esto es basura reciclable y para otros oro en paño. Pocos días después, lo tenemos en las manos, y estamos ansiosos por ver la película.

Como explicábamos en el vídeo, Gekko Kamen, fue el primer superhéroe televisivo japonés, bastantes años antes del más famoso rey del tokusatsu televisivo, Ultraman (y 13 años antes de otro Kamen, Kamen Rider). Así pues, desde el 24 de Febrero de 1958 hasta el 5 de Julio de 1959, niños y mayores japoneses se reunían ante el televisor (algunos en la suya propia, otros en la del vecino) para ver los 130 episodios de la serie de este motorista enmascarado (¿de qué me suena esto?). Según dicen, la cancelación se debe a que muchos niños se hicieron daño intentando imitar a Gekko Kamen, si es cierto o no ya lo veremos… el caso es que la serie volvió 13 años después en formato anime, y fue esta versión la que consiguió traspasar fronteras, llegando a México bautizado como “Capitán Centella”.

Lo más curioso de esta edición en vídeo, es la contraportada, ya que en lugar de ofrecer la típica sinopsis con los fotogramas pertinentes, se marcan un texto de varios párrafos que, hemos considerado tan interesante, que lo vamos a transcribir:

“Hace ya 25 años, cuando el JINETE DE LA MASCARA DE LA LUNA, vestido con su blanca bufanda, su blanca máscara y sus gafas de sol se convirtió en uno de los personajes de cómic más populares de todos los tiempos, superando incluso los de Flash Gordon y Superman. Cuando apareció por primera vez en las series de TV japoneses, alcanzó inmediatamente una fenomenal audiencia del 65 por ciento en la TV, lo que virtualmente dejó vacías las calles y plazas de las ciudades. Los niños se sintieron tan impresionados por este personaje, que sus distintivos (bufanda, máscara y gafas de sol) se vendieron por millones. Un gran número de jóvenes japoneses debieron ser hospitalizados diariamente con huesos fracturados, como resultado de tratar de imitar a su “HEROE”. Esto llegó a tal punto que, por la insistencia de un gran número de familias cuyos hijos trataron de “volar desde lo alto”, las autoridades se vieron obligadas a adoptar medidas para prevenir este síndrome. Pero los sentimientos alimentados por la gente hacia el JINETE DE LA MASCARA DE LA LUNA permanecieron inalterables a través de los años. Y ahora, nuestro héroe favorito ha vuelto a nuestro lado, su carácter y sus virtudes de bondad y justicia han permanecido incólumes, pero adaptadas a las realidades del día de hoy. Setsu Asakura, el pintor y escultor mundialmente famoso, diseño su vesturario y Takuya Yura diseñó la motocicleta. La “Super” motocicleta desarrollada de la HONDA de 750 cc, llevó seis meses para su remodelado y cuesta 40.000 dólares.

Con la ayuda de la más moderna y avanzada tecnología japonesa, la potencia de la motocicleta ha sido aumentada de 66 a 150 caballos de fuerza, y está equipada con varios dispositivos tales como los rayos ultras rojos y radar, paracaídas, sistema VTR, pantalla de humo y lanzador de aceite. Debe destacarse que estos dispositivos no han sido concebidos como armas mortales, sino solamente mecanismos defensivos. Este hecho juega un importante papel hoy día, pues existe ya demasiada violencia cotidiana en nuestras pantallas. Esta película debería servir para inspirar a nuestros hijos en el verdadero significado de “valor” y “justicia”.

“El Jinete de la Máscara de la Luna” combina espléndida e impresionantemente las persecuciones en motocicleta a increíble velocidad con maravillosas combinaciones de acción física. En todos los sentidos, nos ofrece la más moderna tecnología, en la que tanto destaca el Japón. No se utiliza un solo truco en aquellas escenas en las que el “bien” se enfrenta a lo “diabólico”. Esta película destaca también por su excelente fondo musical, con la presentación de un magnífico grupo rock-m-roll, THE NORTHERN LITES. “

Por último, queremos hablaros de una famosa parodia del personaje, tan famosa que se podría decir que tiene entidad propia. Se trata de Kekko Kamen, una heroína creada por el mismísimo Go Nagai (autor de Mazinger Z, Devilman, etc.), y que de formar similar a Gekko Kamen viste una máscara, bufanda, unas botas… y nada más, porque el resto de la ropa se la ha dejado en el armario, y por lo tanto, se pasea en cueros.

Para Kekko Kamen ha habido también adaptación en anime, y una serie de películas bastante conocidas, especialmente porque una de las reinas del porno japonés, Maria Ozawa, es la encargada de encarna al personaje.

Y un extra final, una parodia, parodiada; de Gekko Kamen a Kekko Kamen, y de Kekko Kamen a Kekko Kamen Rider.

ya hace tiempo que venimos insinuando a través de Twitter que la infame productora Mamonaku Films tenemos un nuevo proyecto de documental entre manos. Es más, incluso hemos dejado caer alguna pista en letra cursiva en algunos de los posts más recientes. Después de la gran experiencia que supuso para “Crónicas desde Cipango“, empezando por el viaje y todas aquellas personas que conocimos, y terminando dando tumbos por toda la geografía española para presentar el proyecto en varios salones del manga, nos quedamos con las ganas de volver a emprender un proyecto parecido, e intentar hacerlo con algo más de calidad (y experiencia). ¿Y qué íbamos a hacer? La primera idea fue hacer un reportaje sobre un próximo viaje a Japón, que nos llevaría a visitar algunos sitios menos típicos… pero documentales de viajes hay cientos, y quizás necesitábamos tener una idea algo más personal.

La respuesta la encontramos en el último Saló del Manga de Barcelona, concretamente en la misma sala de actos donde, un año antes, habíamos presentado “Crónicas desde Cipango“. Con mucho interés acudí a una mesa redonda con el título “20 años de manga y anime en España”, que con la ayuda de algunos de los pesos pesados de la industria del manganime, iba a dar un repaso a los 20 años de trayectoria que tenía el manga y el anime en España, y que más o menos coincide con la estrena de Dragon Ball en las televisiones autonómicas, y el estreno de Akira en cines. Genís de Misión Tokyo había reunido en una misma mesa a pioneros como Óscar Valiente, Manu Guerrero, Jose Luís Puerta, y a dos traductores de la “segunda ola”, Marc Bernabé y Ángel Ybañez.  En principio, una mesa de lujo y con un grandísimo potencial para desgranar estos 20 años, pero que por desgracia apenas pudo entrar en materia por culpa del tiempo limitado. Por supuesto que se habló de cosas muy interesantes, pero al salir de ahí me quedé con ganas de saber más sobre una época que nosotros vivimos con mucha intensidad. Esos primeros años del manga, las primeras ediciones de Dragon Ball, Ranma 1/2, Video Girl Ai o Kimagure Orange Road (entonces Johnny y sus amigos), de la ahora impensable cantidad de anime que se podía ver en las cadenas generalistas (que entonces eran las únicas), y por supuesto, las fotocopias. Pero también tenía mucho interés en saber como había evolucionado todo este mundillo que salió de la nada y para el cual nadie “respetable” dentro de la industria auguraba un futuro (“esto va a durar cuatro días”).

Estaba claro, lo teníamos decidido, íbamos a hacer un documental sobre estos 20 años de historia del manga y el anime. Muy bien, fantástica idea, ¿y ahora qué?

Desde hace ya varios meses estamos recopilando todo tipo de información de la presencia de anime y manga en la geografía española, ya fuesen datos sobre los animes que se han visto en cines o televisiones, como todos esos fanzines que aparecieron por todas partes, normalmente con una portada dedicada a Dragon Ball (y de donde salieron muchos de los profesionales actuales del sector). Algo que en realidad llevábamos un tiempo haciendo, pero sin tener muy claro para qué (algunos recordaréis los posts que hicimos sobre esos fanzines, o sobre Shonen Mangazine). Al final, todas esas búsquedas infructuosas en mercadillos o tiendas especializadas, tenían su razón de ser. Nuestra idea es poner orden, cronología y testimonios a estos 20 años. Y es que hay mucho que contar, sobretodo a las nuevas generaciones de lectores que casi nacieron con Internet bajo el dedo índice, y que apenas saben lo que es un fanzine de fotocopias “de toda la vida”, o aquellos que ahora dan por sentado que en toda tienda especializada en cómics hay una sección dedicada al manga (cuando antes apenas encontrabas 4 o 5 títulos). Así que para conseguir todo esto tendremos que hacer un gran trabajo de documentación y conseguir tantos fanzines y revistas como sea posible.

Pero aún más importante que esto ha sido contactar con aquellas personas que tomaron parte activa en la creación de la escena manga española, ya que sin ellos el proyecto no tiene sentido alguno. Poco a poco, y con la ayuda de buenos amigos, hemos podido conocer a algunas de estas personas que muy amablemente se han ofrecido a ayudarnos. Aunque aún nos faltan muchas más por contactar y convencer, y es a lo que dedicaremos nuestro tiempo en los próximos meses. Pero tal y como hicimos con “Crónicas desde Cipango”, para que la cosa no se eternice, vamos a marcarnos un objetivo concreto: estrenar el documental en el próximo Saló del Manga de Barcelona. ¿Lo conseguiremos?

Ojo, esto no termina aquí. Esta historia es demasiado ambiciosa para que se pueda explicar en profundidad en 50 minutos (el formato más adecuado para presentarlo en los salones), así que nuestro objetivo final es que esto acabe convirtiéndose en un libro, donde podremos contar con mucho más detalle como surgió, como explotó, y como evolucionó el manga y el anime en nuestro país. No será fácil, pero seguro será apasionante.

Para empezar vamos a ordenar cronológicamente todo esto… ¿alguien me ayuda?