nuestro invitado, que ha tocado muchos palos en todo lo relacionado con la cultura Pop, es sobretodo conocido por tener un blog referente en el tema, el explícito www.viruete.com. En la entrega de la Entrevista Pirata de hoy sucede algo que no había pasado nunca, y es que consta de una sola pregunta: ¿qué es Viruete.com? Y nuestro invitado nos sorprendió con una respuesta de 11 minutos, ¡sin pausa alguna! ¡Épico!
Sí, podríamos haber editado la pregunta como hemos hecho en otras ocasiones, pero realmente creemos que los fans de Viruete agradecerán escuchar toda la historia de la página desde sus inicios hasta la actualidad, con datos como la “invención” del término “gafapasta”, y muchos apuntes interesantes más. Además, se hacía difícil cortar por algún lado, Viruete es elocuente, tiene discurso, y eso siempre, siempre, es de agradecer para el que escucha.
no sé como he podido tardar tanto en dedicar un post al que sería uno de los grupos a los que más cariño le tengo. Uno de esos grupos que forman parte de mi ADN musical, y que aún tengo uno de sus conciertos en mi podio de honor de los mejores conciertos de mi vida. Estoy hablando de los grandísimos Sangtraït, seguramente uno de los pocos, por no decir el único grupo de Heavy Metal catalán (y que cantaban en catalán) que tuvo una repercusión considerable en Catalunya. De hecho no ha vuelto a suceder jamás algo parecido.
Un foto muy precoz de Sangtraït.
Sangtraït empezaron a formarse en la Jonquera (en la frontera con Francia) ya en 1979, pero no sería hasta 1982 cuando serían un grupo más o menos sólido. Por esa época se llamaban Los Bomberos Atómicos (algunos de ellos se habían puesto a trabajar de bomberos pensando que tendrían tiempo para ensayar), pero no sería hasta 1988, con el cambio de nombre y de cantante, que llegaría su debut discográfico: “Els Senyors de les Pedres” (los señores de las piedras). El disco era una mezcla de canciones Hard Rock y Heavy Metal con un aire bastante setentero aún, y que tenía la curiosidad de contar con un saxofonista (el mítico Papa Juls), que le daba un aire muy personal a la banda. También destacaban sus letras, que tanto podían ser misteriosas y épicas al más puro estilo Heavy Metal (muchos temas medievales o mitológicos), como más cachondas y “de bar” (normalmente los temas más Hard-Rock). Aparte del himno “Els Senyors de les Pedres”, en ese disco apareció una de las canciones más queridas y recordadas de la banda, y también una de las baladas catalanas más populares: “El vol de l’home ocell”, la historia de un hombre que quería ser pájaro.
Ya en pleno apogeo del movimiento del Rock Català, en 1990, Sangtraït editaron su segundo disco: “Terra de vents” (tierra de vientos). Lo cierto es que el grupo apareció justo en el momento en que se empezaba a mover el Rock en catalán, y no hay duda de que usaron ese empuje a su favor (aparecieron en los mismos recopilatorios que hicieron famosos a muchos de los grupos de Rock Català: Sopa de Cabra, Els Pets, Sau, Lax ‘n’ Busto, etc.). En esa época no se hacía demasiado extraño ver a Sangtraït entre esos grupos (que se hiciese música en catalán ya era suficiente), pero visto con perspectiva está claro que el grupo se desmarcaba mucho del resto musicalmente.
Si su disco debut ya había llamado la atención con unas buenas 10.000 copias, “Terra de vents” fue el empuje que necesitaban para empezar a moverse por toda Catalunya. El disco suponía un considerable salto cualitativo, ya fuese por una producción algo más potente como por unos temas mucho más compactos, el estilo de Sangtraït cada vez estaba más definido. De ahí salieron dos grandes clásicos de la banda, “Inqui-missió” y “Sang en el fang”, este último es seguramente uno de los más populares, y un buen ejemplo de esa mezcla de Heavy Metal con el sonido del saxo.
“Inqui-missió” era uno de esos temas pesados, donde las letras medievales Heavy Metal brillaban más, y que mostraban el lado más épico de Sangtraït.
Sin apenas tiempo para respirar, Sangtraït se metieron de nuevo en el estudio y parieron el disco más famoso de la banda, “L’últim Segell” (el último sello), el que definitivamente les consolidaba en el panorama musical catalán, y que además consolidaba definitivamente su particular estilo, subiendo el ritmo de las canciones, y recreándose en la épica que tan bien sabían plasmar en canciones Heavy Metal (sin necesidad de hacer Power). Prácticamente todos los temas de las cara A del disco son clásicos absolutos de la banda (por entonces el vinilo seguía siendo lo más vendido, y tenía su importancia y su lógica donde se colocaba cada canción).
“L’últim Segell”, el “master of puppets” de Sangtraït.
Empezaba por “Furtadora d’ànimes”, cuyo parón en el que Quim Mandado grita “no hi ha qui el pari!” es uno de esos detalles que convirtieron la canción en clásico al instante. Una canción rápida, épica y que habla de uno de esos grandes temas: la muerte.
Y sin dejarte tiempo para respirar, aparecen con “El guerrer”, puro Heavy Metal para hablar del horror de la guerra.
Si al principio os decíamos que “El vol de l’home ocell” fue una de las grandes baladas catalanas, con “Somnis entre boires” la banda de la Jonquera nos demostró que tenían un talento especial para componerlas, en la mejor tradición de las Power Ballads. Aquí os la mostramos en una versión especial del último concierto de la banda:
Ese 1991 fue muy especial para la banda, no sólo editaron uno de sus discos más famosos, sino que además participaron en el mítico concierto que se celebró en el Palau Sant Jordi junto a Sopa de Cabra, Els Pets y Sau, con 22.104 se batió el récord europeo de asistencia a un concierto en un recinto cerrado. De ahí apareció el disco “Sangtraït al Palau Sant Jordi”, del cual han salido la mayoría de vídeos de este post, y que nos ofrece a la banda en sus momentos más dulces.
Después de haber llegado a lo más alto Sangtraït se sacaron de la manga un nuevo trabajo que refinaba todo lo que habían conseguido con “L’últim segell”, y además lo llevaba a otro nivel con la incorporación de las influencias más Ópera Rock de bandas como Queen (aquí se recrearon en su habilidad en cuanto al tema vocal). El título era realmente descriptivo, “Contes i llegendes” (cuentos y leyendas), y aunque incluye algunos temas con letras y sonido más Hard Rock, en realidad dominaba el Heavy Metal épico que tan bien les había funcionado hasta el momento, junto con algunas de las letras más fantásticas y románticas que habían parido. Un grandísimo trabajo de Heavy Metal, temas rápidos y tralleros como “Les Creus Vermelles”, pesados y potentes como “Profanacció”, baladas de lagrimita como “La reina del gel” o “Sentències d’amor”, o himnos Hard-Rock como “Alè de mil-cent”. Podríamos decir que no sobraba ni una de las canciones, definitivamente uno de los trabajos más redondos que compusieron Sangtraït.
Una de las grandes sorpresas del álbum fue “Freddie Memorium”, una preciosa canción dedicada a Freddie Mercury que contó con la colaboración de Lluís Llach, una de esas mezclas que uno difícilmente puede imaginar, pero que tuvo unos resultados excelentes. Es una pena no poder mostraros el videoclip original (un claro homenaje al “Bohemian Rhapsody”), pero parece que nadie lo ha subido a YouTube. De todos modos ahí va la canción (cuyos beneficios se destinaron a la lucha contra el SIDA):
Con “Contes i llegendes” parece que Sangtraït cerraban una etapa y empezaban otra, que coincidía con el declive del movimiento del Rock Català, al menos en cuanto a la popularidad conseguida en la primera mitad de los noventa. En 1995 editaron su particular “Load” (los fans de Metallica lo habrán entendido), era un disco diferente, que rompía en muchos sentidos con todo lo anterior, aunque conservando en buena parte su personalidad. En realidad, “Eclipsi”, no dejaba de ser un paso lógico después de lo que habían hecho en “Contes i llegendes”, pero muchos fans no lo entendieron así, y les dieron la espalda.
Pero a mi me gustó, y a día de hoy sigo pensando que es un buen disco, aunque fuese diferente (y no tan redondo como los dos anteriores). Seguramente es el disco más experimental (con muchos teclados), a la vez donde la producción es de mayor calidad, y algunas de sus baladas son de lo mejor que ha hecho Sangtraït en su carrera (“Esperit de mar” o “Sentiments de paper”). Pero quizás les faltaba esa épica que medieval que les caracterizaba, y la sofisticación del sonido y las composiciones es algo que sus fans originales no entendían.
“Cara i creu” fue el “Single” con el que promocionaron el disco, y parece que ese bajo junto con los sintetizadores no cuajó.
Quizás haciendo caso a las voces críticas, o porque después de dos discos más sofisticados y cuidados querían volver a las raíces, en 1996 editaban “Noctámbulus”, que realmente parecía un retorno a los tiempos de “L’últim segell” (aunque sin deshacerse de algunos de los rasgos de los últimos trabajos). Volvían las temáticas medievales y fantásticas, el sonido más crudo, y también vuelven las canciones más Hard Rock. Y aunque se podría decir que es un trabajo decente, ya no tuvo el impacto de los anteriores, entrando en el peligroso terreno de los discos que se convierten en “uno más”.
Después de “Noctámbulus” el grupo desapareció durante tres años, el período más largo desde que debutaron en 1988. Pero cuando volvieron en 1999 ese gran interés por bandas de Rock Català prácticamente se había extinguido (resistían algunos de los veteranos, y algunos de los grupos más jóvenes, pero ya no tenían la repercusión que habían tenido en su momento). “L’altre cantó del mirall” (el otro lado del espejo) fue el último trabajo de Sangtraït. Era un disco especial, quizás más centrado en el Hard Rock y con letras que se alejaban de cualquier temática medieval o fantástica para hablar de temas más cotidianos.
Una vez más, Sangtraït sacaban un disco que ofrecía buenas canciones (incluso mejor que el algo regular “Noctámbulus”), pero ya no tenían ese gancho inicial, y se había perdido también parte de la magia que les había caracterizado. Hasta cierto punto parecía la enésima renovación de su sonido, siendo quizás el disco menos Sangtraït de todos (no por ello un mal disco).Pero en realidad, eran otros tiempos, ni siquiera el Heavy Metal pasaba por su mejores momentos a nivel mundial (era la época del Nu-Metal), y Sangtraït ya llevaban un tiempo pagando caro el haber formado parte de ese fenómeno llamado “Rock Català”. En su momento les benefició, y no podemos saber qué habría pasado con la banda de no ser así, pero al estar verse encasillados en un contexto musical que no era el suyo, parecía muy difícil posicionarse en otro tipo de mercado.
Así pues, en 2001 se anunciaba que Sangtraït iban a celebrar su último concierto en la Sala Razzmatazz el 20 de Diciembre. Para ello invitaron a varios de los músicos con los que habían compartido escenario en sus primeros años, así como algunos otros Heavy Metaleros catalanes. Fue un final algo abrupto, y que en ese momento no pareció importarle a mucha gente. Pero años después, a medida que la nostalgia empezó a crecer, algunos empezamos a echarles de menos. En Facebook existe algún grupo que reclama que la banda vuelva a unirse una vez más para dar otro concierto, aunque una vez más sea el último (demostrando la poca importancia que injustamente se le dio en su momento a la despedida del grupo).
Un servidor también puso su granito de arena en la despedida creando el perfil de Sangtraït en MySpace, que finalmente acabaría traspasando a Lupe Villar, la mismísima guitarrista del grupo, que me emocionó bastante al darme las gracias por crearlo. Y lo cierto es que a pesar del silencio de estos años, parece que varios de los miembros de Sangtraït se están poniendo las pilas creando nuevas bandas.
Lupe anunció a través de MySpace que había creado un proyecto llamado Kcor de Rock (junto a los chicos de Dragonslayer), y editaba con la misma discográfica de siempre un álbum con versiones de canciones Metal clásicas y también modernas: desde Black Sabbath hasta Linkin Park (WTF!), pasando por Avenged Sevenfold, Rammstein, Metallica, Van Halen, Queen, Iron Maiden y algunos más. El gran Papa Juls fue el encargado de adaptar las letras al catalán, y Martín Rodríguez (batería de Sangtraït), también hizo su aparición.
En 2009 Martín volvió a juntarse con Quim Mandado (bajista y cantante de Sangtraït que editó en 2003 un disco en solitario), también con el veterano rockero Joan Cardoner, para formar Los Guardianes del Puente, que parece ser un reinicio de un proyecto que compartieron en su adolescencia. Aunque para los que crean que LGP pueden ser una especie de reinicio de Sangtraït, Quim Mandado (esa gran voz), ahora sólo la oiremos en los coros, las letras son en castellano, y el estilo no goza de esa misma originalidad que tan famosos les hizo (recuerda un poco al Alice Cooper de los 90 – sobretodo por la voz de Joan Cardoner).
Y aquí termina este nuevo homenaje que hemos querido darles a Sangtraït, un grupo que se merece mucho más reconocimiento del que tiene actualmente, porque aunque su asociación con el Rock Català fue lo que les catapultó a la fama, siempre fueron un grupo original y de gran calidad musical, y que nos dejaron un fabuloso legado de Heavy Metal cantando en catalán. Merecen por todos sus méritos formar parte de nuestra panteón de bandas #TLQM.
esta es la lógica continuación del reportaje de seguimiento que le hicimos a Cels Piñol durante el último Saló del Còmic de Barcelona. Ya que el autor de Fanhunter no llegó a tiempo para la publicación de su última obra en el evento, no pudimos mostraros una presentación del mismo allí. Pero ahora ya han pasado algunos meses y ya tardábamos en hacer nuestra particular reseña, ¡allons-y!
Aunque su ilusión y el entusiasmo puedan hacer pensar lo contrario, Cels es todo un veterano en esto de dibujar cómics. Lleva ya más de 20 años con ello. Para un servidor, tampoco parece que haya pasado tanto tiempo desde que compré el primer recopilatorio de “Fan con Nata/Fan Letal”. Pero han florecido ya varias generaciones de fans desde entonces que quizás no conocen los orígenes de todo esto, y parece que hay cierta curiosidad (como debe ser por parte de todo buen fan, hay que conocer los orígenes).
Aunque Cels ha presentado “Fan Letal Vintage” como un remake o actualización de sus primeros “Fan Letal/Fan con Nata”, pensamos que va mucho más allá, ya que nos ofrece un producto mucho más maduro… y madurado. Algunas de las viñetas o chistes que incluye son actualizaciones o reinterpretaciones de algunas de las que publicó en su momento, y el estilo es muy distinto, más acorde con las formas de hacer del Cels del siglo XXI. Pero aunque se habla a menudo desde el presente, este nuevo trabajo es, sobretodo, una celebración de la nostalgia. De ahí viene seguramente el “Vintage” del título.
Aunque Cels no reniega de lo actual, de lo moderno, y parece que jamás vaya a hacerlo (lo cual parece muy inteligente), aquí está claro que se están encumbrando tiempos pasados, que lo viejo es bueno (aunque nunca volverá). De hecho, el prólogo nos habla de uno de los mayores eventos nostálgicos que se vienen realizando en Barcelona este año, el Phenomena (la reposición en cine de grandes clásicos de los 80). Ahí es donde muchos fans nos reunimos varios jueves al mes compartiendo ese amor por el cine, y no sólo por las películas en si, sino por una forma concreta de ver cine que parece estar perdiéndose. Somos unos románticos.
Seguramente habrá muchas referencias que los fans más jóvenes seguirán sin entender o verán como algo muy lejano. Pero eso te pasaba con los primeros Fan Letal y Fan con Nata, y te animaba a indagar más porque querías ser capaz de pillar todas y cada unas de las referencias (ahora con Internet, es mucho más fácil e inmediato – y Cels ha añadido un glosario al final). Por otro lado, a los más veteranos les hará gracia ver a los personajes de siempre en su versión infantil, ver como se forjaba el fandom que luego sería tan importante en la lucha contra Alejo y Killer Dog.
En realidad, al final esto acaba siendo una pseudo-biografía del propio Cels (con recortes reales de algunas revistas y varias fotos), que va mucho más allá de esas descripciones del fan que hacía en sus inicios (aunque sin perder esa parte que tanto nos gusta). Aquí disecciona el monstruo, y nos enseña como se creó. Ya os lo hemos dicho, es importante para todo fan conocer los orígenes. Y casi no hace falta decir que nos encantan estas cosas.
Nuestro ejemplar dedicado y con dibujito (Cels Rulez!!)
Aunque Cels ha cambiado su forma de dibujar (mucho mejor) y su forma de contar las historias (no sólo por hacer las viñetas “en horizontal”, en lugar de esos clásicos cuadrados), realmente creo que con “Fan Letal Vintage” ha conseguido algo que parecía muy difícil: vender la misma historia de hace 20 años a todas las nuevas generaciones, y que los veteranos la podamos disfrutar igual, o incluso más. Recomendadísimo trabajo que rezuma #TLQM por todos sus poros.
PD: Como anunciaba en el título del post, en “Fan Letal Vintage” he podido hacer mi primer “cameo” en un cómic (¿cómo se llamaría esto? ¿un “viñeteo”?). Cels ha contado con la colaboración de dos grandes webcomiqueros para este trabajo, Juan Carlos Bonache y Andrés Palomino (a quien conocéis sobradamente de sus Crónicas PSN). Este último ha contribuido con un par de páginas cuyo tema os resultará familiar: los frikis futboleros. Puede que recordéis que hicimos una Entrevista Pirata fuera de lo normal en la que nos reunimos tres fans de TODO LO QUE MOLA que también disfrutamos del fútbol (el mismo Andrés, Àlex Santaló y un servidor). Pues bien, al final, tanto Àlex como yo salimos en una de las viñetas (un servidor como “otaku experto”, camiseta #TLQM incluida).
Salimos un poquito rubios, pero Andrés es de las pocas personas que ha sido capaz de ver que no tenemos el pelo moreno… ¡es castaño oscuro!
No puedo esconder la ilusión que me hace, no sólo aparecer en un cómic de Cels Piñol, sino que me haya dibujado el “Schultz catalán” ;-)
ya es casualidad que el día después de que vea el último capítulo de David Tennant como Doctor Who, se publique una noticia en la que el propio Tennant asegura que le encantaría volver a la serie. No sé qué pensarán los fans de Matt Smith, el actual Doctor, ya que algunos dicen que es de los mejores doctores habidos y por haber. Pero después de haber vivido en unos pocos meses los 3 fabulosos años del Doctor de Tennant, y sin haber empezado a ver aún a Matt Smith, casi que firmaría para que volviese. Ha sido en buena parte gracias a él que me he enganchado de nuevo a una serie como hacía tiempo que no me pasaba.
Como ya conté en su momento, el Doctor Who formaba parte de mi imaginario infantil, y fue una auténtica sorpresa descubrir que, no sólo la serie iba mucho más allá de Tom Baker, sino que además se había relanzado después de 16 años en los que sólo había aparecido una TV movie. ¡Y menudo regreso!
Russell T. Davies es el nombre, el hombre, el responsable de que la TARDIS haya vuelto a funcionar después de años acumulando polvo y nostalgia. Aunque parece que el actual guionista jefe, Steven Moffat, está eclipsando su labor, no podemos olvidar que fue él quien creó la nueva serie, le dio la personalidad, el formato, las reglas, y en definitiva, quien arrastró por el vórtex temporal al Doctor Who de los ochenta hasta el siglo XXI.
Uno de los cambios principales fue la duración de los episodios, ya no eran de 20 y pocos minutos, y es que este formato ahora ya es exclusiva de las comedias (o del tokusatsu nipón). Si en el Doctor Who Clásico (1963-1989) se dividen las historias por arcos argumentales, ahora la cosa va más por episodios de 45 minutos (aunque a menudo veremos episodios dobles). Esto permite narrar historias de forma diferente, con otro ritmo, y además, también ha permitido a muchos guionistas invitados hacer cosas algo más especiales, jugando con situaciones originales que no tenían porque afectar en nada la evolución de la trama principal de la serie.
Esto último es otro de los grandes cambios que incluyó Davies en el nuevo Doctor Who, algo también muy acorde con la televisión actual, las tramas argumentales que se alargan a lo largo de toda la temporada (o temporadas). Hablamos de esos misterios como el de “Bad Wolf”, la importancia de Donna Noble y la de su padre, o el misterioso personaje de River Song. Grandes historias que se van desarrollando a partir de pequeños detalles y que suelen terminar con grandes giros argumentales, revelaciones, o sorpresas; lo que en definitiva acaba enganchando al espectador moderno. Pero, sin duda, donde Russell T. Davies fue más valiente y original fue al añadir ese pequeño toque de culebrón amoroso entre Rose y el Doctor. La imagen clásica del personaje, normalmente ya de cierta edad, era la de un alienígena asexual. No había historias de amor, y no se percibía tensión sexual alguna con las decenas de acompañantes femeninas que tuvo (ni con los acompañantes masculinos).
Christopher Eccleston, quien tuvo la difícil tarea de interpretar de nuevo al Doctor, apareció como un personaje salvaje y malcarado, que nos puede recordar en algunos momentos al mismo Tom Baker, o incluso al pionero William Hartnell (básicamente por el borderío y el sarcasmo – y nos encantó como lo hizo Eccleston). Destrozado por las consecuencias de la Time War, podemos ver como hay cierta rabia y sadismo en su personaje. Hasta ahí, parece que el Doctor no había cambiado tanto. Pero el primer capítulo se tituló “Rose”, y eso no fue para nada gratuito. Esa choni del extraradio londinense sería la encargada de humanizar al Doctor, hasta el punto de conseguir que se enamore de ella.
Aunque Eccleston asegura que fue él quien quiso dejar en seguida la serie, parece muy inteligente el timing de presentación del fenómeno de la regeneración; lo mejor para presentar a las nuevas generaciones este genial recurso que permite cambiar de actor sin tener que cambiar del todo el personaje. Pero también hizo más fácil y creíble la historia de amor entre Rose y el Doctor (ahora más joven y apuesto). Ahí entraba David Tennant, que para muchos (y muchas) ha sido el reclamo y la razón de engancharse irremediablemente a la serie. Ya fuese por el look, la vis cómica, la intensidad eléctrica que le daba al personaje, o sus parloteos incesantes, David Tennant cogió el testigo de Eccleston y lo llevó a otro nivel.
No sabemos si era por la experiencia acumulada, por las posibilidades que les brindaba escribir para Tennant, o simplemente que el éxito les había dado más confianza (y presupuesto), pero en la segunda temporada parece que los guionistas también empezaron a brillar de verdad. El culebrón amoroso cada vez empieza a tener más peso, y llega hasta el final de la segunda temporada con una de las historias más épicas y lacrimógenas de la serie (lloramos cada vez que vemos “Doomsday”… ¡y esa música!). Pero al mismo tiempo vemos como Steven Moffat se marca un “The Girl in the Fireplace”, o Russell T. Davies nos sorprende con el original “Love & Monsters”, donde el Doctor y Rose apenas aparecen, y nos maravilla con “The Impossible Planet” y “The Satan Pit” (por ahora, una de mis historias favoritas – ¡que introduce los Ood!). Las historias, digamos, autoconclusivas, son de las que suelen brillar más en la serie (y las que se llevan los premios BAFTA).
Si Tennant podía tener difícil sustituir al nuevo Doctor Who original, para Freema Agyeman era un reto imposible sustituir a Billie Piper (Rose) como acompañante del Doctor. De hecho, los guionistas debieron ser tan conscientes de ello que ya habían preparado el terreno para sustituirla antes incluso de aparecer (con el episodio especial “The Runaway Bride”), y le hicieron sufrir durante toda la temporada con su amor no correspondido. Desde el primer episodio “Smith & Jones” (que me encantó), seguía la tensión sexual en la serie, pero esta vez sólo en una dirección. Y aunque para muchos Martha Jones es la acompañante que menos les ha gustado, a nosotros nos gustó su punto más salvaje e inteligente, y también como evolucionó el personaje (aunque es algo que se desarrolla sobretodo al final de los finales de la 3a y 4a temporada). Aquí también brilló una vez más Steven Moffat con su “Blink”, pero el arco argumental de “La familia” también vale la pena recordar, así como el épico final de temporada.
Y ya cuando parecía que Tennant iba a ser el Doctor para siempre, empieza la cuarta temporada, la última de la que podríamos llamar primera etapa del nuevo Doctor Who, la de la resurrección. Esta era la última temporada en la que Russell T. Davies iba a ser el guionista jefe, y parecía lógico que fuese también el final del Doctor de Tennant. Aquí es cuando repescarán a Catherine Tate (Donna Noble) para ser la acompañante , dándole una vuelta de 180 grados al prototipo de chica guapa que adora al Doctor, y dándonos a una trabajadora temporal con mala leche, que no se deja amedrentar por el cerebro privilegiado del piloto de la TARDIS. Para muchos, la mejor de las 3 acompañantes hasta el momento (y no os voy a decir que no), aunque no aparece en “Midnight”, uno de los mejores de la temporada para un servidor .
Es aquí donde se resolverán ( y de qué manera) prácticamente todas aquellas tramas que se habían preparado ya desde la primera temporada. Parece obvio que estos 4 años se habían concebido como una unidad a nivel argumental, y el relevo estaba cerca. El Doctor de Eccleston terminó de forma más o menos abrupta (y a Rose le costó digerirlo), pero está claro que Tennant se había ganado una despedida a lo grande. El final de la temporada regular se alargó con 3 épicos episodios que resolvían prácticamente todos los enigmas y tensiones. Además, Tennant pudo gozar de 4 episodios especiales durante 2009 (seguramente haciendo tiempo para el nuevo Doctor), que le sirvieron para despedirse de todo el mundo. “The Next Doctor” fue seguramente una “broma”, y aunque es un episodio entretenido (con mecha incluido), no pasa de ser un episodio más, y “Planet of the Dead”, aunque algo mejor, tampoco es para tirar cohetes. “The Waters of Mars” ya nos recuerda más al Doctor Who de los grandes momentos, aunque podría ser mejor. Y esto último es aplicable a “The End of Time”, el especial doble que acaba definitivamente con la regeneración de Tennant. Si bien hay varios elementos que tendrían que convertir esta historia en algo apasionante, parece que el resultado global no está a la altura de la propuesta. Quizás es algo repetitivo, y quizás el cambio de guionistas llegaba en el momento justo. Pero sólo por los 10 minutos finales de Tennant vale la pena. Una despedida larga, tranquila y emotiva, una forma de decir adiós sin traumas.
Los ingleses siempre dicen que cada generación tiene “su Doctor”. En mi caso, este tendría que ser Tom Baker, ya que fue el único que vi de pequeño, y el que me fascinó. Pero creo que gracias a la resurrección podemos decir que algunas generaciones tenemos dos doctores, y está claro que mi nuevo Doctor es David Tennant.
hoy evitaremos decir aquello de “el entrevistado de hoy no necesita presentación” porque aunque sea cierto, seguro que varios de vosotros no conocéis a Jose Luís Viruete. Y eso es un error. Un error grave. Si ahora mismo estáis leyendo este blog muy probablemente sois practicantes de la religión de TODO LO QUE MOLA, y eso es incompatible con el desconocimiento de una figura como la de Viruete. Dejaremos que sea él quien explique quien es y lo que ha hecho, pero de entrada os diremos que es el responsable de www.viruete.com, todo un referente de cultura Pop, cultura Trash, cultura casposa, y todas aquellas etiquetas que quieras. Pero es que su currículum es mucho más extenso, y sus tentáculos llegan hasta los sitios más insospechados.
En la entrevista de hoy Viruete nos explica quien es, lo que hace, y se marca un monólogo de 8 minutos hablando de toda su trayectoria de devorador de cine, televisión, música Pop, rol, videojuegos, cómics y todo lo que le ponían por delante. Un completísimo retrato de lo que vivimos muchos de los “niños de los 80″, ¡tomad nota!
la nevera de la Arcadia desde siempre ha hecho unos ruidos muy raros, unos ruidos que con el tiempo hemos llegado a identificar… ¡y menuda sorpresa!
PD: aunque al final no hemos podido grabarlo bien, os podemos asegurar que la nevera a veces suena de verdad como una Tardis (en el vídeo hay un momento en el que mis palabras enmascaran el sonido).
después de darle muchas vueltas al asunto finalmente ya podemos decir que el viaje veraniego está decidido al 100%, con todos los billetes necesarios. Nos disponemos a recorrer un montón de kilómetros montados en una autocaravana familiar, pero que en realidad serán sólo unos pocos para el que es el segundo país más grande del mundo: Canadá.
Después de varios veranos seguidos sufriendo el calor y la humedad asfixiante de China, Japón, Istanbul o Nueva York, finalmente nos hemos decidido por viajar hacia el norte, donde podemos incluso pasar frío (será casi como una experiencia nueva). Pero aparte de buscar el frío, también queríamos alejarnos un poco del turismo urbano que también ha dominado nuestros últimos viajes. Estos dos factores abrían varias posibilidades. Noruega, Islandia o Escocia podrían haber sido candidatas, pero también había ganas de irnos algo lejos del viejo continente (sin tener que pasar por Asia). Por lo tanto, la opción canadiense, cuyos paisajes naturales maravillan a tantos, parece una buena decisión.
El problema con preparar un viaje a Canadá es precisamente su tamaño. A no ser que pases varios meses ahí, es imposible ver una “muestra representativa” del país en un tiempo razonable, así que tienes que tomar una decisión en función de lo que más te puede interesar y no estresarte por no poder verlo “todo”. La decisión principal puede ser si te vas a centrar en el lado este del país o el oeste. Al este está “la civilización”, con las ciudades de Toronto, Montreal, Quebec, y también algunas tierras de pescadores (poblaciones fundadas por vascos, nada más y nada menos). Al oeste, las famosas montañas rocosas y Vancouver.
Ya que nuestra intención era ver más montaña que ciudad, la decisión final ha sido empezar por Vancouver y poder visitar la gran cantidad de parques naturales que allí se pueden encontrar, desde la isla de Vancouver hasta Calgary. Pero no vamos a renunciar totalmente al este, ya que hemos decidido pasar los últimos 3 días en Toronto (atraídos por la gran mezcla de culturas que nos han prometido, y alguna que otra tienda #TLQM que no puede faltar). No es que en la parte este del país no se puedan encontrar parajes naturales, eso es algo que domina todo Canadá. Pero es cierto que si te quedas ahí es fácil que acabes centrándote más en el rollo urbanita. Por otro lado, la parte central del país tendremos que dejarla para otra ocasión.
Estas son las vistas que puede ofrecer el parque Jasper, ¡estamos ansiosos!
Ahora que ya tenemos fechas seguras llega el momento de empezar a hacer itinerarios y reservas. Aunque esta vez serán pocas noches las que pasaremos en hoteles, y muchas en la caravana. Puede ser toda una experiencia dormir sabiendo que a poca distancia estarán los osos grizzly, los caribús, e incluso las orcas o los leones de mar.
Dicen que los grizzly no se dejan ver con facilidad. ¿Tendremos suerte?
no es la primera vez que os hablamos de la fiesta mayor de Les Santes, que se celebra en Mataró del 24 al 29 de Julio. Ya os hemos contado sobre una de sus tradiciones más peculiares y divertidas, el desvetllament bellugós, una locura de música, bailes, saltos y gigantes que salen de noche. Siempre hemos dicho que Les Santes son unas fiestas especiales, que se viven muy intensamente en Mataró, y parece que todo la ciudad está muy orgullosa de ellas. Ahora estas fiestas han llegado a Twitter en la forma de dos hashtags #socsantero y #socsantera, así como en la forma de una web participativa.
El caso es que los responsables de esta iniciativa nos retaron a recrear el desvetllament bellugós en stop motion, una vieja tradición de la Arcadia que habíamos abandonado por falta de tiempo. Nos picamos, y aquí tenemos el resultado:
sois muchos los que a través de Twitter me habéis preguntado sobre la carrera que estoy estudiando online desde hace algunos años, y ahora que me queda relativamente poco para terminar, puede que sea un buen momento para explicaros en qué consiste la Licenciatura de Estudios de Asia Oriental.
Es importante saber que vamos a hablar de una licenciatura de segundo ciclo, y aunque con esto del nuevo plan de estudios no sé como ha quedado la cosa (parece que aún aguantará un tiempo), para cursarla tenías que haber superado como mínimo un primer ciclo de cualquier otra carrera universitaria (en mis tiempos eran los dos primeros años de una licenciatura, ahora puede que sean tres). Por supuesto, si ya eres licenciado puedes matricularte sin más requisitos que algunas asignaturas complementarias de idiomas (que puedes ir cursando al principio junto a las asignaturas troncales y obligatorias).
En mi caso, he estado estudiando a través de la UOC (Universitat Oberta de Catalunya), que creo es la única universidad online que está ofreciendo esta licenciatura, aunque también se está impartiendo en universidades tradicionales. La diferencia más importante es que en la UOC sólo ofrecen el itinerario de Chino (por lo tanto, hay varios créditos obligatorios de este idioma), en cambio, en universidades presenciales pueden ofrecerte también el itinerario japonés o coreano (y aparte del idioma, no sé si las otras asignaturas pueden variar algo). Aunque el chino sea obligatorio, en la UOC te dan la posibilidad de estudiar también japonés a través de asignaturas optativas o de libre elección. Aún así, para aquellos que tenemos algo más de interés por el japonés, y que no tenemos otra opción que la de estudiar a distancia, es una putada (estudiar los dos idiomas a la vez, y a distancia, puede ser un infierno). Aún así, hay otras opciones que luego os comentaré. Para los que trabajan, la ventaja es que no hay un mínimo de asignaturas que cursar, y de hecho, hay que gente que a veces “descansa” durante un semestre.
Las asignaturas: ¿qué vas a estudiar en EAO?
La respuesta corta es: un poco de todo. El objetivo de esta licenciatura, según dicen en su plan de estudios, es “ofrecer una visión clara, sintética y precisa de los países que forman Asia Oriental, y proporcionar herramientas que permitan entender su realidad contemporánea”. En otras palabras, se trata de estudiar la historia, la economía, la cultura, y la sociedad de esos países, centrándose sobretodo en China, Japón y Corea, pero sin olvidarse de Tailandia, Taiwan, Vietnam, etc. Así pues, te encontrarás con asignaturas más generales como Historia del Asia Oriental, Geografía, Economía, Política, Filosofía, Arte, Sociedad… y otras más específicas como las distintas literaturas, economía de Japón, las fiestas y tradiciones de China, alimentación, comercio interior, etc.
Aunque se hable de otros países, estos tres serán el centro de atención (en este mismo orden de importancia).
¿Qué pasa si sólo te interesa Japón y sólo quieres hacer asignaturas sobre Japón? Primero te diré que difícilmente se puede entender Japón sin tener en cuenta el resto de países de Asia Oriental (e incluso algunos países occidentales), ya que tener una visión global siempre es importante. Segundo, hay otras opciones. Por supuesto, si puedes, te recomiendo que curses la licenciatura (o grado) de forma presencial (seguro que le sacarás más partido). Pero si estás trabajando, o por el motivo que sea sólo te queda la opción online, tienes ciertas alternativas para los que quieran especializarse un poco más.
Puedes renunciar a sacarte la licenciatura y cursar varios másters o postgrados de especialización. Esto significa que, aparte de algunas asignaturas obligatorias y troncales que tienen que hacer de forma impepinable, después puedes escoger específicamente algunas optativas y hacer un trabajo final o practicum que te dará derecho a títulos de experto en economía del Asia Oriental, experto en cultura y literatura, experto en economía y política de Japón, y varias especializaciones más (con más o menos asignaturas necesarias). De hecho, esta es una titulación progresiva, y puedes ir sacándote estos títulos a medida que vas cumpliendo los distintos requisitos hasta llegar a sacarte la licenciatura. Así, si te quedas a medio camino, siempre tendrás uno u otro título (o varios a la vez). En mi caso, ya prácticamente sólo me queda el chino, y como no tengo tiempo suficiente ahora mismo, voy a sacarme alguno de los másters (no tengo claro cual). Quizás lo retome en unos años para sacarme la licenciatura.
¿Cómo funciona la universidad online?
Vamos ahora a lo más práctico del tema, al día a día de cursar una carrera online. En primer lugar, debe quedar claro que nunca vas a tener que ir a clase. Algunas veces he oído por ahí gente que pensaba que algunas de las clases eran presenciales, pero no es el caso, al menos en esta licenciatura. Todo funciona a través del “campus online”, una web en la que tendrás acceso a todo lo que necesitas, desde la matriculación hasta los materiales (que te mandan a casa en papel, pero puedes consultar también online), y también será tu punto de encuentro con alumnos y profesores a través de unos foros.
Hay dos formas diametralmente opuestas de seguir la carrera: la evaluación continuada o el examen final. Esta última es más que obvia, lo único que tienes que hacer es presentarte al examen final, aprobarlo y ya está. No tienes que hacer trabajos, no tienes que hacer absolutamente nada más aparte del examen. La otra opción, la evaluación continuada, requiere que el estudiante haga varios trabajos a lo largo del semestre (entre 3 y 5), y en función de la asignatura es posible que tenga que hacer algunos otros pequeños trabajos (fichas de lectura, participar en foros). Al final del curso no hay examen final, hay pruebas de validación (presenciales), en las que simplemente tienes que demostrar que has sido tú el que ha estado haciendo los trabajos. En estas pruebas te preguntarán por aspectos concretos de los trabajos que has entregado, es decir, tendrás que explicar qué cosas pusiste en tus trabajos, de donde sacaste la información, qué dijiste en tus intervenciones en los foros, e incluso, pueden preguntarte por las correcciones que te hizo el profesor. Lo único que requiere es un pequeño repaso a tus propios trabajos (¿1 hora antes de la prueba?), y te puedo asegurar que no tienes que empollar nada. Cabe mencionar que hay alguna vía intermedia, en la que harás menos trabajos durante el semestre, pero luego la prueba final requerirá algunos repasos al temario.
Cuando termines la carrera sabrás los nombres de estos tres mandatarios. Bueno, del japonés no, que dimiten cada dos por tres ;-)
¿Qué forma de evaluación deberías escoger? Por supuesto cada uno tendrá sus preferencias, pero yo he apostado claramente por la evaluación continuada. En primer lugar porque al estar trabajando, no creo que dispusiera de tiempo suficiente para ponerme a estudiar en plan intensivo para los exámenes (y dudo que, sin estar obligado a ello, me pusiera a estudiar a lo largo de todo el semestre). Además, es una apuesta arriesgada, ya que aquí no hay segundas convocatorias. Si suspendes, tienes que matricularte otra vez el siguiente semestre (y no es barato). Pero la evaluación continuada tiene otra gran ventaja aparte de librarte de la presión de los exámenes finales, y es que sinceramente creo que se disfruta mucho más. Los trabajos te obligan a seguir con mayor o menor regularidad un ritmo de aprendizaje, y además, acabas profundizando más en los temas. Si sólo te centras en hacer un examen, es muy probable que al día siguiente hayas olvidado el 80% de lo que habías estudiado, pero si vas leyendo día a día, poco a poco, puedes digerirlo todo mucho mejor, y en definitiva, aprender más. Lógicamente, este disfrute se entiende mejor desde el punto de vista de alguien que principalmente está cursando esta carrera por placer, y por lo tanto los títulos o las notas son lo de menos.
Otra de las ventajas de la evaluación continuada es que te permite, ligeramente, centrarte más en ciertos países o intereses concretos. Por ejemplo, a menudo se te da la opción de escoger en qué vas a centrar tu trabajo, y normalmente tienes las tres opciones de China, Japón o Corea, pero en otras ocasiones el tema es “algo libre”; en mi caso pude hacer un trabajo sobre Godzilla y otro sobre películas de cine negro en las que aparecían asiáticos (¡estudiar puede ser #TLQM!).
¿A quién le gustará estudiar EAO?
Seguramente la carrera no va a satisfacer al típico otaku que sólo quiere saber cosas sobre Japón, y “ser un experto en Japón”. De manga y anime se habla, pero muy poco, y es posible que todo lo demás te aburra. Pero si tienes un interés algo más profundo por las culturas asiáticas en general, creo que puedes disfrutarlo y mucho. La mayor ventaja de este tipo de estudios es que puedes sacarle el partido que quieras. Si una asignatura no te gusta demasiado, puedes centrarte en sacar adelantes los trabajos y ya está. Pero si alguna te interesa mucho, tendrás a manos muchos recursos para ampliar y profundizar tu aprendizaje (yo he aprovechado muchísimo el acceso a revistas digitales que te da la universidad).
¿Salidas profesionales? Como ya he dicho, en mi caso no estoy esperando sacarme el título para ponerme a buscar trabajo (aunque sí sale algo relacionado sería fantástico, por supuesto), pero la UOC insiste en que la carrera tiene mucho futuro, y en el terreno más económico y empresarial es posible que sea verdad.
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con los recientes posts nos ha venido a la memoria el que fue el primer “dorama” (que es como llaman los japoneses a las series de TV). Hoy en día, los doramas ya son algo sobradamente conocido, fácil de encontrar en la red, y además, con la popularidad de los doramas coreanos, se ha convertido en un fenómeno parecido al del JPop en su momento (y el KPop ahora).
Pero hace unos 7 u 8 años encontrar doramas era una tarea mucho más complicada, y tenías que meterte en “oscuras páginas” de descargas de torrents o links de eMule, y escoger lo que te bajabas sin saber apenas nada en absoluto (la información escaseaba, aunque ya existía www.jdorama.com). De forma fortuita, como suelen ocurrir estas cosas, acabé bajándome una serie llamada やんパパ (Yanpapa).
“Yanpapa” básicamente es uno de esos palabros “engurish” que a veces se sacan de la manga los japoneses, y que significa “Young papa” (padre joven). La historia trata precisamente de un joven que, por dramáticas circunstancias, acaba haciéndose cargo de los tres hijos de la mujer con la que se acaba de casar, y que era unos 14 años mayor con él. Esto significa que el protagonista, un joven de 25 años, intenta hacer de padre a 2 chicas y un chico que podrían ser sus hermanos, pero nunca sus hijos. Como no podía ser de otra forma, los tres “hijos” vienen con sus problemas de fábrica, y además se niegan a aceptar a este nuevo padre (al que acaban de conocer).
El único vídeo en YouTube de Yanpapa
Aunque es uno más de los típicos argumentos lacrimógenos y de superación personal habituales, obviamente hubo algo que me llamó la atención para que empezara a ver el dorama. El joven protagonista es un aprendiz de mangaka, que entra a trabajar en el estudio de una autora consagrada, la que después acaba siendo su mujer. Aunque no es el tema principal del dorama, lo cierto es que tiene una parte importante, ya que el joven dibuja una historia (que vemos a menudo en forma de anime) que refleja todo lo que le va pasando de forma metafórica (con la historia de un caballero que tiene que rescatar a una princesa). Seguramente, si no fuese por este toque manganime, tenemos nuestras dudas sobre si habríamos aguantado al principio, pero debemos confesar que al final acabamos enganchados y emocionados con el tema.
Aquí podéis ver los personajes que dibuja el protagonista.
Aunque el dorama sea ahora algo muy normal entre los “japonófilos” y el acceso a doramas nuevos, y no tan nuevos, es relativamente fácil, parece que やんパパ ha quedado completamente olvidada, y apenas se encuentra información en la red (por no mencionar ya la imposibilidad de encontrarlo en algún sitio de descargas). Es una pena, porque estoy seguro que a muchos les gustaría ver los primeros pinitos como actriz de una exMorning Musume, nada más y nada menos que Maki Goto.
El protagonista, que hay que reconocer daba un poco de rabia de lo bobalicón y romántico que llegaba a ser, también era un artista Pop, cantante de Tokyo (una de las famosas bandas prefabricadas de Johnny’s). Por supuesto, ellos fueron los encargados del opening de la serie (aunque puede parecerlo, no son imágenes del dorama):
Viendo este primer dorama aprendí varias cosas. La primera, que los actores japoneses, a nuestros ojos, sobreactúan de mala manera. Son exagerados, mucho. Y aunque creo que ya forma parte de su “estilo”, es cierto que es fácil que eso eche para atrás a más de uno. Pero al final te acostumbras, y es parte de su encanto. Segundo, les encantan los dramones, lo lacrimógeno, y en general, que todo sea muy emocional, hasta el límite de poder morir por una subida de azúcar (esto, sumado a la sobreactuación, puede ser un cóctel explosivo). Tercero, y más importante, que los doramas son una de las mejores formas para aprender sobre Japón.
Si nos fijamos en nuestras propias series y películas veremos que las primeras normalmente reflejan mucho mejor la “realidad” del día a día, tanto sea por sus temáticas, como por el lenguaje que utilizan, y los referentes o el contexto en el que se basan. En las películas podríamos decir que estamos ante unos ambientes más controlados y dirigidos a contar una historia más específica y universal. Visto así, creemos que un culebrón nos ayudará mucho más a saber como es un país. Y esto es lo que consiguen los doramas, ya sea por el lenguaje (con coletillas habituales, expresiones coloquiales, argot, etc.), o por las situaciones y problemáticas cotidianas, ya que este suele ser el motor principal de este tipo de historias. Así pues, a pesar de que os pueda costar el tema de los actores, o la temática, si de verdad tenéis interés por conocer mejor la sociedad japonesa y su lenguaje, creemos que una buena dosis de doramas os puede ayudar mucho.
Por desgracia no os podemos decir donde encontrar Yanpapa con subtítulos, ya sea en inglés o español (en VO con subtítulos en coreano, aquí), pero como hemos ido diciendo, la red está plagada de doramas, y tenéis mucho donde escoger (con todo tipo de temáticas). El que vimos nosotros después de やんパパ fue Summer Snow (Natsu no yuki), ¡menudo dramón!
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