es el sueño de todo fan del tokusatsu, tener su propio traje de Kamen Rider, Aka Ranger, Robotto Keiji, o cualquiera de sus héroes favoritos. Y de hecho, no deja de ser un sueño que prácticamente todos hemos tenido desde pequeños, cuando veíamos los dibujos o las series, queríamos enfundarnos en esos mismos trajes y vivir las mismas aventuras… En realidad, a esa edad, nos bastaba con la imaginación para disfrazarnos con cualquier cosa y así poder sentirnos como nuestros héroes (incluso sin disfraz). Pero aquellos que siguen manteniendo vivo ese niño en su interior, ahora ya no les basta con la imaginación. Quizás está más atrofiada, o simplemente el poder adquisitivo que hemos adquirido permite plantear nuevas posibilidades…
Hace ya uno o dos años, nosotros mismos nos planteamos si existiría por algún lado alguien que se dedicase a hacer trajes de Kamen Rider a medida. Pero no trajes de lycra que imitan el de verdad, en plan disfraz carnavalero cutre, sino auténticas réplicas de los trajes, con su casco, su armadura, etc. Y aunque parezca mentira, encontramos el sitio.
Se llama Hero Cosplay, y aunque al principio se lo tomaron como una especie de pequeño negocio amateur, parece que cada vez son más profesionales en su trabajo, y les avalan sus resultados, unos espectaculares trajes que a muchos nos encantaría probarnos. Ahí van algunos de sus trajes…
Aquí tenemos a Kamen Rider Kabuto y Gattack… ¡quiero el de Kabuto!
Los clásicos nunca pasan de moda, los dos Kamen Rider originales.
Pero no todo son Kamen Riders, también hacen trajes de Super Sentai… seguramente mucho más baratos y fáciles de hacer.
Cuando te pones uno de estos trajes, el traje se apodera de ti y no puedes evitar hacer las clásicas posturitas Sentai.
Seguramente os habrá picado el gusanillo de saber qué puede costar un traje de estos. Nosotros mismos no pudimos resistirnos, y al saber que los hacían a medida (más o menos), les preguntamos cuánto costaría hacer un traje de Kamen Rider Kabuto para un tío de dos metros de alto… ¿qué decís? ¿era barato? ¿era caro? Pues el precio que nos dieron fue de 1350$ (poco más de 1000 euros con el cambio actual). ¿Qué os parece? ¿Caro? ¿Aceptable?
Por supuesto hay que tener en cuenta que lo hacen a medida y con materiales de muy buena calidad, y que el efecto que tienen es prácticamente el mismo que el de los trajes originales. Otro tema es que el que lleva el traje tenga el “tipo” adecuado para llevar un traje así (hehehe). Pero para nuestra desgracia, nuestro poder adquisitivo no nos permite gastarnos alegremente 1000 euros en un caprichito, y de hacerlo, las represalias que podría tomar la Comandante de la Arcadia podrían ser de proporciones cataclísmicas. Así que nos tocará seguir soñando… al menos por el momento.
Pero no son sólo los fans del tokusatsu los que gustan de estos fantásticos trajes. La inspiración para hacer este post nos vino a partir de unas fotos que muy amablemente nos mandó el cosmonauta JIVARE, en las que nos mostraba el fantástico trabajo de un colega suyo con el traje de Iron Man (¡hecho de papel y masilla!). Así que, con su permiso, y con nuestro agradecimiento, ahí van las fotos:
Más trabajos y la evolución del traje en Gatshu Models.
aunque esta semana hemos cambiado de día, seguimos con nuestros posts sobre Visual Kei, cuando sólo queda una semana antes de que finalmente Gackt actue en Barcelona. Hoy queremos hacer un post dedicado a la que ha sido una de nuestras bandas favoritas del estilo en estos últimos años, una banda de segunda, o casi podríamos decir tercera generación dentro del Visual Kei, y que actualmente son de los grupos más populares. Hoy hablaremos de ガゼット, the GazettE.
A pesar de que sean de 2a o 3a generación, the GazettE ya llevan una cantidad de años de experiencia nada desdeñable, especialmente si tenemos en cuenta que muchas bandas de Visual Kei tienen una vida media bastante corta. Su longevidad es también la responsable de que podamos hablar de varias fases en el desarrollo de la banda, y es que su sonido ha evolucionado mucho con el tiempo, algo que intentaremos explicar con este post.
Los inicios de la banda se encuentran en una banda llamada Ma’die Kusse (un nombre muy típico de las bandas de Visual Kei de la época, incomprensible y con apóstrofes), formada en el año 2000, cuyo sonido se englobaba dentro de las vertientes más extremas del Visual Kei, o dicho de otro modo, de las menos comerciales.
Ma’die Kusse, antes de convertirse en Gazette.
En 2002, y después algunos cambios de formación, cambiaron su nombre a ガゼット (Gazette), y empezaron con el sello Matina, que por esa época era la responsable de la mayor parte de bandas clon que existían en el panorama “visualkeyero”, y en realidad seguían un poco las normas habituales en cuanto a sonido y estética. Muchas de estas bandas de Matina no destacaron especialmente por su calidad u originalidad, pero al final sí que dieron sus frutos: Miyavi salió de una banda de Matina, y por supuesto, the GazettE.
Pero apuntaban maneras. En sus primerísimos trabajos ya se pueden escuchar algunos de los rasgos característicos de la banda que, a pesar de su evolución, se han mantenido en muchas de sus composiciones, como puede ser un toque algo funk en sus guitarras, o los cambios repentinos, en los que cortan por completo la canción y te salen con un cambio de tempo y de tono muy impactante.
No durarían mucho en Matina, ya que en 2002 el sello cerró definitivamente, y muchas de sus bandas se pasaron a PS Company, un sello con muchas posibilidades y responsables de sacar adelante muchas de las bandas punteras del Visual Kei de última generación (alice nine., Kra, SuG…). En esta época, Gazette estaban en un plan bastante experimental y destroyer, en el que parecían experimentar mucho con sus composiciones, las sonoridades, y los distintos estilos, aportando algo más de contundencia. Podríamos decir que era una época mucho más “siniestra” para Gazette. Y aquí tenemos un ejemplo…
Pero las bandas japonesas en general, y las de Visual Kei en particular, si se caracterizan por alguna cosa, es por la tremenda variación en sus estilos. De un Single a otro puede haber una diferencia abismal. Y si en el anterior video la imagen era inquietante y el sonido con un estilo muy industrial, que nos recordaba muchísimo lo que estaban haciendo Dir En Grey en ese momento… en el siguiente tema, que se incluía en el mismo disco, nos aparecían de esta guisa…
¿Agresividad? Por supuesto. Pero algo más de melodía y unas pintas mucho más elaboradas (¿más presupuesto?). Gazette no tenían problema alguna en mezclra en un mismo Mini-Album estilos bastante diferentes. Así pues, en el importante mini titulado “Madara” (2004), Gazette mostraban todas sus cartas, las más antiguas, las más presentes, pero también las más futuras. Un ejemplo puede ser la semi-balada “Sumire”, que ya rompía por completo la poca homogeneidad del trabajo.
Pero a partir de “Madara”, y en los siete meses que faltaban para que llegase su primer Álbum, “Disorder” (2004), la banda ya empezó a alejarse de ese lado más industrial-experimental, e incluso de los toques Nu-Metal siniestro típicos de Dir En Grey, para empezar a desarrollar plenamente su estilo más genuino, aquel que ya estaba presente en sus primeras composiciones. Y el cambio no era únicamente musical, ya que en los grupos Visual Kei esto siempre va acompañando de un cambio estético. El estilo “Fashion Visual Kei” de Gazette empezaba a fraguarse…
Y poco después llegó el mencionado “Disorder”, que no lo hizo nada mal en cuanto a ventas durante su primera semana, y que finalmente colocaba a Gazette entre los más grandes dentro del mundo indie. Al mismo tiempo empezaban a entrar con fuerza las guitarras acústicas en sus composiciones, y todo se suavizaba un poco, aunque sin perder su esencia.
Aunque la canción anterior parezca demostrar lo contrario, Gazette no habían perdido aún toda su mala leche, su versión más Metal y contundente. Que conste que ya os hemos advertido de la facilidad con la que mezclan distintos estilos en un mismo disco… “The $ocial Riot Machine$”…
Pero sí, como os decíamos, las guitarras acústicas empezaban a tomar mucho más protagonismo, así como las baladas o “power-ballads” si queréis. Y justo antes de empezar a reeditar su material antiguo, señal de que las cosas empiezan a irle bien a una banda, se sacaban de la manga el ya mítico single “Reila” (o Layla).
Que nadie se confunda, no estamos en absoluto insinuando que Gazette se estaban vendiendo ni nada parecido, no es nuestro estilo. Simplemente entendemos que la banda necesita evolucionar. Y no siempre es fácil hacerlo con dignidad, respetando los orígenes, y eso es algo que Gazette han sabido llevar bastante bien. “Reila” nos parece una buena balada, pero con “Gama” (2005), su siguiente mini-album, nos ofrecieron “Cockroach”, otro mítico tema, al menos para nosotros, con la contundencia metálica habitual, y ese toque “raro” tan típico de la banda (¿dice “Thrash Metal” al principio?). Por cierto, el sonido pobre del principio… forma parte de la canción.
Si “Disorder” sirvió para presentarles a una mayor audiencia y colarse entre los mejores grupos Indie, su siguiente disco, “NIL” (2006), no sólo es uno de los mejores trabajos (donde su estilo finalmente “cristaliza”), sino también el que más les ha servido para catapultarse a la fama del Visual Kei, no sólo a nivel japonés, sino también para empezar a conocerse fuera de las fronteras niponas (fue el primer trabajo de Gazette en publicarse en Europa). Aquí van algunos de sus Singles más aclamados:
Cassis
Silly God Disco
En el aspecto estético, aquí es donde ya empezamos a ver lo que nosotros hemos bautizado como el “fashion Visual Kei”, una línea estética muy habitual en algunos de los grupos de Visual Kei más grandes, y que nosotros hemos visto a Gazette como los principales exponentes. Esta nueva generación de bandas rompió con ese estilo más recargado y colorido que ellos mismos habían llevado en sus inicios, pero que encajaba más con las bandas que les habían precedido. Ya no se trataba tanto de crear personajes de fantasía, como de mostrar un estilo rompedor pero que no tenía porque despertar las risas de los ajenos al Visual Kei. La androgínia sigue estando presente, pero ya no se juega tanto con las mentes del personal, tal y como hacía Mana de Malice Mizer.
Y en su mejor momento, llegó seguramente uno de los Singles que más ha hecho por the GazettE (acabaron cambiando su nombre de Gazette a “the GazettE”), y que además, en su momento, fue todo un alarde de originalidad, por mezclar el Metal más moderno con unos toques al más puro R&B. Señoras y señores, con todos ustedes, “Filth and the beauty” (2006), canción con la que os retamos que intentéis entender las cosas que se dicen en inglés… ¡muchas más de lo que parece!
“Filth in the beauty” junto a otros Singles como “Hyena” o “Regret”, formaron parte del álbum “Stacked Rubbish” (2007), que ya fue el segundo en Europa, pero este ya fue un lanzamiento mucho más anticipado por los fans, especialmente por los Singles que habíamos mencionado. “Stacked Rubbish”, aunque no se aleja demasiado de los planteamientos de “Nil”, quizás tiene un giro algo más oscuro, más rudo y frío. Se podría decir incluso que se habían sofisticado un poco más en cuanto a su sonido, y también se había occidentalizado un poco más el estilo de la banda, ofreciendo temas algo más homogéneos, con menos cambios y mezclas de géneros musicales (pero siempre, siempre, manteniendo su esencia… o sus esencias). Un ejemplo de ese toque más frío es “Chizuru” (que formaba parte de la banda sonora de una peli de terror coreana llamada “Apartment”). Una nueva balada al estilo the GazettE, pero con un sonido que, aunque de lejos, nos ha recordado a Katatonia…
Y este proceso de “occidentalización” de algunas bandas de Visual Kei no es exclusivo de the GazettE, de hecho ya existen actualmente muchas bandas Visual Kei que han perdido en buena parte, quizás no completamente, esa esencia nipona Visual Kei que empapaba las canciones de las primeras generaciones. Dir En Grey fueron de los primeros en realidad, y aunque hay mucha distancia entre the GazettE y Dir En Grey, no se puede negar que los chicos de PS Company han dejado sentir la influencia de DeG en más de una ocasión.
Así pues, uno de sus últimos trabajos, “DIM” (2009), sigue el camino de “Stacked Rubbish”, y en realidad ya no nos llega a sorprender en absoluto, pero se sigue apreciando esa tendencia a ofrecer unas composiciones con toques americanos e incluso europeos… y como decíamos, que en algunos momentos nos siguen recordando mucho a Katatonia…
Es probable que “DIM” signifique el fin de la evolución de the GazettE, ya que desde “Nil”, y sobretodo a partir del éxito global de “Stacked Rubbish”, la banda ya se ha acomodado en un estilo que le funciona. Y si bien siguen siendo una banda muy interesante, con mucha calidad, el interés que despertaba en nosotros ha decaído un poco, precisamente por esa sensación de estancamiento estilístico. En esto vamos un poco a contracorriente, ya que a la mayoría de gente le gusta que sus bandas suenen siempre igual. Pero a nosotros nos llaman la atención aquellas bandas que siguen cruzando las fronteras de su propia música, aquellas que se arriesgan en cambiar, a pesar de lo mal que les puede salir… pero a the GazettE está claro que les salió muy bien. Veremos qué pasa a partir de ahora, después de haber fichado con la mismísima Sony Music.
nunca hablamos directamente de fútbol en la Arcadia, y hoy la cosa no va a cambiar, pero sí es cierto que la entrada que nos ocupa tiene su orígen en el mayor evento futbolístico que existe: el mundial.
Seguramente muchos conocéis el blog de Kurioso, los que no, os diremos que su título es más que explícito sobre su contenido. Su autor ha tenido la idea de dejar constancia de uno de los fenómenos colaterales del exitoso paso de la selección española en el Mundial: las calles vacías, que convierten pueblos y ciudades en auténticos lugares fantasma. Para ello ha organizado un concurso en el que hemos participado, y es que realmente nos ha parecido divertido salir a la calle cuando apenas había nadie y dejar constancia del poder del balón.
Como sólo podía mandar tres fotos y he hecho alguna más, aprovechamos el blog para ponerlas todas, y comentar con un poco más de detalle de lo que permite el concurso. Cabe decir que no ha sido tan sencillo encontrar la soledad, especialmente al inicio del partido, ya que aún quedaba bastante gente en la calle a la que la roja se la trae floja, cosa que ha frustrado mis intentos hasta cierto punto. También habría que decir que la mayoría de gente que había eran parejas de abuelos, y muchas más mujeres que hombres. Pero también es cierto que el tráfico era casi nulo, y que a esas horas, suele haber mucha más gente por la calle.
Pero vamos allá con las fotos que tomé de Mataró mientras tenía lugar el mundial, uno de los mayores eventos deportivos del planeta…
Esto es la Plaça Santa Anna de Mataró, punto neurálgico de esta ciudad catalana de unos 120.000 habitantes. Tomada la foto a las 20.40h más o menos, cuando el partido ya había empezado. Una tarde de un domingo veraniego, las terrazas estarían llenas de gente, y habría que esquivar a los transeuntes. Hoy se podía andar con los ojos cerrados y no chocar contra nadie. En la foto sólo se ve a una família, que en realidad no dejan de estar delante de uno de los “Frankfurt” de Mataró, donde por supuesto se estaba viendo el partido.
Esta foto sigue a la anterior, para que veáis que a lo largo de toda la Rambla de Mataró apenas había gente, y las terracitas todas cerradas.
Esta calle se llama El Torrent, y aunque suele estar bastante transitada entre semana, un domingo tampoco está a rebosar. Pero en el momento de la foto, al inicio de la segunda parte del partido, no había ni un alma, y tranquilamente nos hemos podido poner en medio de la calzada para sacar la calle, sin riesgo de ser atropellados.
El Torrent tiene un cruce de tres calles al final, donde sí puede haber más tráfico. La únioca presencia humana, una señora que observa un escaparate, y ni un coche.
La Riera es la calle principal para el paseo de los mataronins, a estas horas, y un domingo por la tarde, habría mucha gente paseando arriba y abajo. A lo lejos, lo único que se ve es la gente que está delante de los bares viendo el partido. Esta imagen de vacío incluso cuesta verse bien entrada la noche.
Ahora a ver si tenemos suerte en el concurso, y no olvidéis pasaros por el blog de kurioso para ver los resultados del proyecto.
hace muy poco citamos en un post dedicado a Lost la figura de Kevin Smith, el cineasta de New Jersey que durante varios años se convirtió por méritos propios en el Rey de los Nerds (por usar una palabra más americana, en lugar de friki). La culpa de ello fueron sus cinco películas de la llamada saga de New Jersey, pero también por una vida que le llevaría a consumar muchas de las fantasías nerd por excelencia: dirigir películas, ser actor, tener tu propia serie de dibujos animados, guionizar los cómics de tus personajes favoritos, e incluso montar su propia tienda de cómics. Con estos antecedentes, ya estábamos tardando en hablar de él en la Arcadia.
A pesar de sus 16 años de carrera, hablar de Kevin Smith sigue siendo sinónimo de “Clerks”, su primera y aclamadísima película de culto, que no dejaba de ser un relato autobiográfico de la vida de Smith como dependiente de una “convenience store” (es decir, como un “combini” japonés, o un super cutre en español). La película era un proyecto que se fraguó mientras estudiaba en una academia de cine, y acabó dejando esos estudios para poder llevarlo a cabo. No podemos decir que fuese una decisión equivocada, le costó 27.575 dólares (y tuvo que vender toda su colección de cómics para conseguirlos – algo duro para un nerd, está claro), y después del gran éxito de crítica y público acabó generando 3,1 millones de dólares de beneficios (parte de los cuales destinó a recuperar esa colección comiquera).
La película partía de una premisa sencillísima, Dante, el protagonista empleado de Quick Stop, no puede disfrutar de su día de fiesta ya que su jefe le llama pidiéndole que abra la tienda porque otro empleado se ha puesto enfermo. Y en realidad no pasa mucho más que eso. Lo que veremos a continuación es un continuo desfile de personajes por la tienda, y algunas situaciones un tanto curiosas, como un partido de hockey en la azotea del establecimiento, u otra que tiene lugar en los lavabos pero que mejor no os spoileamos (¿pero acaso no has visto “Clerks”? ¿cómo es posible?).La gran baza de la película, y lo que encandiló al público friki y no tan friki, fueron precisamente sus diálogos, faceta en la que siempre ha destacado Kevin Smith como guionista. Muchos de ellos estaban plagados de referencias a Star Wars y personajes de cómics, planteándose algunas de las premisas de estas obras, o desarrollándolas como sólo un auténtico nerd podría hacer. Y esto creó escuela. Hoy en día es muy habitual encontrarnos películas o series que incluyen este tipo de conversaciones, The Big Bang Theory sería el ejemplo más claro actualmente, y estamos seguros que lo que hizo Kevin Smith en “Clerks” y en posteriores películas tuvo algo que ver.
Pero hubo algo más en “Clerks” que ha perdurado. Fueron dos personajes icónicos que salieron de la mente de Kevin Smith: Jay y Silent Bob, una especie de Laurel y Hardy modernos, o mejor dicho unos C3-PO y un R2D2 de carne y hueso. El uno es un pervertido con la boca muy sucia, que se pasa el día vacilando y tocándose las partes nobles. El otro, tal y como indica su apodo “silent”, prácticamente no habla nunca, aunque cuando lo hace deja a todo el mundo boquiabierto por las perlas de sabiduría que suelta (por cierto, Silent Bob es Kevin Smith).
Jay & Bob delante del Quick Stop. En realidad, “Clerks” estaba inspirada en la vida de Kevin Smith, pero no como Silent Bob, sino como Dante, ya que el propio Kevin Smith trabajaba en el Quick Stop, el mismo que salía en la película, y compaginaba su trabajo en el super con el rodaje de la película.
Se podría decir, en términos “lostianos”, que Jay & Silent Bob son la “constante” de su saga fílmica, ya que aparecen en sus primeras cinco películas, y acostumbran a conocer a los distintos personajes, y es a partir de ellos que se crea normalmente un nexo de unión entre todas estas pelis de la llamada “Saga de New Jersey”. Pero esto no se limita simplemente a sacar a Jay & Bob en todas ellas, realmente hay un universo definido, con unos personajes que se conocen entre ellos y que se referencian los unos a los otros aunque ni siquiera aparezcan en la película. Y ojo, que esto no es algo hecho completamente sobre la marcha, ya que si veis, por ejemplo, “Mallrats”, en la escena final aparece algo que no pasará hasta tres películas después.
Lo curioso de todo esto es que Kevin Smith es uno de esos directores que tiene actores fetiche, y por lo tanto en muchas de sus películas veremos desfilar los mismo nombres, como son Jason Lee, Joey Lauren Adams, y sobretodo Ben Affleck, que de hecho fue un “descubrimiento” de Kevin Smith (“se lo podría haber ahorrado” pensarán algunos, con parte de razón). El problema de esto, es que estos mismos actores acaban representando diferentes personajes de un mismo mundo, con lo cual algun lío puede hacerse uno a la hora de entender como está tejida la red de relaciones. El delirio ya es máximo en la última película, “Jay & Silent Bob Strike Back”, ya que salen todos los personajes en la misma (aunque creemos recordar que no se llegan a cruzar nunca).
Vamos a repasar entonces las películas de la saga de New Jersey. Ya hemos hablado de “Clerks”, la película que convirtió a Kevin Smith en una nueva promesa, y por ello, y con más presupuesto pudo rodar “Mallrats”, una película en la se descubriría el talento de Jason Lee (ahora muy popular por su papel en “Me llamo Earl”), y tendría el morbo de contar con Shannon Doherty, la mítica Brenda en “Sensación de vivir”. Muchos ven “Mallrats” como una de las pelis más flojas de Kevin Smith, algo en lo que podríamos estar de acuerdo, pero su peli más floja (al menos por entonces), ya era mucho mejor que la media, y cualquiera con un mínimo de cultura comiquera sabrá disfrutar a lo grande de “Mallrats”, ya sea por sus hilarantes diálogos (como el de la posibilidad de que Superman le destroce el útero a Lois Lane con su esperma), o por la estelar aparición del mismísimo Stan Lee para darle una lección al nerd de Jason Lee (y no, no son familia).
La tercera entrega de la saga es para muchos la mejor película de Kevin Smith, algo también discutible, pero no se puede negar que en “Persiguiendo a Amy” Smith hizo un trabajo muy bueno, intentando alejarse del cine de puro entretenimiento de “Mallrats”, pero sin dejar de lado sus orígenes y sus influencias más frikis… de hecho, los protagonistas son dibujantes de cómics (y un calcador… esto… entintador). Además, “Persiguiendo a Amy” es el origen del cómic “Bluntman & Chronic”, dos superheroes muy especiales que, como veremos en el film, están basados en Jay & Silent Bob (y ellos reciben sus partes de los royalties por ello).
La cuarta entrega es quizás una de las pelis más famosas de Kevin Smith, seguramente porque los dos protagonistas fueron Ben Affleck y Matt Damon, quienes estaban en su pico de popularidad después de ganar un Oscar por el guión de “El indomable Will Hunting”. Pero “Dogma” es también la película que más se aleja del estilo de la saga New Jersey, ya que se trata de una peli fantástica que nos cuenta la historia de dos ángeles caídos que quieren liarla parda para volver a entrar al cielo. Pero parte de su popularidad quizás se deba también a la controversia que creó al tratar de la religión de una forma tan “guai”, algo que hizo que Miramax, la distribuidora de cine “independiente” de Disney, cediera los derechos a Lions Gate Entertainment, para no verse involucrados en la polémica. Kevin Smith recibió más de 300.000 emails quejándose de “Dogma”, y que publicó en su página web.
Pero a pesar de salirse del estilo de la saga, “Dogma” tiene lugar en New Jersey, y como no podía ser de otra manera, Jay & Silent Bob tienen un papel, y encima bastante importante (ni más ni menos que de profetas), con lo cual queda incluída en la saga de todas maneras. Aunque la peli ya no gira tanto entorno a las “frikadas” (haberlas haylas), “Dogma” es responsable de la creación del “Jesucristo Colega” o “Buddy Jesus” (parte de la campaña de “Catolicismo Guai”), esa imagen de un Jesucristo sonriente y mostrando su pulgar hacia arriba en plan “cool”, que ha traspasado la pequeña pantalla, y seguro que muchos ni siquiera saben de donde ha salido ese “Cristo Guai”. Por cierto, también sale Dios en la peli…
La última entrega, y que iba a cerrar la saga (casi) definitivamente, fue la ya mencionada “Jay & Silent Bob Strike Back”, y este título tan Star Wars ya es toda una declaración de intenciones. La historia empieza con los comiqueros de “Persiguiendo a Amy” vendiendo los derechos de los personajes Bluntman & Chronic a unos estudios de Hollywood que quieren realizar la película. A Jay & Bob no les sienta nada bien, quieren su parte de pastel, y si no la tienen, van a sabotear la película. Así pues, estamos ante una “road movie”, algo chorra en muchos aspectos, pero que es una simple excusa para recuperar a todos los personajes de la saga, y encima, sacar a un montón de colegas de Smith, incluyendo al protagonista de “American Pie” o al mismo Dawson de “Dawson crece”. Y eso no es todo, también aparecen Gus Van Sant, dirigiendo una supuesta segunda parte de “El Indomable Will Hunting”, en la que aparecen de nuevo Matt Damon y Ben Affleck interpretándose a si mismos. Pero el cameo más importante está relacionado con el título de la película, ya que aparecen los mismísimos hermanos Skywalker, Mark Hamill y Carrie Fisher, es decir, Luke y Leia, él haciendo de malo en la película dentro de la película, y ella haciendo de monja que tiene un encontronazo con Jay & Silent Bob. Como decíamos, no es que sea una gran película, es simplemente un fin de fiesta que cualquier fan de la saga podrá disfrutar.
El cierre de la Saga de New Jersey no fue en absoluto el fin de las películas de Kevin Smith, le seguirían la lacrimógena “Jersey Girl”, una secuela de Clerks que evidentemente no estuvo a la altura, y “Zack & Miri make a porno”… Pero lo cierto es que lo dejaremos aquí porque, ya que a partir de este punto lo más interesante de Kevin Smith dejaron de ser sus películas, que empezó a compaginar con una vida “friki” muy activa. Aquí empezó, por ejemplo, a cumplir uno de los grande sueños de cualquier friki, guionizar los cómics de algunos de sus personajes preferidos. Así pues, pudimos verle encargándose de algunas historias para Green Arrow, Daredevil, (incluso hizo un cameo en la infumable versión cinematográfica), Spiderman, la Gata Negra, Batman…
Pero no sólo se publicaron sus cómics de DC y Marvel, sino que aún consiguió algo mejor, publicar sus propios cómics, basados en los personajes de sus películas y que venían a completar las historias contadas en las películas. Por ejemplo, tenemos un ejemplar de “Clerks: The Lost Scene” en el que se nos cuenta lo que pasó en una escena que nunca llegó a rodarse en la película, aunque sí vemos el antes y el después.
O tenemos también “Persiguiendo a Dogma”, en el que se nos cuenta lo que pasó entre “Persiguiendo a Amy” y “Dogma”, algo que nunca llegamos a ver.
Aparte, tenemos también el auténtico cómic de “Bluntman & Chronic”…
E incluso algunas aventuras de Dante y Randy, los motivados trabajadores del Quick Stop (en la edición española se incluye “The Lost Scene”).
Quizás toda esta actividad sería suficiente para cumplir los sueños de cualquier nerd, pero Kevin Smith aún tuvo tiempo para escribir un libro, o diario, sobre su “aburridísima” vida (My boring ass-life) y que aún no hemos leído, y montar su propia tienda de cómics (física y virtual).
¿Queréis más? Estuvo a punto de guionizar la última película de Superman, y aunque no lo cnsiguió, eso le llevó a enfrentarse al mismísimo Tim Burton, y a conocer a algunos superproductores de Hollywood excéntricos obsesionados con las arañas gigantes. Anécdotas que fueron recogidas en una serie de charlas que Smith dio en algunas universidades americanas, y que os recomendamos ver en su totalidad un día de estos. Por ahora os dejamos con un fragmento más que interesante, en el que veremos como se montan las cosas en Hollywood, y entenderemos muchas cosas…:
Pero aún hay más, porque llegó a hacer una serie de animación basada en Clerks, lo cual también le llevó a hacer muñequitos de los personajes. Es decir, tenía su propio muñequito de Silent Bob, ¡increíble! Aquí tenéis, en su versión animada, la “lost scene” que apareció en cómic…
Seguramente podríamos seguir con más historias que han convertido la vida de Kevin Smith en una auténtico camino lleno de Todo Lo Que Mola, y es por eso que se merecía aparecer en la Arcadia, por eso… y bueno, porque nos encantan todas estas películas.
hoy cerramos definitivamente nuestro particular ciclo “Asia Geek”, recopilando todos los videos de la presentación del libro “Un Geek en Japón” que realizó su mismo autor y reputado bloguero, Hector García “Kirai”. Hemos incluído las 3 partes que publicamos ya de la presentación, y completamos con la segunda tanda de la ronda de preguntas y respuestas, que se cerraron con algunas preguntas interesantes, y más aún lo eran sus respuestas. Los que ya habéis visto las anteriores cuatro entregas, podéis ir directamente al último video.
Presentación “Un Geek en Japón”
Ronda de preguntas
Gracias al departamento de prensa de Casa Asia por su colaboración.
sentimos decepcionaros, pero hoy no os vamos a ofrecer un nuevo episodio de nuestras ya clásicas aventuras en stop-motion de los chibi-riders. Sí es cierto que ahora que ya estamos en verano, que se acercan las vacaciones y divisamos algo más de tiempo libre en el horizonte, no descartamos la idea de ofreceros algún episodio veraniego especial, pero no es lo que nos ocupa hoy.
Mientras navegábamos por los archivos arcadienses de video, nos hemos topado con algo que ya quisimos mostraros hace tiempo, cuando hacíamos los stop-motion de forma regular, y que quedó relegado en el olvido cuando cancelamos la serie. Pero animados por el descubrimiento, es el momento de enseñaros como lo hacíamos, para que os déis cuenta también del curro que suponía hacer sólo un par de minutitos de stop-motion.
Y quien sabe, quizás así nos inspiremos… ;-)
Evidentemente, el trabajo de post-producción también lleva su rato, normalmente más del que se tarda en hacer las fotos. Pero ver como todo ese trabajo tan mecánico y aparentemente aburrido se acaba convirtiendo en algo animado, en algo que se mueve, respira… ¡es todo una satisfacción! El resultado fue el siguiente…
hoy queremos hablaros de un curioso proyecto relacionado con Kamen Rider: los musicales de Kamen Rider.
Más de uno os estaréis preguntando ahora mismo, con ojos como platos, si de verdad puede existir un “musical de Kamen Rider”, y aunque no os estamos engañando en absoluto, es posible que la idea que tengáis en la cabeza no sea del todo acertada. Pero es cierto que existe, no una, sino varias actuaciones musicales/teatrales basadas en Kamen Rider.
Y aunque sería una auténtica partida de culo ver a Kamen Rider, cualquiera de ellos, cantando cual musical (como el de Spiderman), en realidad de lo que estamos hablando es de un concierto que se mezcla con coreografías y algunos diálogos de los actores de la serie… aunque lógicamente se hace todo en vivo y en directo (más o menos) encima de un escenario y con público. Puede que algunos hayáis visto en animes o mangas, o incluso si habéis visitado Japón, que es bastante habitual que en algunos parques de atracciones se hagan representaciones de Kamen Rider o Super Sentai, en las que actores disfrazados realizan algunas cuantas coreografías (con más o menos gracia). Más o menos como los espectáculos del Far-West que se puedeb ver en parques tipo Warner o Disneyland, pero con un toque absolutamente nipón y tokusatsero. Pero el caso que nos ocupa es de mayor presupuesto y sofisticación. Para empezar cuentan con los actores originales de la serie, y para el espectáculo incluso se han compuesto expresamente algunas canciones. Aquí tenemos un ejemplo, del show del 10º de los Riders Heisei, con los “masillas” de Shocker cantando su cancioncita de Dai Shocker…
Pero ojo, que también aparecen los personajes clásicos, en este caso, el Masked Rider Live 2000…
Lo que no tenemos muy claro aún es si los diálogos están grabados, y se dedican a hacer playback, o si realmente lo están diciendo de verdad. De hecho, tendría sentido que los actores en el traje hagan playback, ya que en realidad nunca oímos su voz en la serie, sino la de los actores. De ser así, el aire kitsch que tiene todo esto aún se vería más magnificado.
El espectáculo no se limita sólo a las cancioncillas cutres, las batallas, y las actuaciones. Normalmente, este tipo de eventos tienen un segunda parte, seguramente la que justifica en mayor medida la asistencia, que es un auténtico concierto con todos los clásicos de la banda sonora de Kamen Rider. Así pues, algunos de los cantantes originales (normalmente aquellos cuya carrera ya se basa más en la nostalgia que otra cosa) se reúnen para entonar temazos como “Kamen Rider Let’s Go”, “Kamen Rider V3″, etc., pero también algunos de los más nuevos de Kamen Rider Kiva o Kamen Rider Den-O.
La banda de muchos de estos conciertos siempre ha sido la misma, los ya míticos Rider Chips, una banda que se formó para interpretar muchos de los openings y endings de los Riders de la era Heisei (aunque esto ya os lo contaremos en otro post próximamente), que invitan a los cantantes a subirse con ellos al escenario.
Suponemos que la mayor parte del público que asiste a estos eventos son niños y sus madres (ya que ellas también ven Kamen Rider), y es que todo el formato rezuma “espectáculo familiar” por todos sus poros. Pero estamos seguros que si uno es fan de Kamen Rider pasará un buen rato viendo en vivo y en directo lo que siempre ha visto a través de la TV, y si encima la cosa terminará con interpretaciones en directo de los clásicos de Kamen Rider, ¿qué más se puede pedir?
Como os decíamos, en breve os hablaremos de la producción musical que ha generado Kamen Rider. Desde los primeros openings, a las distintas “superbandas” dedicadas al personaje.
seguimos con los lunes dedicados al Visual Kei, sinónimo de menos visitas y comentarios en el blog, a pesar de que es un tema tremendamente interesante (para nosotros). Empezamos este ciclo para preparar el terreno para el próximo concierto de Gackt, y era de recibo hablaros de la banda que le introdujo al mundo, la banda que le forjó como artista, y que es una de las bandas más importantes y especiales que ha parido el Visual Kei: Malice Mizer.
Aunque siempre se ha dicho que X Japan o Shazna son los padres del estilo (aunque en realidad hay precedentes más antiguos), para muchos, la máxima expresión de lo que es Visual Kei, el grupo definitivo y definitorio son estos Malice Mizer. Lo tienen todo. En lo estético, han sido seguramente el grupo que más lejos ha llevado la preocupación por su aspecto y han sido capaces de crear una cosmogonía especial en cada disco. En lo musical, encontraremos tanto los devaneos electrónico-góticos que hemos visto en algunas bandas Visual, como el Rock/Metal más habitual (aunque decir que la música de Malice Mizer es “normal” tampoco es muy acertado). Ellos fueron los líderes de la 2a ola de bandas Visual Kei, y fue a través de ellos que el resto del mundo acabó descubriendo el Visual Kei, y por lo tanto, los primeros responsables de sentar las bases del estilo, al menos para los ojos occidentales.
La historia de Malice Mizer empieza en 1992, y ya desde el primer instante su música era una extraña criatura que mezclaba sonoridades góticas, un poco al estilo Darkwave, con el Rock, el Metal, y unas maneras “afrancesadas” importantes. En lo estético, aún eran una banda independiente, que empezaba, y eso se notaba en su indumentaria, pero no por ello ejaba de ser llamativa y muy influenciada por el rollo andrógino gótico de los ochenta. De hecho, si algo llama la atención de muchas bandas de Visual Kei, es que a principios de los noventa estaban adaptando unos estilos estéticos y visuales que en Occidente ya empezaban a dejarse atrás. Aunque, como suele ocurrir, los japoneses lo llevaron a su terreno para hacerlo a su manera.
De esta época, aparte de algunos Singles, encontraremos el disco “Memoire”, el único con el vocalista Tetsu, y que como decíamos es un embrión bastante formado de lo que estaba por llegar musicalmente. Pero estaba por llegar uno de los cambios más trascendentes para la banda, y después de un año sabático, llegaba un nuevo vocalista llamado Gackt. Aunque Gackt Camui se sentía más confiado como batería (que era lo que hacía en su banda anterior), parece que Mana, líder indiscutible de Malice Mizer, se interesó en él por su voz, y podemos decir que acertó en el cambio. Uno sólo tiene que escucharse “Voyage ~sans retour~” (1995), donde aparte de hacerse evidente un giro hacia un registro musical más histriónico, dejando un poco el Gothic/Darkwave para acercarse a una concepción más clásica, más barroca, brillaba con luz propia la aportación de Gackt, con una interpretación más comedida que la de Tetsu, pero también más potente en muchos sentidos.
Seguramente con más presupuesto, y con unas ideas mucho más claras de lo que querían ser, Malice Mizer dieron un gran salto estético, y empezaron a tener una identidad propia, alejándose de esa imagen andrógina gótico-ochentera típica de muchas bandas Visual Kei, para empezar a recorrer un camino hacia la sofisticación más absoluta, convirtiendo a cada miembro en un personaje que podría haber salido de algún cuento de hadas. Y esto es algo que también se trasladó a los conciertos, un aspecto que realmente cuidaban al máximo, hasta el último detalle, convirtiendo sus actuaciones en una mezcla de musical, teatro y concierto de Rock. Para ejemplo, los siguientes videos:
Habiendo demostrado que Malice Mizer eran algo grande, y que no podía quedarse en lo independiente, en 1997 ficharon para Nippon Columbia. Esto significaba más presupuesto aún, una auténtica oportunidad para llevar Malice Mizer a lo más alto tanto estéticamente como musicalmente. Aparecieron varios Singles, e incluso grabaron un cortometraje, y finalmente lo recogieron todo en el disco “Merveilles”, para nosotros, el mejor disco de Malice Mizer con mucha diferencia, en el que aparecen algunos de sus temas más trabajados y más definitorios del estilo Malice Mizer, y lógicamente con la mejor producción en cuanto a sonido (aunque siguen manteniendo algunos de sus temas más electro-petardos). Aquí es donde las guitarras dobladas típicas de la banda suenan mejor que nunca, donde la mezcla de influencias de la banda realmente ha cristalizado en una identidad única, demostrando que nadie puede sonar como Malice Mizer.
No hace falta decir que los conciertos para este disco fueron de lo más espectacular, inmortalizando a ese Gackt alado, como un ángel caído. Aunque en realidad, fue a partir de entonces cuando Gackt realmente levantaría el vuelo y Malice Mizer caería en desgracia.
Cuando Malice Mizer gozaba de su mejor momento musical y estético, y por supuesto su mejor momento de popularidad, Gackt abandonaba la banda para iniciar immediatamente su exitosa carrera en solitario. Y si este no era suficiente revés para la banda, a los pocos meses moría Kami, el carismático batería, víctima de una hemorragia subaracnoidea. Poco después aparecería un EP con algunos temas que Kami había compuesto, pero desde entonces la banda daría un cambio drástico en su estética e incluso su música, un giro mucho más oscuro tanto musical como estético, dejando atrás los colores para empezar a vestir de negro. Algunos describen esta nueva étapa como más “victoriana”, y en realidad encaja bastante con la estética de la banda en su siguiente trabajo. Cabe decir que desde entonces, Kami nunca fue sustituído de forma permanente, y la banda utilizó baterías programadas, o baterías de sesión para sus siguientes trabajos.
Con algunos Singles, el fichaje de Klaha como nuevo vocalista (aunque tardó en ser presentado “oficialmente”), y finalmente con el disco favorito de los góticos llamado “Bara no seidou”, Malice Mizer empezaban una nueva era para la banda. Los ramalazos poperos o petardos que aparecieron en la época Gackt fueron suprimidos sin piedad, aunque mantenían esa mezcla de sonidos clásicos de estilo barroco, con ese toque electro-gótico, e incluso el Heavy Metal, las composiciones eran mucho más largas, más complejas, y sin duda, mucho más oscuras y depresivas. De hecho, hicieron un gran número de temas instrumentales, repletos de órganos y violines, que eran acompañandos de videos mucho más tétricos de lo habitual, y dejando de lado ese toque kitsch de la época de Gackt (en muchos aspectos nos recuerdan a Lacrimosa).
Aunque sea algo atrevido asegurar esto, podríamos decir que fue este disco el responsable de que el Visual Kei empezara a germinar en Europa, o al menos, en España. Estos sonidos y esa estética victoriana parecía encajar a la perfección con cierto colectivo, y seguramente fueron los góticos los primeros en empezar a escuchar Malice Mizer, los primeros en empezar a mostrar un gran interés por las bandas japonesas, y en los primeros años del siglo XXI, uno podía meterse en una discoteca gótica de Barcelona y comprobar como el público se volvía loco escuchando la siguiente canción, “Beast Of Blood”:
Pero cuando Malice Mizer empezaban a ser famosos fuera de Japón, ya hacía algunos años que la banda había anunciado que cesaba sus actividades hasta nuevo aviso. La época de Klaha fue corta, aunque rica en Singles y videoclips, y muy importante a la hora de abrir las fronteras del Visual Kei.
Todos los miembros de Malice Mizer siguieron con otros proyectos en solitario, aunque el más notable y de más éxito fue el de Mana y sus Moi Dix Mois (llevándoles incluso a Barcelona en una ocasión). Y aunque se ha comentado en más de una ocasión que algunos de ellos han expresado su voluntad de volver a la escena, no parece que existan unos planes sólidos para que esto ocurra.
En cualquier caso, ahí queda el legado de Malice Mizer, importantísimo para entender qué es el Visual Kei. Aunque, a pesar de ser todo un referente, pocas o ninguna banda ha conseguido llevar sus propuestas tan lejos como lo hicieron Malice Mizer, que conviertieron una banda de Rock en un auténtico engendro artístico con múltiples facetas.
por petición popular, recuperamos nuevamente la conferencia que dio Hector García “Kirai” en el ciclo Asia Geek de Casa Asia, para ofreceros finalmente las preguntas que el público le pudo hacer al final de la presentación. Y ya sabes que a veces, pueden ser incluso más interesantes las respuestas a las preguntas, que la propia conferencia (y no es que esta no lo fuera).
Próximamente la segunda parte de las preguntas, y habremos finiquitado el tema. ¡Esperemos que lo disfrutéis!
Urías lleva todo el día corriendo arriba y abajo por los pasillos de la nave, gritando que por fin lo ha conseguido, que finalmente ya tiene su juguete… ¡y lo que ha costado! Después de que se estropeara su cámara, después de “pedir prestada” otra en varias ocasiones, finalmente Urías ha conseguido entrar en el mundo del Full HD, y no por la puerta pequeña. Después de darle muchas vueltas (físicas y metafóricas), finalmente encontramos una cámara que por precio y calidad valía mucho la pena. Se trata de una CANON Legria HF S20.
De haber sido nueva nos hubiese costado casi mil euros (y cuando salió unos cuantos más), pero como ya tiene un año más o menos, y además es de ocasion, nos hemos podido ajustar al presupuesto. Y aún así, hemos conseguido una cámara con grandes prestaciones, podríamos decir semi-profesionales, que nos van a dar mucho más juego que las cámaras domésticas estándar (¡y cuya calidad de imagen será muy superior a lo que os tenemos acostumbrados!).
Así pues, en Mamonaku Films estamos de enhorabuena, ya que finalmente tenemos una cámara que nos permitirá usar un micro (mejorando el audio de las entrevistas pirata), también contaremos con cierto enfoque manual, lo que nos permitirá ser algo más creativos y cool en nuestros videos, e incluso se le puede cambiar el objetivo por algo más profesional.
Tenemos muchísimas ganas de empezar a probarla, y de hecho, ya tenemos unas cuantas entrevistas previstas que pondrán a prueba la cámara. Aunque lo primero será dominarla, ya que tampoco somos unos expertos en el tema, y tendremos que echarle un buen vistazo a las instrucciones, y sobretodo, mucha práctica.
EDIT: Muchas gracias a todos los que colaboraron en conseguir un grandísimo regalo de cumpleaños ;-)
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