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25
may
12

Orgullo friki, ¿sí o no?

por El Capitán 29 Comentarios
Categorías: Reflexiones y TLQM
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Saludos cosmonautas,

ayer anuncié a través de Twitter que no iba a organizar el típico “nexo #TLQM” de blogs para celebrar el Día del Orgullo Friki (que como sabréis se celebra porque fue un 25 de mayo cuando se estrenó Star Wars: A New Hope). No celebrarlo por mi parte responde a lo que ya planteaba en el post del año pasado, no le veo sentido.

Quizás lo mejor es que leáis primero el post del año pasado para entender mi postura, pero a modo de resumen,  no veo claro qué objetivo se persigue celebrando la efeméride. ¿Qué es lo que se reivindica? ¿En qué se basa ese orgullo? ¿Y qué necesidad existe para pregonarlo?

No olvidemos que hubo quien aprovechó el tirón del auge del frikismo para organizar una “celebración oficial”, con lo que el “Día del Orgullo Friki” parece tener un dueño, una marca registrada, que teóricamente le legitima a ser el pope de todo esto (y lucrarse un poco gracias a ello). Visto así, los motivos para no querer celebrarlo parecen evidentes. Pero es innegable que esto se ha convertido en algo popular, el público se lo ha apropiado, y querer delimitar lo que es la celebración oficial es como ponerle puertas al campo.

A día de hoy, creo que lo de ser “friki” (término que aborrezco, aunque siga utilizando) ya no es tan “raro” en una sociedad que se ha ido “frikizando” cada vez más. ¿Acaso no triunfan series como “The Big Bang Theory”? ¿No se petan los cines con Los Vengadores? ¿Seguro que eres un bicho raro por gustarte estas cosas? No, en realidad el friki de toda la vida es más mainstream de lo que se piensa, quizás lo que lo diferencia de los demás es lo lejos que lleva esa afición. ¿Es esto lo que se celebra?

Entiendo que hay una historia detrás. Durante décadas el aficionado a los cómics, el rol o la ciencia ficción era retratado de forma estereotípica como el gordo inadaptado social que vive en un mundo de fantasía. Se le marginaba por ello, aunque a menudo Hollywood ya se encargaba de ofrecerle la oportunidad de vengarse. Pero seguía existiendo un componente de burla social, de desprecio por ser aficionado a aquellos productos culturales que se consideraban de segunda. Y creo que durante años, y gracias a nuevas generaciones, sin necesidad de organizar “días del orgullo”, se ha ido ganando respeto por los cómics y cierto tipo de películas o videojuegos. Así pues, como decíamos antes, ya no es nada raro que a alguien le gusten los cómics o se gane la vida hablando de videojuegos. Coño, ¡si Game of Thrones es un best-seller!

Si los Días del Orgullo se celebran para reivindicar una notoriedad o un respeto en la sociedad, creo que esto es algo que ya se ha conseguido (hasta cierto punto). Pero estoy seguro que muchos piensan que aún queda mucho camino por recorrer. Así pues, me gustaría conocer vuestra opinión. ¿Realmente es necesario celebrar este día? ¿Realmente hay algo de lo que estar orgullosos?

Orgullo Friki, ¿sí o no?

PD: ¡y feliz día de la toalla!

22
may
12

“I am a hero”, zombies a la japonesa

por El Capitán 9 Comentarios
Categorías: Cómics, Japón y Manga
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Saludos cosmonautas,

debo empezar este post recomendando que os leáis el que hizo en su momento Marc Bernabé en su blog Mangaland sobre este mismo manga del que os queremos hablar desde la Arcadia. Más que nada, porque fue gracias a ese post que descubrí este fantástico manga de Hanazawa Kengo, “I am a hero”. En realidad, me puse a leer el manga incluso antes de leer el post, ya que sólo me hizo falta un tweet de Marc para ponerme a buscar alguna traducción del mismo (que afortunadamente encontré en una magnífica web que me recomendó el gran chusetto). Y quedé realmente impresionado sólo con las primeras viñetas.

Sabiendo ya de antemano que se trata de un cómic “de zombies”, seguramente a muchos les sorprenderá que en el primer tomo apenas pasa nada relacionado con la infección. El autor se atreve, o se da el lujo, de presentarnos poco a poco la historia de su protagonista, Suzuki Hideo, un mangaka mediocre, con tintes otakus y esquizofrénicos, que trabaja de ayudante para otro mangaka. En esas primeras páginas veremos como es su vida, no muy satisfactoria, e incluso se abrirán nuevas posibles líneas argumentales que te pueden hacer pensar que estás ante otro Bakuman (algo más marginal). Pero al final del tomo todo aquello que se había construido hasta el momento se va a pique. Y aunque pueda resultar algo extraño y desconcertante, considero que es un gran acierto por parte del autor, ya que el shock ante el suceso zombie es mucho más impactante, y consigue dejarte esa sensación de que quedan cosas por resolver, y que nunca más serán resueltas. En definitiva, lo que realmente pasaría si el mundo se fuera a la mierda.

Marc Bernabé describía también este manga como tremendamente japonés; y no puedo estar más de acuerdo en esta afirmación. Muchos de los mangas de éxito apenas muestran rasgos de la cultura japonesa, porque pasan en mundos imaginarios, o aunque transcurran en Japón, tienen esa “estética manga” que hasta cierto punto desjaponiza a los personajes. Pero “I am a hero” es uno de esos pocos mangas que he leído en la que los japoneses tienen cara de japoneses. Precisamente, lo que destaca por encima de todo es su fenomenal dibujo. Muy realista, pero no por ello falto de dinamismo y expresividad, ya que el autor se permite deformar a los personajes en plan cómico siempre que sea necesario. También es muy destacable el estilo cinematográfico que utiliza para contar la historia, con algunas secuencias de viñetas simplemente espectaculares (la del avión es tremenda).

Pero lo japonés de este manga no acaba sólo en el aspecto de sus protagonistas, ya que el comportamiento también encaja perfectamente con las ideas que tenemos sobre los japoneses. Ese respeto por la autoridad, el orden, y el colectivo, tiene su efecto en como el protagonista y los demás personajes afrontan la extrema situación, tardando mucho más en aceptar que las cosas han cambiado de lo que es habitual en las típicas pelis de zombies occidentales. Mostrando esa dificultad para el cambio, que tan japonesa resulta ser. Y eso nos pone de los nervios, ya que uno tiene ganas de gritar: ¡son zombies, mátalos a todos! Pero seguramente su reacción sea bastante más verosímil que la del típico héroe occidental que pasa de ser un mindundi a ser un Rambo en cuestión de minutos. Son estos, y mucho más pequeños detalles, los que configuran “I am a hero” como un acercamiento a la japonesa a la temática zombie. De hecho, los zombies/infectados no son los clásicos al estilo George A. Romero, sino algo mucho más retorcido, y una vez más, algo mucho más japonés. Ya que nos pueden recordar más a una Sadako de “The Ring” e incluso a la saga “Tomie”, que al típico zombie de Robert Kirkman en “The Walking Dead”.

Ya sea por el peso de la tradición, o simplemente por la lógica de la supervivencia, en cualquier tipo de obra de temática zombie se acostumbran a repetir algunos esquemas, y “I am a hero”, aunque consigue escapar de muchos de los tópicos (especialmente en los primeros temas), también tiene que claudicar y mostrarnos algunos de esos tópicos narrativos zombies (y esto no es necesariamente malo). Aún así, siempre lo hace con ese estilo tan propiamente japonés. Un ejemplo claro es la trama argumental que tiene lugar en una pequeña comunidad de supervivientes que viven en la azotea de un centro comercial. Tanto el sitio, como las dinámicas que se establecen entre esos supervivientes, son relativamente frecuentes, pero en este manga os podemos asegurar que son algo más retorcidas y desconcertantes, ¡Japanese style!

Terminaremos diciendo que Hanazawa Kengo no ha conseguido con “I am a hero” hacer uno de los mejores manga de zombies que existen, sino que ha conseguido hacer una de las mejores obras zombie que hemos tenido el placer de disfrutar. Ya sea por su estilo visual, su narrativa, argumento, personajes, o por esa capacidad de engancharte y no soltarte hasta haberte leído casi todos los tomos, creemos que es una obra que debería editarse en nuestro país, y que puede llegar tanto a los lectores de manga, los lectores de cómic en general, o simplemente a los aficionados a la temática zombie. ¡Que alguien lo edite ya!

18
may
12

Quiero ser un Marvel Zombie (con Àlex Santaló)

por El Capitán 9 Comentarios
Categorías: Cómics, Mamonaku Films y vídeos
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Saludos cosmonautas,

ya os contamos algunas de nuestras aventuras en el pasado Saló del Còmic de Barcelona hace unos días, pero faltaba el plato fuerte. Como os hemos ido contando en los últimos meses, nos hemos vuelto a reenganchar al Universo Marvel, pero conseguir ponerse al día no es tarea fácil con la cantidad de títulos y sagas que existen. Nosotros dejamos de seguir los X-Men más o menos cuando iba terminando la época de Grant Morrison (los llamados “Nuevos X-Men”), y desde entonces se podría decir que la forma de hacer de Marvel ha aposta muy fuerte por una serie de eventos/crossover muy potentes, que complican ese trabajo de recuperación y actualización.

Para conseguirlo, nos hemos puesto en manos de un experto Marvel Zombie, el dibujante Àlex Santaló (que conocéis de una Entrevista Pirata), quien nos ayudará a poner orden con algunas de las últimas sagas importantes que se han vivido en el Universo Marvel. No hablaremos de todas porque no hay tiempo, pero sí al menos de las dos o tres más importantes de los últimos 10 años.

Por cierto, al igual que con la peli de Los Vengadores, hay sorpresita final :) (y no os cortéis contadnos vuestras experiencias marvelescas en los comentarios)

16
may
12

Lo pasaremos guai: Hora de Aventuras

por El Capitán 19 Comentarios
Categorías: Series y TLQM
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Saludos cosmonautas,

lo sabéis, tenemos una norma, no hacer posts sobre “hits del momento” (nótese que nos hemos resistido a hablar de las pelis de Los Juegos del Hambre o Los Vengadores), pero de vez en cuando hay que saltarse estas normas, porque no hay más remedio. Y es que Hora de Aventuras es probablemente una de las series de dibujos animados más TODO LO QUE MOLA que han existido.

Llevábamos un tiempo oyendo hablar de estos dibujos, especialmente por el entusiasmo con el que Cels Piñol hablaba de la serie, pero pensábamos que sería una más de las series de Cartoon Network, que pueden estar bien para un ratillo, pero nada más. Un día, por casualidad, aterrizamos en Boing, y allí nos encontramos con unos dibujos al más puro estilo videojuego de Spectrum. Un par de bichos raros luchaban en la típica mazmorra contra la típica criatura del típico Dragon Quest (un sapo enorme). Aún no sabíamos que eso era Hora de Aventuras, pero nos quedamos pegados al televisor ante semejante alarde nostálgico chiptunero. Fue al terminar el capítulo que atamos cabos, y acabamos convencidos de que esta serie sí era algo distinto.

Días después empezamos a explorar la página web de Boing, y conseguimos ver unos cuantos capítulos. Nos tragamos unos cuantos de golpe, y cada mediodía durante una semana repetimos, con el mismo entusiasmo con el que Cels nos había hablado de la serie. Ya éramos fans.

“Adventure time” es una creación de Pendleton Ward, un tío curioso desde el nombre hasta su aspecto, que aún sin haber terminado sus estudios ya había tenido la idea juntar a un humano y a un perro multiforme en un mundo de fantasía. La idea de esta serie fue rechazada por Nickleodeon, quienes seguramente ahora se dan de golpes en la cabeza, ya que finalmente Cartoon Network apostó por ella sólo con ver el storyboard de  ”Enchiridion”.

Pendleton Ward, en teoría tiene sólo 30 años. 

“Hora de aventuras” sigue las peripecias de Jake el perro y Finn el humano, dos buenos amigos que se dedican casi que de forma profesional a ser aventureros. Siempre dispuestos a cualquier reto, ya sea rescatar una princesa de las garras del Rey Hielo, salvar al mundo de un agujero negro (que ellos mismos han creado), explorar mazmorras o encontrarse con dragones (para tirarse pedos en su cara). Viven en el País de Ooo, un planeta tierra post-apocalíptico que ha sido reconfigurado gracias a la magia, y en el que viven unas versiones algo alocadas de los típicos personajes de los cuentos de fantasía, espada y brujería. Y hasta aquí todo puede parecer más o menos normal, pero no lo es, en absoluto.

¡LOS CHUCHES!

“Hora de aventuras” es una de esas series que consigue entusiasmar tanto a pequeños como a mayores, porque siempre se puede disfrutar a dos niveles. Si bien hay una cierta lógica en como funciona el País de Ooo, llena de tópicos del mundo de la fantasía, sus autores siempre le dan vuelta y media al asunto. En inglés lo definen como algo “random”, es decir “aleatorio”, ya que cualquier cosa puede pasar, todo puede salir del patrón en cualquier momento para provocar la sorpresa, la carcajada, pero sobretodo, un gran WTF. Uno de los mejores ejemplos de esto son las canciones que pueden arrancar en cualquier momento. Y no son precisamente al estilo Disney.

Pero es que los personajes, si bien basados en tópicos, no son nunca planos. El Rey Hielo es el malo, pero uno no puede dejar de emocionarle su tristeza, y su aire campechano (ehem), la Princesa Chicle es adorable (pero cuidando no se enfade), y los mismos Jake y Finn, siempre ávidos de aventuras, pueden tener un día de lo más vago y rastrero. Por lo demás, hay una serie de personajes secundarios fantásticos (¿un dragón de arco iris que habla en coreano?), que a pesar de encajar a menudo con los típicos tópicos de la fantasía, siempre te sorprenden por algún giro inesperado.

La serie ha enganchado mucho a los roleros aficionados a juegos del estilo Dungeons & Dragons, ya que el mismo autor ha reconocido que es una fuente de inspiración. Pero la cosa no acaba ahí, hay referentes a miles de cosas #TLQM por todas partes, aunque algunas veces sea de forma disimulada (como los pequeños retazos del mundo apocalíptico que se dejan ver sólo de vez en cuando, y que dotan de una historia longeva al universo de la serie). En definitiva, se trata de una serie hecha con mucho cuidado, y que lleva un bagaje detrás muy importante, la clave para que buena parte del público culturalmente disperso la haya recibido con tanto entusiasmo.

Para despidir el post, os emplazamos al blog de Cartoon Network, en el que pudimos colaborar con Cels Piñol para redactar un post sobre el Cosplay y Hora de Aventuras (¡qué ilusión!).

Y un bonus. Aunque lo normal es que seamos nosotros los que entrevistamos, hace poco nos hicieron una entrevista en Otakufreaks. ¡No os la perdáis!

08
may
12

Saló del Còmic 2012: pies destrozados, tiempo aprovechado.

por El Capitán 12 Comentarios
Categorías: Cómics y Manga
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Saludos cosmonautas,

se fue, se terminó, el 30 Saló Internacional de Còmic de Barcelona ya es historia. Un Saló que, como ya hemos comentado, se puede recordar por muchas efemérides: los 20 años de la publicación de Dragon Ball, los 30 años de Planeta deAgostini Comics y del mismo Saló, o los 40 años de Mazinger Z. Había mucho que celebrar, y se celebró. Y ahora toca valorarlo desde nuestro punto de vista totalmente subjetivo. No esperéis que os hablemos de récords de asistencia, o de la cantidad de metros disponibles, sino de nuestra visión como un visitante más.

Lo que sorprende a más de uno al llegar es el protagonismo que tienen los stands promocionales de películas. Ese cabezón gigante de Prometheus, esa pseudo-celebrity de Gran Hermano promocionando la última de Sacha Baron Cohen, o el circuito de tiro GIJoe (aunque ninguno de ellos tan emocionante como los del Capitán América o Thor del año pasado). Sin duda, el matrimonio del cómic con el cine está siendo provechoso, y con la película de “Los Vengadores” ha llegado a un punto álgido. Lo que no tenemos tan claro es que el beneficio sea mutuo.

Ilustración del Rey Mono en el stand de China, el país invitado de este año. ¿Va en serio esta vez?

Seguramente nos repetiremos un poco respecto a otros años, pero una de las ya clásicas críticas a los salones (sean del cómic o del manga), es que apenas quedan ya atisbos de ese “mercadillo” que era antaño. Desde hace años las novedades del mercado editorial son lo que más destaca junto a la ingente cantidad de merchandising. Hay supuestas tiendas de cómics que apenas dedican una pequeña mesa de su stand de más de 6 metros para la lectura, y todo lo demás es para figuras, camisetas y otros objetos. Y en realidad no es nada que no puedas encontrar en casi cualquier tienda especializada.

Los fans de Hora de Aventuras han tenido una presencia destacable en este Saló. ¿Queréis que hablemos de esta pedazo de serie?

Por otro lado, y ya de forma más positiva, la cuestión de las exposiciones ha sido uno de los puntos fuertes. El tema de la robótica da para mucho, y  se ha aprovechado bastante bien el espacio para poder ver las distintas encarnaciones literarias, cinematográficas o en formato cómic de estas creaciones tan asimovianas. Con el plus de poder ver a muchos robots en acción, ya fuera en el “ring” de competiciones, o con Tibi y Dabo soltando rollos al personal.

No es que tenga mucho que ver con los robots (¿el cybermen quizás?), pero nuestros dos Doctors favoritos asomaron la cabeza por la exposición.

En resumen, mucha promoción y novedad y poca chicha, vendría a ser ya la crítica que le hacemos a este salón (y seguramente a los venideros). Pero también es cierto que existe disparidad de criterios respecto a lo que tendría que ser un evento así. Algunos aborrecen totalmente la cuestión comercial y les gustaría ver un Saló que realmente se dedicara a promocionar el cómic como forma de expresión, y no simplemente a vender (algo que compartimos a medias – ya que nos cansa tanta novedad editorial, pero nos gusta que haya tiendas para buscar y escarbar). Para otros, un salón no es interesante si no se sacan noticias editoriales interesantes, o no se pone a la venta el último bombazo. Y no nos engañemos, para muchos, y nos incluimos, un salón es un evento social puro y duro.

Haciendo la mili junto a Marc Pastor (entrevista pirata), creador del término “culturalmente disperso”.

De hecho, a pesar de nuestras críticas, debemos reconocer que la mayor parte de nuestras compras son pura y simplemente novedades. Pero es que este año, la cuestión social nos ha quitado el tiempo necesario para poder revisar los cajones en busca de cosas interesantes. Aún así, no se puede decir que no hayamos aprovechado el tiempo. En breve tendréis un vídeo que realizamos con Àlex Santaló, dibujante y Marvel Zombie, en el que nos explicará todo lo que hay que saber para reengancharse al mundo Marvel. El domingo fue seguramente el día que mejor aprovechamos. Pudimos podido grabar un interesante reencuentro de dos veteranos saloneros que estuvieron trabajando en el stand de Dragon Ball hace 20 años (algo que veréis en el documental que tenemos en el horno). Hubo tiempo de pasar por Catalunya Radio para hacer nuestras valoraciones del Saló, y volvimos corriendo a la Fira de Barcelona para ver Free Acid, el cortometraje culturalmente disperso de Víctor Recort que nos dejó muy buen sabor de boca.

Gina Tost y Jordi Sellas, en plena discusión sobre el Saló. Podéis recuperar el podcast del programa clicando aquí.

Pero uno de los puntos álgidos de este domingo no lo vivimos dentro del propio Saló, sino a unos pocos metros, en el lobby del Hotel Plaza Catalonia. Y es que allí tuvimos el placer y el honor de poder estrechar la mano que creó a uno de los iconos de treintañeros y cuarentañeros de nuestro país. Mazinger Z, Devilman o Cutey Honey son algunas de sus más famosas creaciones, y Go Nagai, el nombre, el hombre. Aunque todo hay que decirlo, quedó algo empequeñecido a nuestro lado.

La camiseta de Kamen Rider que llevo no es por casualidad. ¿Alguien sabría decirme qué relación tiene con Go Nagai?

Además, podemos considerarnos unos afortunados, ya que finalmente conseguimos apoderarnos de una las codiciadas estampitas dedicadas. No es un dibujo dedicado, pero no podemos quejarnos en absoluto.

Para terminar, os dejamos la foto de las compras saloneras. Bastante variadas, y es que ya cada vez nos estamos dispersando más en cuestión comiquera. Y ahora sí, nos despedimos de este Saló que, a pesar de las críticas, sigue siendo un evento que disfrutamos al 100% cada año, y en el que nos dejamos los pies de tantas horas recorriendo de punta a punta el recinto. Que siga siendo así 30 años más.

07
may
12

Entrevista Pirata: Nikotxan y la vuelta de Cálico Electrónico (3a parte)

por El Capitán 4 Comentarios
Categorías: Entrevistas y vídeos
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Saludos cosmonautas,

han pasado meses y meses, pero finalmente os mostramos la última parte de la entrevista que le hicimos a Niko, célebre papá de Cálico Electrónico. Y lo hacemos hoy, 7 de Mayo de 2012, día elegido para el estreno de la esperada 4a Temporada de Cálico Electrónico. Después de unos añitos haciendo sólo algunos cameos, el superhéroe más bajito de la galaxia, el rapsoda más cerdaco del mundo, vuelve a la palestra. ¡Ya era hora! Así que, antes de dirigiros a la web de Cálico Electrónico para ver el estreno mundial, aquí tenéis a Niko que nos contará algunas cosillas; entre ellas, planos de futuro que ya son presente. Así, en plan fast forward.

Recupera las anteriores entregas, seguramente mucho más locas que esta (en la que el orujo ya estaba de bajón):

PRIMERA PARTE, SEGUNDA PARTE. Y EL TRAILER CROSSOVER.

04
may
12

Saló del Còmic 2012 de Barcelona: los 20 años de Dragon Ball

por El Capitán 4 Comentarios
Categorías: Cómics y Manga
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Saludos cosmonautas,

ayer mismo se inauguró la 30ª edición del Saló del Còmic de Barcelona, una fecha ya de por si a celebrar, pero para nosotros coincide con otras efemérides importantes. Primero, celebramos los 20 años de nuestro primer Saló, que por entonces se celebraba en el Mercat del Born, y que recuerdo muy bien por dos motivos. El primero, porque mi padre me  atropelló un pie con el coche justo al bajar para ir al Saló. El segundo, porque pude conseguir por primera vez material “oficial” de Bola de Drac. Y es que ese Saló coincidía con la inminente publicación del manga de Dragon Ball/Bola de Drac en su ya histórica serie blanca (siendo las dos primeras ediciones no japonesas de dicho manga), y en el stand de Planeta entregaban postales y un librito con imágenes de la serie, para acompañar la exposición dedicada a Toriyama.

Abajo en pequeño pone: “Esta fotocopia cuenta con la autorización expresa de los titulares de los derechos.” Es decir, se trata de una “fotocopia original y oficial”, el concepto tiene tela.

Para celebrar tan importante aniversario, la gente de Planeta regalará en este Saló un facsímil de ese primer número de la serie blanca con algunos textos extra que recuerdan esa entrañable época. Y podéis estar seguros que esto nos servirá para nuestro proyecto sobre los 20 años de manga y anime. Aprovecharemos el tiempo en este salón.

Por cierto, nota curiosa. El mismo año que celebramos estos 20 años del primer desembarco manga en el Saló del Còmic de manos de Dragon Ball, todo el mundo está hablando del espectacular stand de China, país invitado en esta edición. Una metáfora con múltiples interpretaciones.

Pero no sólo de manga vive el culturalmente disperso (si no, no sería disperso), y hay muchas otras cosas que nos interesan de este salón. De entrada, descartamos ya intentar conseguir una firma de Go Nagai, creador de Mazinger Z, ya que parece que el señor no tiene muchas ganas de dibujar o firmar, y simplemente regalará algunas estampitas a los afortunados ganadores de un concurso. Sin comentarios.

Como ya sabréis, el tema principal de este Saló son los robots, uno de esos grandes iconos de la ciencia ficción que tanto gustan aquí en la Arcadia; y que tan buena relación tienen con los japoneses, se podría añadir. Hace ya unos días acudimos a la exposición “Almas de Metal” de Cels Piñol en el Hotel Anglí, que forma parte del conjunto de actividades robóticas saloneras. Y ahora nos quedaría ver la exposición “local”, titulada “Robots en su tinta”, que hace un exhaustivo repaso a los robots de la literatura, el cine o el cómic. El visitante, incluso podrá interactuar con algunos robots parlanchines que pulularán por la Fira de Barcelona.Y si no tenéis suficientes robots, la gente de Phenomena Experience ha montado una maratón robótica en el Cine Urgel (Matrix+Almas de Metal+Programado para Matar).

Pero volvamos a Cels Piñol otra vez, ya que el domingo a las 19h podremos verle en acción en un corto dirigido por Victor Recort, quien emulará a Kevin Smith contando una historia de amor de un fanboy. Titulado “Free Acid”, el corto también se inspira en series como The Big Bang Theory y Spaced. Curiosamente conocimos a Víctor en el pasado Saló, y ahora por fin se estrenará, un año después.

Estas son sólo algunas de las múltiples actividades que nos depara este fin de semana, y encontraréis muchas más en la web de Ficomic. Para terminar, os dejaremos con algunas de las compras que tenemos en mente para este Saló. Aunque como siempre, nos gusta encontrarnos con sorpresas y rebuscar entre los cómics antiguos (sí, antes el Saló servía para eso más que para las novedades).

BASTARD!! de Kazushi Hagiwara (Complete Edition)

Ya compramos en su momento la primera edición de Planeta de Agostini, y nos encantaba. Sí, tiene muy mala fama el manga, pero nos partíamos el culo y había muchas bromas sobre Metal. Lo que ahora edita Planeta no es la típica reedición, sino que el autor ha redibujado el manga por completo. Y os podemos asegurar que la cosa ha cambiado mucho, muchísimo. Tanto, que ahora más que un manga de espada y brujería con tintes eróticos, se ha convertido en un manga porno con tintes de espada y brujería. Así de claro. Ya sea por curiosidad, o nostalgia, nos haremos al menos con el primer volumen.

LAS VACACIONES DE JESÚS Y BUDA de Hikaru Nakamura

Desde que leímos por primera vez en Mangaland sobre este manga, se había convertido en uno de esos mangas que te encantaría que editaran, pero para el cual tienes cero esperanzas. Pero Norma Editorial nos sorprende y lo saca. A ver lo que duran las aventuras de Jesús y Buda en la actualidad, siendo compañeros de piso. No, no me refiero a ver lo que duran viviendo juntos, sino a ver lo que dura la publicación de este manga aquí…

SIMIOCRACIA de Aleix Saló

Seguro que la mayoría de vosotros ya sabéis de sobras quien es Aleix Saló, se le empezó a conocer por un vídeo sobre la visita de Ratzinger Z a Barcelona, poco después lo petó con el corto animado sobre la crisis que servía para promocionar su trabajo “Españistán”, y ahora con otro vídeo y “Simiocracia” ha vuelto a dar la campanada. Quizás no tantos recordéis que entrevistamos a Aleix mucho antes de todo este boom, principalmente por su fantástico análisis de la llamada “Generación Burbuja” en el que fue su primer trabajo publicado (viñetas diarias aparte). Vamos, que casi podríamos fardar de tener buen ojo para identificar los nuevos talentos, ¿no?

JUEGO DE POLTRONAS by Nacho Fernández

Nacho Fernández es un clásico de las parodias. Famoso por ser uno de los autores de Dragon Fall, parece que se le ha podido aplicar durante un buen tiempo lo de que uno no es profeta en su tierra. Pero “Juego de Poltronas”, una divertida parodia de “Game of Thrones”, vuelve a demostrar que casi 20 años después sigue siendo capaz de arrancarnos una sonrisa o incluso una carcajada con su forma de pervertir nuestras obras de cabecera. Este ya hemos empezado a leerlo, y que los Stark se hayan convertido en vascos y se llamen Starkagorri, es un puntazo. Se acerca el invierno… se acerca la rasca.

A todo esto podéis añadirle recopilatorios de Marvel varios, puede que el primer número de Mazinger Z, y alguna cosillas más. ¡A disfrutar del Saló! (Mierda, creo que necesitaré más estanterías Billy…)

26
abr
12

Ashita no Joe: del manga al icono social

por El Capitán 10 Comentarios
Categorías: Anime, Crítica y Manga
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Saludos cosmonautas,

hoy saldamos una deuda que tenemos con los cosmonautas desde hace tiempo, y especialmente con Marc Bernabé (ahora os contamos porqué). Hace ya bastante tiempo nos pusimos a leer uno de los mangas deportivos más importantes y populares de la década de los 60, “Ashita no Joe” (“Joe del mañana”) de Tetsuya Chiba e Ikki Kajiwara (seudónimo de Asaki Takamori). Y aunque Marc tuvo la gentileza de prestarnos unas bonitas fotos para ilustrar el post, terminamos olvidándonos. Así que vamos a corregir esto.

“Ashita no Joe” empezó a publicarse el 1 de Enero de 1968 y se alargó durante cinco años, hasta el 13 de Mayo de 1973. En 1970 fue adaptado al anime por primera vez, después vendría una película de animación en 1980 y una segunda serie de anime poco después. Más recientemente, hace poco más de un año, se pudo ver una versión live-action sobre la vida boxeadora de Joe Yabuki (aunque tenemos sospechas de que se hizo alguna otra en los setenta). Y aunque este nivel de impacto que hacen suponer todas estas adaptaciones es bastante habitual en la mayoría de mangas de éxito, os podemos asegurar que lo de “Ashita no Joe” es un caso aparte, Joe se convirtió en un icono para muchos japoneses.

El manga nos cuenta la historia de un joven conflictivo llamado Joe Yabuki, que se dedica a robar y crear problemas por todas partes. Durante una pelea, Danpei Tange, un exboxeador, se fija en él y propone entrenarle. Joe Yabuki termina aceptando, pero en realidad acaba tomándole el pelo a Tange, y después de varias trifulcas es detenido por la policía y mandado a un reformatorio. En lugar de tirar la toalla, y con la esperanza de convertir a Joe en un gran boxeador, Tange acaba consiguiendo entrenar a Joe incluso estando encerrado. Allí empieza a forjar amistades y enemistades con otros boxeadores, que le animarán a entrenarse para convertirse en un boxeador de verdad cuando salga del reformatorio (aunque él, desde el minuto uno, siempre cree que es el mejor). Hasta aquí la premisa inicial del manga, que lógicamente seguirá avanzando y creando un par de momentos históricos del manga, desde el propio final hasta la muerte de uno de sus personajes.

La historia no avanza tan rápido como puede ocurrir en mangas más modernos. Se toma su tiempo para explicarnos quienes son los personajes y definir su personalidad, y al leerlo tienes la sensación de estar acompañándoles día tras día, sin perderte casi nada. No se trata de una de esas historias en las que año tras año el protagonista se va enfrentando a nuevos retos, con grandes elipsis, sino que todo se condensa en una época muy determinada de la vida de Joe. Gracias a esa proximidad, a ese contacto más cercano, empiezas a tenerles una estima considerable, y son capaces de emocionarte (lo cual explica el revuelo que causó el manga).

Como os podéis imaginar, siendo un manga de los 60, a día de hoy el dibujo puede parecer anticuado ante los ojos de cierto tipo de lectores. Lo cual no significa que no sea bueno. De hecho, pensamos que Chiba hizo un grandísimo trabajo, con un estilo claro y muy pulido, e incluso con algunas reminiscencias tezukianas evidentes (y con una representación de la acción mucho más comprensible que en algunos mangas deportivos más modernos). Las influencias de Tezuka también se notan en el tipo de humor que se utiliza a lo largo de la obra (bastante inocente, a veces incluso “fujiko-fujiosea”), y que le quita hierro a una historia que en muchos casos es realmente dramática y triste. Los contrastes entre la comedia y el drama son continuos, y eso le da un toque especial al manga.


Como os decíamos, “Ashita no Joe” se convirtió en todo un icono para ciertas clases sociales niponas, que en los años sesenta se encontraban inmersos en un período agitado, pasando por el crecimiento económico, pero también por la lucha estudiantil y muchas protestas que acabaron en nada. De hecho, como nos cuenta Marc Bernabé en su post en Mangaland, el llamado Ejercito Rojo japonés (extrema izquierda armada), al secuestrar un avión se autoproclamaron como los “Joe del mañana” (ya véis, en Japón, hasta los terroristas son otakus).
Pero quizás más increíble que esto, fue la cuestión del funeral. Aunque es de dominio popular, no os diremos quien es el muerto, por si acaso. El caso es que fue tan traumática la muerte de ese personaje, hubo tantas protestas, que se acabó organizando un funeral real para éste. Los fans querían desperdirse de un personaje que habían llegado a querer tanto, que no podían dejarle ir sin dedicarle una ceremonia budista, que tuvo lugar en la misma editorial del manga.

Estos dos ejemplos dejan muy claro hasta qué punto la historia de Joe Yabuki caló entre los japoneses, y porqué es seguramente uno de los manga más recordados de todos los tiempos. Y además, todo un hito en los llamados “spocon”, los mangas deportivos. Aunque os podemos asegurar que el típico “espíritu de sacrificio” no es algo que encaje mucho con Joe, que tiene una forma muy particular de enfrentarse a los retos.

Seguramente jamás veremos una traducción en español del manga, pero al menos podréis encontrar la versión anime. De todos modos, intentad haceros de alguna manera con él, porque es historia del manga en mayúsculas, y además, con disfrute garantizado. Y es que a pesar de lo gamberro, chulo, soberbio,  y tantos otros defectos del malcarado Joe, este bala perdida se hace querer.

 Fotos de una escena muy especial del manga, sacada en Nakano (cerca del Mandarake), cortesía de Marc Bernabé, y que por fin me he decidido a subir.

23
abr
12

Libros, libros, libros. Sant Jordi 2012

por El Capitán 5 Comentarios
Categorías: Cómics y Libros
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Saludos cosmonautas,

como hemos hecho más de una vez en anteriores 23 de Abril (Diada de Sant Jordi en Catalunya, el día de la rosa y el libro), hoy toca haceros algunas recomendaciones arcadienses para regalar o compraros para vosotros mismos.

Las Nieblas de Avalón de Marion Zimmer Bradley

Ahora que gracias a Game of Thrones o El Nombre del Viento se ha puesto tan de moda la literatura fantástica de carácter más o menos medieval, os queremos recordar un libro que leímos hace ya unos cuantos años, pero que nos sorprendió gratamente.

Las Nieblas de Avalón nos cuenta la archiconocida historia del Rey Arturo desde un punto de vista muy distinto al habitual, el de las mujeres de la historia. Casi siempre, las historias de caballeros han sido contadas a través de los ojos de los hombres, y las mujeres han tenido un papel puramente testimonial. Marion Zimmer Bradley quiso darles voz a estas olvidadas. Aunque la historia empieza a contarse desde el punto de vista de Igraine, madre de Morgana y Arturo, poco después será la famosa hechicera la que tome el relevo.

El libro va a sorprender a aquellos que conocen bien los mitos artúricos, ya que aquí la historia cambia considerablemente. No porque el argumento sufra alguna variación, sino porque se incide en detalles que convierten la historia en algo más real y menos mítica. No sólo el punto de vista femenino humaniza más la historia, sino también la importancia que toma la cuestión religiosa en la historia. Es muy interesante el enfoque del tema del paganismo de un Avalón enfrentado al cristianismo, que poco a poco va ganando terreno e influencia por encima de la antigua religión.

Una original y apasionante forma de reinterpretar los mitos del Rey Arturo. (Y si os quedáis con ganas de más o queréis haceros un pack temático, podéis leer nuestro post sobre Camelot 3000, y de paso ver la peli “Excalibur”, fabulosa – existe un telefilm de la novela, pero no vale la pena).

Guerra Mundial Z de Max Brooks

Aunque este libro ya es bastante famoso, seguramente lo es más la Guía de Supervivencia Zombie del mismo autor (que no deja de ser una curiosidad divertida). El hijo de Mel Brooks parece que se ha convertido en todo un autor zombie, y con este libro sorprendió con una propuesta original para contar la enésima apocalipsis zombie.

Como si se tratase de un informe para la ONU años después de la llamada Guerra Z, el autor va buscando testigos alrededor del mundo que le ayuden a explicar la invasión de los zombies y la guerra librada contra ellos para conseguir salvar a la humanidad. Esta idea le da cancha libre al autor para realizar un muy interesante ejercicio literario de temática zombie, con gran variedad de historias originales de supervivencia alrededor del mundo. Situaciones como la vivida dentro de un submarino militar desertor, la experiencia de un hikikomori saltando de piso en piso para escapar, e incluso la historia de como se creó un plan para garantizar la supervivencia de parte de la población a costa del resto. Contadas más o menos de forma cronológica, poco a poco vamos reuniendo pedazos de un mosaico que forma la historia oral de la guerra zombie.

Si os gusta la temática, no lo dudéis. Es uno de esos libros que se lee en pocos días, y no porque sea corto.

Top 10 de Alan Moore & Gene Ha & Zander Cannon

Porque hoy también se pueden regalar cómics (hoy y cada día), os recomendamos uno de los cómics de cabecera aquí en la Arcadia. Seguramente no sea uno de los más famosos de Alan Moore, pero Top10 es probablemente uno de los cómics de superhéroes más originales que hemos leído jamás. La acción se sitúa en Neopolis, una ciudad en la que todos y cada uno de sus ciudadanos tiene superpoderes y se viste como un superhéroe o un supervillano. La acción se centra en los que se encargan que esto no se salga de madre, una superpolicía que tiene que resolver super problemas.

Si ya conocéis a Alan Moore, y sobretodo obras como Tom Strong o Tomorrow Stories, os podréis imaginar lo explosivo de este cóctel. Algunas de las situaciones que se plantean sólo se pueden describir como surrealistas, porque decir que son originales es quedarse corto. Pero aún asi, en el fondo, Top10 no deja de ser como la típica serie de policías, en la que veremos como resuelven casos al mismo tiempo que siguen adelante con sus vidas, no siempre sencillas.

Alan Moore dejó la serie sin acabar después de 12 números, y aunque varios autores han seguido explotando el mundo de Top10, esos primeros siguen siendo las mejores entregas. Por cierto, no os perdáis la cantidad de pequeños homenajes que aparecen en muchas de las viñetas (principalmente a través de pequeños cameos).

Y hasta aquí nuestras breves recomendaciones #TLQM para hoy. Si queréis más, podéis buscar en el blog a través de la etiqueta Libros. Y os animamos a dejar vuestras recomendaciones en los comentarios. Bona diada de Sant Jordi!

16
abr
12

El Príncipe de Maquiavelo, el manga

por El Capitán 9 Comentarios
Categorías: Cómics, Crítica y Manga
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Saludos cosmonautas,

seguramente serian pocos los que habrían apostado por la arriesgada propuesta de Herder Editorial. En un momento en el que el manga no pasa por unos momentos boyantes en nuestro país, la idea de publicar mangas que adaptan clásicos de la literatura/filosofía universal parecía una locura. Pero ya vamos por la tercera entrega de estos manga, así que todo indica que la propuesta ha tenido una buena acogida (de hecho, el primer título va por la tercera o cuarta reimpresión, y el segundo por la segunda).

Ya os hemos contado nuestras impresiones sobre “Así hablo de Zaratustra” de Nietszche o “La Divina Comedia” de Dante, y lo cierto es que esta nueva entrega, “El príncipe” de Maquiavelo, es algo distinta. Si hasta ahora estos manga adaptaban una obra en concreto, lo que nos hemos encontrado ahora es con la biografía del autor, que entre otras cosas explica el proceso de creación del texto en cuestión, al tiempo que nos va contando algunos de los principios básicos del mismo. En realidad, no deja de ser una forma interesante de abordar un texto que quizás sería más complicado de adaptar.

Pero quizás sea necesario ponernos en antecedentes. “El Príncipe” es un tratado que escribió Maquiavelo, un burócrata de la Florencia de finales del XV y principios del XVI, para educar al próximo governante de la ciudad en el ejercicio del poder. Se ha comparado este trabajo con obras como “El arte de la guerra” Sun Tzu, que tanto éxito ha tenido entre ejecutivos, empresarios y yuppies en general. Ambos tratados siguen siendo una inspiración en varios ámbitos, y de hecho, como ya sabréis, aquí encontramos el origen del concepto/adjetivo “maquiavélico”.

Como ya os decíamos, el manga en realidad hace un repaso a la vida de Nicolás Maquiavelo para explicarnos como los sucesos históricos del momento, así como su experiencia en la vida política, le ayudaron a crear “El Príncipe”. Así pues, este manga tiene un carácter histórico, en el que continuamente se van repasando las trifulcas que existían entre los pequeños estados italianos, cuando aún no eran un país unificado. Entran en juego los famosos Borgia, el Vaticano, así como los franceses e incluso los españoles. Y en medio, Maquiavelo, un florentino preocupado por la seguridad de su ciudad, que ansia volver a conquistar Pisa para abrirse al mar.

De los tres títulos que hasta ahora ha publicado Herder, “El príncipe” es probablemente el manga con carácter más didáctico e incluso “práctico” de los que hemos leído hasta ahora. Lógicamente, esa era la intención de Maquiavelo con su trabajo, pero la forma de transportarlo al cómic, con esas contínuas dosis de historia, hacen que su lectura se parezca más a un libro de texto que a un manga. Especialmente al principio, cuando hay que explicar el complejo contexto histórico, el manga se vuelve ciertamente algo pesado, farragoso, ya que la acción es nula. Poco después, cuando Maquiavelo toma el protagonismo, la lectura se hace más llevadera y poco a poco se va volviendo más interesante, a la par que instructiva. Entenderemos fácilmente cuales son las bases del “maquiavelismo”, y las interesantes, aunque no necesariamente vigentes, teorías sobre los modelos de gobernante.

Como sucedía en los otros manga, que siguen sin firmarse (aunque sabemos que proceden de la editorial East Press Co y el editor Kosuke Maruo), el dibujo es puramente funcional, y por lo tanto, con mínimas pretensiones artísticas. Pero no debemos olvidar la función o propósito que tienen este tipo de mangas. No intentan contar una historia, sino aportar algunos conocimientos de cultura popular al lector. Si esto es lo que se persigue, creemos que “El príncipe” en versión manga realmente lo consigue.

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