Archivos para 3 diciembre 2009



16
dic
09

NEXO TLQM: Cyborg 009

Saludos cosmonautas,

en nuestra semana del NEXO #TLQM dedicada al tokusatsu, después de dos grandes iconos como son Ultraman y Godzilla, toca ya empezar a hablar de las obras de uno de los mangakas que más han influído en el género y que mayor número de obras nos ha brindado. Estamos hablando, claro está, de Shotaro Ishinomori, el creador de Kamen Rider, Kikaider, Inazuman, Akumaizer 3, GoRangers, y un sinfín más de personajes. Pero hoy nos vamos a una obra que cumple este año su 45 aniversario, una obra que nosotros sepamos no ha llegado a traspasar el manga y el anime para convertirse en live-action (al menos por ahora, hay indicios de que esto podría cambiar). Estamos hablando de Cyborg 009, una de sus obras más emblemáticas, una de aquellas muy queridas por el público, y además de las pocas que han salido de Japón con cierta notoriedad (algo no muy común de las obras de Ishinomori, por desgracia).

La historia de Cyborg 009 es la de de 9 humanos que son secuestrados por el malvado de turno que después de siniestros experimentos les acaba conviertiendo en cyborgs con superpoderes. Como no puede ser de otra manera, los nueve se revelan contra su captor y luchan para derrotarle y ganar su libertad, convirtiéndose luego en luchadores por la libertad y la justicia, etc, etc.

Es posible que a muchos les suene este argumento, y es que es una constante en muchas de las obras de Shotaro Ishinomori, y se ve de forma muy obvia en los Kamen Rider de la era Showa, en las que es habitual que el héroe sea un cyborg, y que detrás de su transformación exista una maléfica organización. Y de hecho, incluso en los GoRangers es parecido el argumento.

Las aventuras de estos 9 cyborgs, de variadas nacionalidades, han sido adaptadas a la gran y pequeña pantalla en múltiples ocasiones desde los años 60 hasta su último anime televisivo que empezó en el 2000. Pero nosotros solo hemos tenido acceso, por el momento, a uno de los anime que se estrenaron en los cines japoneses en 1980: “Cyborg 009 La Leyenda de la Supergalaxia”, un DVD que urgando un poco podréis encontrar en algunas tiendas. Y es una compra altamente recomendable. No solo por ser de las pocas cosas que se encuentran de Ishinomori editadas en este país, si no que además es de las buenas (no sé, digo yo que algo malo habrá hecho este señor, ¿no?). Para saber más sobre el manga, ya sabéis que tenéis que ir a Mangaland, y para el Cyborg 009 publicitario a Publicidad Japón.

La portada del susodicho DVD edición española.

El anime que nos ocupa lógicamente no se anda con rodeos explicando el origen de estos nueve cyborgs porque se supone que el espectador ya sabe la historia de sobras, así que aquel que no tenga ni idea puede sorprenderle que se vaya tan a saco, e incluso hay algunos momentos en los que se referencia un poco su historia pasada, pero en ningún caso es un impedimento para ver este anime el no haber visto o leído nada anteriormente, ya que se puede disfrutar como buena Space Opera que es. La historia empieza con  un secuestro de un científico que quiere controlar una especie de energía universal llamada vórtex y la aparición de una misteriosa nave cuyo ocupante pide ayuda a los 9 cyborgs, quienes por entonces se habían retirado de su rol de justicieros.

Pues sí, 009, el cyborg guaperas, al principio era rubio. Pero eso era muy de los sesenta, y luego se tiñió el pelo a castaño.

La película tiene prácticamente todos los elementos que acostumbran a configurar cualquier historia de batallas espaciales: una nave espectacular y misteriosa, contactos con maravillosos seres extraterrestres, unos malos megalómanos muy feos y duros de pelar, que tienen varias galaxias bajo su poder tiránico, luchas entre naves espaciales, cúmulos de esteroides, agujeros de gusano, algunas tragedias aquí y allí, y la casi obligatoria parada en un planeta para a) reparar la nave b) coger provisiones, con los previsibles resultados a) enfrentamientos con hóstiles nativos b) resolución del problema y c) un romance con la reina del planeta por parte del guaperas del grupo. Como decíamos, lo tiene todo, y lo mejor es que, como suele pasar con muchas de las obras de Ishinomori, hay más chicha de lo que uno podría esperar. Un ejemplo de esto puede ser el romance entre 009 y la reina del planeta que mencionábamos, en el que se percibe una tensión sexual contenida poco habitual en títulos de esta índole, y en la que entra en juego también 003 (la única cyborg femenina del grupo), quien lógicamente está enamorada de 009 y sufre en silencio al ver como esa pelandrusca intenta arrebatarle a su querido cyborg guapetón (¿lo consigue o no? Eso tendréis que comprobarlo vosotros mismos.). Pero lo más interesante y sorprendente es la resolución final del conflicto. Lógicamente no os voy a decir en qué consiste, pero sí os puedo decir que ese final, que puede recordar vagamente a películas como “2001: Odisea en el Espacio”, sagas comiqueras como las “Secret Wars” de Marvel, e incluso “Watchmen” (decidme vosotros porqué), es algo que uno no esperaría, al menos no la forma que escoge el autor de resolver la papeleta.

Como decíamos, esto es por ahora lo único a lo que hemos tenido acceso, y habrá que indagar mucho más. El primer motivo es que es una obra de Ishinomori, pero también porque son unos personajes muy carismáticos,  y todo hay que decirlo, ¡con unos trajes estupendos! Y si no mirad esto…

Los “dos” de Ramen Para Dos con su fabuloso cosplay de Cyborg 009 que se pudo ver en el XV Saló del Manga de Barcelona de este año.

Además estos 9 personajes son muy queridos y carismáticos y no es de extrañar entonces que hayan aparecido incluso en otras obras del mismo autor como Skull Man, manga que también tiene otros ilustres cameos de Kamen Rider, Kikaider, Robot Keiji, y los GoRangers, entre otros personajes del universo Ishinomori). Y no os lo perdáis, ¡también hay pachinko de Cyborg 009! ¡Va por ti, Pau!

A continuación os mostramos algunos de los openings del anime televisivo… ¡el primero en blanco y negro! (si que es viejuno esto, oiga).

Versión 1979

Versión 2001

Como esta vez no hemos encontrado mucha obra musical inspirada en Cyborg 009, más bien nada, aquí tenéis un vídeo simpático inspirado en esta obra del Rey del Manga:

Os reservamos una sorpresita para el final… el primer capítulo del Anime de los 60 subtitulado al inglés (¡disfrutadlo mientras dure en YouTube!):

¡Ahora corriendo todos para leer el post sobre el manga de Cyborg 009 en Mangaland, y el post sobre la publicidad en Publicidad Japón!

15
dic
09

NEXO TLQM: Ultraman

Saludos cosmonautas,

seguimos con la semana del NEXO #TLQM dedicada al Tokusatsu con otro de los grandes iconos de Japón. Si ayer os mostrábamos el Rey del Tokusatsu en la pantalla grande, hoy os presentamos al Rey del Tokusatsu en la pantalla pequeña, preparen sus reverencias porque llega… ¡Ultraman! ¡CHA!

En realidad no nos vamos muy lejos, ya que Ultraman es creación de Eiji Tsuburaya, quien estuvo también detrás de los efectos especiales de Gojira. Para daros un ejemplo de la importancia que tiene Ultraman en la historia del tokusatsu japonés comentar que se ha llegado a decir que Ultraman es como el Star Trek japonés. La comparación es lógica, ambas son series de TV de ciencia ficción, ambas empezaron en los años 60 y han llegado hasta nuestros días (aunque las dos con parones y épocas de baja popularidad) y también ambas forman parte indivisible de la cultura televisiva y la cultura nerd/friki de sus respectivos paises de origen. Pero las semejanzas se quedan en eso, porque en realidad son obras muy diferentes.

La saga de Ultraman, o conocida como las “Ultra Series”, es también la serie de TV Tokusatsu más longeva de Japón, con 25 temporadas y un sinfín de “Ultramen” diferentes (Ultraseven, Taro, Ace, Leo, Tiga, Gaia… – según parece, Ultraman tiene el Record Guiness en cuanto a spin-offs), también cuena con más de 20 películas, algunas de anime, y tantas otras formas de explotación (como ya sabéis, como parte del NEXO #TLQM, Marc Bernabé se encargará de hablar de los manga de Ultraman y Adrián Montiel de la publicidad inspirada en el poderoso superhéroe).

La familia al completo.

En esta ocasión tampoco hemos tenido acceso a todas las series y películas, por razones más que obvias, pero sí que en su momento (cuando YouTube era un paraíso de contenidos de todo tipo sin apenas restricciones), pudimos ver un montón de capítulos de la serie original de 1964 subtitulada al inglés (qué bueno era ser becario a veces). Aunque hay que hacer un inciso, y es que esta en realidad era la predecesora de otra serie, “Ultra Q”, un a serie sobre investigaciones de sucesos paranormales al estilo “The Twilight Zone” e incluso “The X Files”, pero con monstruos al estilo kaiju (sobretodo por imposición de las modas del momento). Seguramente la “patrulla científica” eran los herederos de lo visto en “Ultra Q,” pero en Ultraman pasa algo que lo transforma todo. (Los que sepan japonés pueden ver la série de “Ultra Q” clicando aquí.)

Unos trajes ” muy de los noventa”, ¿verdad? LOL

La serie original (y ha llovido mucho desde entonces) situaba la acción en el por entonces lejano 1993, con un planeta tierra que sufre los ataques de varios monstruos y cuya única defensa efectiva es la SSSP (no es ningún software de estadística, es la Scientific Special Search Party). Uno de sus miembros, Hayata-san, muere en un encontronazo con su nave, pero en ese mismo momento, una fuerza alienígena le transfiere sus poderes y le resucita. A partir de entonces, y usando un objeto especial, Hayata-san puede dejarse poseer por el espíritu de esa criatura y convertirse en Ultraman durante tiempo limitado, un superhéroe de dimensiones gigánticas (40 metros de altura) y con poderes especiales que le convierten en el gran superhéroe japonés, su propio Superman. Un personaje que ha ofrecido un repertorio de gritos (¡CHA!), poses molonas, ataques especiales, y un sinfín de monstruos curiosos, como veremos a continuación.

¡Menudo cuerpo serrano tiene el tío!

Los Ultras viendo un partido (¿habéis pillado el chiste, no? Festival del Humor.)

Hoy en día podemos decir que la fórmula que seguía Ultraman en cada capítulo se ha ido perpetuando hasta nuestros días en todas las series de TV de Tokusatsu, como puede ser Kamen Rider y tantas otras Super Sentai, Metal Hero, etc. La fórmila es la siguiente: prácticamente en cada episodio aparece un nuevo villano, una misteriosa amenaza que provoca problemas (asesinatos, desastres), el héroe en cuestión junto con sus compañeros tendrá que investigar el suceso, una vez se consigue llegar al enemigo aparece Ultraman, en este caso, y salva la situación (apurando al máximo su tiempo de transformación para darle emoción al asunto). Pero vamos a pararnos un momento en lo primero, los villanos, una de las características más importantes del género, y al mismo tiempo de lo que más horroriza a los neófitos por sus estrafalarios diseños. Pero pensad un momento en esa necesidad de tener que inventar un nuevo monstruo para cada capítulo, ¿parece imposible no? Pues 40 años después siguen sacando nuevos monstruos en todas las series tokusatsu. Y sí, a veces hay auténticas aberraciones, pero también hay trajes realmente gloriosos y originales, y algunos quizás ridículos como enemigos, pero tremendamente simpáticos. Pero he aquí la anécdota curiosa, en el capítulo 10 del Ultraman original parece que se les habían acabado las ideas o que no habían tenido tiempo de sacar algo nuevo, así que se inventaron a Jirass…

¿Os resulta un poco familiar? Es posible. El traje en cuestión, con un añadido cutre, es ni más ni menos que el cuerpo del Gojira de 1964 con la cabeza del mismo en 1965. Increíble la desfachatez que tuvieron en hacer algo así (y tremendamente casposo el momento torero), pero lo cierto es que no ha sido esta la tónica habitual, y desde la Arcadia queremos profesar nuestra admiración a todos aquellos talentos que semana tras semana nos sorprenden con esos trajes que, para algunos pueden parecer ridículos, pero tras los cuáles hay un gran trabajo de diseño y confección, y mucha. mucha imaginación. Y pensad que los superhéroes americanos siempre acaban luchando contra los mismos malos, lo cual no tiene mucho mérito, en cambio en las series Tokusatsu prácticamente cada capítulo intentan sorprender al espectador.

Y hablando de sorpresas… atención al siguiente crossover de ensueño…

Una advertencia, eso de que Kamen Rider aumente de tamaño es una “licencia poética” de este capítulo.

Aunque seguramente el valor simbólico e histórico-social de Ultraman no llega a las cotas del fenómeno que es Gojira, y seguramente, a pesar de los derroteros que tomó en ciertos momentos Gojira, Ultraman siempre ha sido un personaje más infantil. pero lo cierto es que estamos una vez más ante uno de esos productos indispensables de la cultura Pop japonesa, un personaje profundamente arraigado en el país, y muy importante para el género del Tokusatsu, sobretodo a nivel televisivo. Por lo tanto de visión obligada para todo aquel que quiera entender o estudiar la cultura popular japonesa televisiva.

A todo esto, y ya que estamos haciendo esto a 6 manos, quería lanzarle una pelota a Marc Bernabé, respecto al Ultrahéroe de Shin-chan. El personaje en el japonés original se llama Action Kamen, lo cual haría pensar más en Kamen Rider, pero su traducción nos lleva a Ultraman. La pregunta es, ¿Usui estaba parodiando a Kamen Rider, a Ultraman o era una fusión de los dos?

Aunque uno pueda pensar que esa pose es muy Ultraman, a mí me recuerda más a la de Kamen Rider, ¿qué pensáis?

Ultraman rocks the world

Como ya hicimos en el anterior post, hemos querido ver algunos de los homenajes o giros musicales del personaje que estamos tratando. Lógicamente no encontraremos tanto material ya que el personaje no tuvo la misma trascendencia fuera de Japón que Gojira. Pero hemos encontrado algunas cosas curiosas…

Una versión “a la scatman” de Ultraman

Nota aclaratoria: Scatman John fue un músico muy popular en su momento en Japón y se han hecho muchas parodias.

Y por último algo que ya mostramos en su momento, pero no podemos evitar volver a sacarlo, ¡Ultraman Ukelele! WTF!

¡Y menudas portadas para el disco!

Rock Star!

¡Impresionante! Sin palabras, ¡caspa 100%!

¡No dejéis de visitar los posts del NEXO #TLQM en Publicidad Japón y Mangaland sobre Ultraman!

14
dic
09

Nexo TLQM: Godzilla

Saludos cosmonautas,

como avanzábamos el viernes pasado, esta va a ser la semana del NEXO #TLQM dedicada al Tokusatsu. Esto significa que durante esta semana tanto en Mangaland, como en Publicidad Japon (y puede que Pepinismo),  trataremos los mismos temas, cada uno desde su particular enfoque y área de interés particular. En esta ocasión nos toca hablar del mítico Godzilla (o Gojira, que es como deberíamos llamarle en realidad), un monstruo que se ha convertido en uno los iconos más conocidos de Japón, que ha trascendido el propio género del tokusatsu, convirtiéndose en un gran y poderoso símbolo nipón. Marc Bernabé en Mangaland hará una reseña de los manga de Gojira, Adrián Montiel hará un repaso a la publicidad que ha usado al monstruo y aquí en la Arcadia nos encargaremos de la parte cinematográfica, pero también haremos un pequeño inciso en la influencia de Godzi a nivel musical.

En su momento ya hicimos una completa reseña de la que fue la primera película de Gojira en el año 1954, pero en esta ocasión queremos daros un visión algo más global del fenómeno Gojira cinematográfico, aunque sin entrar a hacer grandes valoraciones críticas de cada película. En primer lugar, porque no las hemos visto todas, pero también porque no acabaríamos nunca.  Así que lo que pretendemos es dar una visión algo más global de lo que es la saga cinematográfica de Godzilla basándonos en los visionados de un buen puñado de películas, pero también en las lecturas de algunos libros y también de otros blogs (os recomendamos encarecidamente que os paséis por la Dekabase para leer las reseñas de Deka Black sobre la saga). Para empezar a desgranar el monstruo de una forma más o menos coherente, lo mejor es empezar a dividir las películas de Gojira en 3 etapas, Showa, Heisei y Millenium, que representan enfoques del personaje más o menos diferenciados.

La evolución de Gojira en sus distintas etapas.

Era Showa (1954-1975)

Podríamos decir que fue la Edad Dorada, sobretodo por ser la primera, y además porque comprende aquellas películas que forjaron el mito y su particular universo (que iba a perpetuarse durante 50 años en varias entregas), a parte de ser las que de forma más obvia intentaban reflejar los miedos y las crisis que vivía o había vivido el pueblo japonés en la historia reciente. Es la era que comprende mayor número de películas con un total de 15 (nada desdeñable cantidad), aunque eso quizás también va en contra de la calidad de algunas de ellas. Se pudo apreciar una la evolución de los filmes de Godzilla en cuanto al tono que estas tenían, así como en el carácter del monstruo, que pasó de ser una gran amenaza a convertirse en el protector del país (e incluso en el amigo de los niños, provocando cierto estigma al género del tokusatsu).

Lo cierto es que la primera película se puede tratar como algo aparte del resto de la saga, y es que además es autoconclusiva y no daba pie a continuaciones (seguramente no esperaban tener tanto éxito en su momento). Pero quizás es distinta porque nació más con la intención de ser una película de terror que una película “de monstruos”. Y de hecho sigue algunas de las premisas de muchas películas de terror: desde situar muchos de los peligros durante la noche (y con una fotografía oscura y opresiva), hasta escondiendo al monstruo durante varios minutos, sugiriendo o mostrando su presencia de forma parcial. Además, es seguramente la cinta que tenía una mayor carga ideológica, un mensaje más directo y sentido: el terror a lo nuclear, la responsabilidad de los americanos, pero al mismo tiempo la responsabilidad de los japoneses por su pasado y su futuro (algo que ya tratamos de forma más profunda en nuestra anterior reseña). También es la película donde más influencia se puede ver de las producciones de terror de serie B americanas, aunque al mismo tiempo era la antesala de la creación del género del Kaiju Eiga.

La segunda parte, “Godzilla contraataca”, ya iniciaba la tendencia que se iría siguiendo a partir de entonces, la de enfrentar a Gojira con otros monstruos, a veces amigos, a veces enemigos, siempre espectáculo. Unas batallas que poco a poco irían convirtiendo a Gojira en un ser querido por los niños (algo que se notó también porque el aspecto del personaje empezó a ser cada vez más “amable” y humanizado), y que acabaría convirtiéndose, como ya hemos dicho, en el defensor de Japón. Mientras que algunos de los personajes que han aparecido a lo largo de la saga se han convertido en entrañables criaturas (ya sean buenas o malas) que se han repetido a lo largo de la carrera de Gojira, también han brindado a la saga algunos personajes detestados por muchos fans, como puede ser Megalon o Jet Jaguar (también conocido como “Superman” o “la copia barata de Ultraman”).

Las caras de Godzilla en la era Showa, en la que se puede ver esa “infantilización” del personaje (fuente original). ¿Se ha colado alguna foto de la era Heisei?

Era Heisei (1985-1995)

Después de 10 años de parón, Gojira renacía una vez más de sus cenizas en la era Heisei para ofrecer novedades, reformulando su nacimiento con “Gojira 1985″, una nueva interpretación del nacimiento del mito. En esta ocasión, Gojira vuelve a ser un monstruo peligroso y ya no es ese defensor de lo japonés. Pero lo que cambia es el contexto, ya que una vez más la actualidad del momento se impone, y el trasfondo de este particular remake es la Guerra Fría entre soviéticos y norteamericanos. Con esta nueva aproximación al mito se volvía en cierto modo a las premisas originales de Gojira en 1954, una película más oscura con una apariencia más terrorífica de Gojira (¡y mucho más grande!). Una vez más había ganas de asustar más que divertir, y lo cierto es que el propio contexto socio-político así lo inspiraba.

El resto de las películas de la era Heisei, siete en total, seguirían hasta cierto punto la misma línea, pero volviendo a incluir muchos de los monstruos o ideas que habían hecho avanzar la serie en la era Showa y algunos nuevos como Biollante (que venía a advertir de los peligros de la ingeniería genética) y se podría decir que en general fueron ofreciendo resultados bastante mejores que en algunas de las películas “showeras” finales. Entre ellas se cuentan “Godzilla vs. King Gidorah” y “Godzillas vs. Mothra”, dos auténticos clásicos ya de la saga (y esta segunda una de mis favoritas junto a la original – sí, exceptuando las interpretaciones, todo hay que decirlo), y quizás sean las películas de la era Heisei, junto con la primera y la original, las mejores formas de introducirse en el fenómeno sin salir malparado (toparse con alguna de las bazofias de la era Showa puede ser perjudicial).

El Gojira de la era Heisei (que acabó siendo mucho más agresivo que el de 1984), y asusta un poquitín bastante más.

Era Millenium (2000-en adelante)

La saga Millenium es por ahora la gran desconocida en la Arcadia ya que hasta ahora no hemos podido ver ninguna de las películas que forman la etapa moderna de Gojira. Lo cierto es que en China nos agenciamos un DVD piratilla de la última películaa, pero al no ser cierto lo que pone en la carátula sobre los supuestos subtítulos en inglés (a no ser que ahora el inglés se escriba con hanzi), nos hemos tenido que quedar con las ganas. En cualquier caso, y por lo que hemos podido leer por ahora, la etapa Millenium, que aparecía después de que Toho recuperara los derechos sobre el monstruo, es otra vuelta de tuerca más al mito, con un Gojira que, de nuevo, se convierte en un personaje más agresivo que sus predecesores, que va a obviar mucho de lo acontecido en el pasado, y ofrecerá mucho más espectáculo a nivel de efectos especiales.

Cabe destacar de esta época el hype creado con “Godzilla: Final Wars”, la película que ha finiquitado la saga (por ahora) y que celebraba el 50 aniversario de la creación de Gojira. Fue dirigida por un director un tanto especial, Ryuhei Kitamura, conocido por películas de acción y espadas como “Versus” o “Azumi”, y fue el encargado de ponerle el broche final a la Era Millenium rescatando muchos de los monstruos de la saga para una “guerra final” con Gojira. Como os decíamos aún no hemos podido verla, pero a pesar de las malas críticas que ha recibido, estamos ansiosos por ver el trabajo de Kitamura, un director “moderno”, con un personaje tan clásico.

El Gojira del “milenio” da más miedo que el cambio climático y la crisis financiera juntos.

Reflexiones finales a propósito del monstruo

A la hora de hacer una valoración cinematográfica de la saga de Gojira hay que recordar que estamos hablando de 28 películas que se han realizado a lo largo de 50 años, lo cual es una peli cada dos años más o menos. Quizás nos faltaría perspectiva histórica para poder hacer una buena valoración (y vernos todas las películas). Es por ello que evitaremos caer en la autoflagelación que se suele dar en los fans del kaiju eiga diciendo que son películas de poca calidad, e insistiremos en que el género juega con sus propias reglas, y que en 28 películas hay lugar para lo bueno, lo malo, lo excelente y lo patético. Pero para nosotros, lo más importanta de la saga de Gojira no radica en si sus películas son de calidad o no, si sus trajes convencen a los occidentales o no, o si sus maquetas, sus efectos especiales, y sus actuaciones son aceptables para cierto tipo de público. Estamos convencidos de que desde una perspectiva cinematográfica profundamente occidental, las películas de Gojira tienen pocos números para convencer a una mayoría de público de la misma forma que en Japón. Pero es que precisamente Gojira es un producto muy nipón, tanto en los aspectos más superficiales, como en los más profundos. Y a eso vamos. Gojira es un testimonio de la historia de Japón, ha estado ahí durante 50 años midiéndole el pulso a la sociedad japonesa, y más concretamente a todos aquellos miedos y preocupaciones que podían tener. Fue una válvula de escape cuando los japoneses seguían lamiéndose las heridas de la Segunda Guerra Mundial y un brutal ataque atómico, Gojira estuvo ahí cuando su relacion con EEUU se afianzó, y también cuando el peligro soviético preocupaba a medio mundo, mientras que el otro medio le preocupaba el capitalismo. Por eso decimos que Gojira es más una película o 28, Gojira es un icono, Gojira es historia. Y si además, la forma de contar esta historia es a través de grandes monstruos de latex o spandex, con extraterrestres, cientificos locos, armas imposibles y otras paranoias de por medio… señoras y señores, estamos ante un producto tan japonés y tan friki que, en definitiva, es la esencia de TLQM.

Listado de películas (extraído de El Pozo de Sadako)

Showa:

  • Gojira (Godzilla: Japon bajo el Terror del Monstruo, 1954)
  • Gojira no gyakushu (Godzilla El Rey de los Monstruos, 1955)
  • King Kong vs. Godzilla (King Kong contra Godzilla, 1962)
  • Mosura tai Gojira (Godzilla contra los monstruos, 1964)
  • San daikaijû: Chikyu saidai no kessen (Ghidorah: el monstruo de tres cabezas, 1964)
  • Kaijû daisenso (Los Monstruos Invaden la Tierra, 1965)
  • Gojira-Ebira-Mosura: Nankai no daiketto (Los Monstruos del Mar, 1966)
  • Kaijûtô no kessen: Gojira no musuko (El Hijo de Godzilla, 1967)
  • Kaijû sôshingeki (Invasion Extraterrestre, 1968)
  • Gojira-Minira-Gabara: Oru kaijû daishingeki (La Isla de los Monstruos, 1969)
  • Gojira tai Hedora (Hedorah, La Burbuja Tóxica, 1971)
  • Chikyu kogeki meirei: Gojira tai Gaigan (Galien, el Monstruo de las Galaxias ataca a la Tierra 1972)
  • Gojira tai Megaro (Gorogo y Superman se citan en Tokyo, 1973)
  • Gojira tai Mekagojira (CiberGodzilla, Maquina de Destrucción, 1974)
  • Mekagojira no gyakushu (Godzilla contra MechaGodzilla, 1975)

Heisei

  • Gojira (Godzilla, 1984)
  • Gojira tai Biorante (Godzilla contra Biollante, 1989)
  • Gojira tai Kingu Gidorâ (Godzilla contra King Ghidorah, 1991)
  • Gojira tai Mosura (Godzilla contra Mothra, 1992)
  • Gojira VS Mekagojira (Godzilla contra Mechagodzilla, 1993)
  • Gojira VS Supesugojira (Godzilla contra SpaceGodzilla, 1994)
  • Gojira VS Desutoroia (Godzilla contra Destoroyah, 1995)

Millenium

  • Gojira ni-sen mireniamu (Godzilla 2000, 1999)
  • Gojira tai Megaguirus: Jii Shômetsu Sakusen (Godzilla contra Megaguirus 2000)
  • Gojira, Mosura, Kingu Gidora: Daikaijû soukougeki (Godzilla, Mothra y King Ghidora: El Ataque total de los monstruos gigantes, 2001)
  • Gojira tai Mekagojira (Godzilla contra Mechagodzilla, 2002)
  • Gojira tai Mosura tai Mekagojira: Tôkyô S.O.S. (Godzilla, Mothra y Mechagodzilla: Tokyo S.O.S., 2003)
  • Gojira: Fainaru uôzu (Godzilla: Final Wars, 2004)

Por cierto, si alguien ha echado en falta que mencionáramos los remakes americanos, que conste que ha sido aposta. Y por otro lado, si alguien ha echado de menos que habláramos de la película americana titulada “Godzilla”, que tenga en cuenta que nosotros la consideramos un spin-off de Jurassic Park y para nada una película de Gojira.

Godzilla Rock Star

Como buen icono cultural que es, Godzilla es un recurso para crear y crear más y más contenido, ya sea en forma de manga o anuncio publicitario, y por qué no, en el campo musical. Han sido varios los grupos que se han inspirado o directamente usado a Godzilla para sus canciones (Wikipedia).

Blue Oyster Cult ” Go Go Godzilla”

Sepultura “Biotech is Godzilla” (con subtítulos en catalán)

Lostprophets “We are Godzilla, You are Japan”

Aviador Dro “Godzilla”

Dorso “Mothra vs. Godzilla”

Niña- Godzilla

Gojira “Remembrance” (en este caso es el nombre de la banda, y no de una canción, y precisamente son una banda muy “ecologista”, lo cual encaja mucho)

¡Ahora no te pierdas los posts del NEXO #TLQM sobre Godzilla en Publicidad Japón (por Adrián MONTIEL) y Mangaland (Marc BERNABÉ)!

11
dic
09

1a Semana Temática NEXO TLQM

Saludos cosmonautas,

En alguna ocasión ya habéis leído reseñas “dobles” o incluso “triples” realizadas en colaboración con otros blogs. En esas otras veces, lo que se hacía era decidir una obra manga en concreto, leerla los responsables de los blogs implicados y, sin que nadie leyera la reseña escrita por los demás, publicar las reseñas al mismo tiempo en los respectivos blogs. Así se obtienen distintos puntos de vista sobre una misma obra, lo que resulta muy interesante. Y es algo que ya hicimos con Gamma el Hombre de Hierro y Capitán Harlock.

Esta vez hemos querido darle una vuelta de tuerca al concepto y proponer una “semana temática” entre blogs afines, lo que hemos venido llamando el “Nexo TLQM” (Nexo Todo Lo Que Mola). Esta primera semana la dedicamos al género del tokusatsu y en ella participan Mangaland, La Arcadia de Urías, Publicidad Japón y, algunos días, Pepinismo se apuntará a la movida.

Los cosmonautas ya deberíais saber que es el tokusatsu, pero hagamos un repaso. La palabra japonesa 特撮 tokusatsu viene a significar literalmente algo como “filmación especial”; básicamente, y a grandes rasgos, es lo que conocemos en cine como “efectos especiales”. Sin embargo, la palabra tokusatsu ha cobrado un sentido más concreto que ese y se ha incorporado al vocabulario internacional al igual que otras palabras como anime, manga, otaku, etcétera. Así, cuando hablamos de tokusatsu nos referimos a esas producciones tan típicamente niponas en las que básicamente tenemos a actores enfundados en llamativos trajes de látex que luchan contra el mal (Ultraman, Kamen Rider, GoRangers, Power Rangers…) y a actores enfundados dentro de trajes de monstruos a cuál más peculiar (Godzilla, King Gidorah, Mothra, Gamera…).

El nacimiento “oficial” del tokusatsu se produjo en 1954 con el estreno de la película Godzilla (Japón bajo el terror del monstruo), lo que convierte a su director, Ishirô Honda, y a su director de efectos especiales, Eiji Tsuburaya, en los verdaderos “padres” del género, especialmente este último, que crearía con el tiempo a varios de los héroes y los monstruos más carismáticos del tokusatsu. Y otro de los grandes especialistas del género, en los años 70, fue ni más ni menos que Shôtarô Ishinomori, el “rey” del manga (autor de los manga de Kamen Rider, Kikaider y los GoRangers).

Durante esta semana, pues, haremos lo siguiente: La Arcadia de Urías comentará una película o serie representativa del tokusatsu, es decir, la “versión original”. MangaLand, fiel a su filosofía de presentar solo manga, hará una reseña de alguno de los manga basados en la obra en cuestión. Por su parte, Publicidad Japón se dedicará a localizar y comentar anuncios y campañas relacionados con esa obra o inspirados en ella. Finalmente, Pepinismo se incorporará con alguna reseña en algunos de los días.

El planning de la semana es el siguiente:

Lunes 14 diciembre: Godzilla

Martes 15 diciembre: Ultraman

Miércoles 16 diciembre: Cyborg 009

Jueves 17 diciembre: Kamen Rider

Viernes 18 diciembre: Varios

¡Esperamos que te guste la iniciativa! ¡Y lo bueno es que esto no quedará aquí, ya que tenemos otra semana temática planeada para enero!

10
dic
09

“Las fotocopias de Dragon Ball” por el Profesor Hurías (1de2)

Saludos cosmonautas,

ya hace varias semanas el blog de Marc Bernabé reventaba después de que se meneará su post sobre las fotocopias de Dragon Ball. Esto nos demuestra lo importantes que llegaron a ser esas fotocopias en su momento y el cairño que, a día de hoy, se sigue teniendo a ese fenómeno. Hoy queremos hablaros de esto desde otro punto de vista,  hemos fichado a un experto que nos ilustrará con algunas reflexiones al respecto. Una profesor URIversitario que, bueno… mejor que se presente él mismo porque, fufff… ¡menudo tío!

También en DailyMotion.

Próximamente haremos una segunda parte para mostraros con más detalles la colección de fotocopias de Urías y otros artículos “dragonboleros” interesantes.

09
dic
09

¡Chicas! Ya podéis lucir la moda TLQM

Saludos cosmonautas,

ya están aquí, ya han llegado, las fabulosas camisetas #TLQM han llegado a la Arcadia en sus bonitos plasticos y en sus múltiples tallas, a puntito todo para la Cumbre #TLQM del jueves 10 de Diciembre. La gran novedad que ya confirmamos en su momento, es que tenemos los modelos para chica, ¡y lo bien que han quedado, oiga! Mirad, mirad, las camisetas de chicas en todo su esplendor.

Y esto no es algo que deban comprar solo las chicas… porque chavales, seguro que pensáis que vuestra novia es #TLQM, ¿no? Pues demostrádselo, y les regaláis la camiseta a su medida. Por cierto, hablando de medidas, más abajo os hemos puesto las de las camisetas, para aquellos indecisos en cuanto a la talla.

Esta es la primera remesa que hemos pedido. ¿A que son bonitas? ¡Y estamos pensando ya en hacer nuevos diseños… ¡a demanda! ¿La quieres en japonés? La tienes. ¿La quieres en otro color? La tienes. Venga, venga, ¡pedid, pedid! ;-)

Si quieres una solo tienes que mandar un email indicando tallas y cantidad a laarcadiadeurias@gmail.com. Más detalles aquí.

TALLAS en cms.

CAMISETAS CHICA
ANCHO
LARGO
S
41
56
M
42
58
L
43
60
XL
44
62
CHICO

ANCHO

LARGO

S
48
65
M
52
69
L
56
73
XL
60
77
XXL
63
81
XXXL
65
85
09
dic
09

Hong Kong: Los contrastes de Central

Saludos cosmonautas,

en el post sobre viajes de esta semana seguimos repasando nuestro último viaje a China. Hace mucho que no subíamos un vídeo de viajes, y esto no puede ser… en esta ocasión es un vídeo más musical que otra cosa (más al estilo Neki), pero no por ello falto de contenido. El vídeo en cuestión es un paseo por Central, la zona más puntera de Hong Kong, donde se encuentran los grandes edificios y los grandes lujos de la isla, un contraste considerable con la zona de Kowloon… pero lo cierto es que estos contrastes se pueden encontrar incluso dentro del propio Central, si no se lo creen pasen y vean… (Además, en el video de hoy tenemos a un invitado especial, quien muy amablemente nos acompañó para cenar un suculento Hot Pot, ¡gracias Chicharrero!)

También en YouTube.

Más sobre Hong Kong: El Paseo de las Estrellas, Publicidad Impactante, Hong Kong (1993-2009)

07
dic
09

La Cumbre de #TLQM: promoción

Saludos cosmonautas,

ya queda muy poco para que tenga lugar uno de los mayores eventos que se han podido montar a través de la blogosfera y Twitter. Olvídate del EBE, olvídate de los premios Bitácoras o los premios 20minutos, lo que se avecina es la cumbre más MOLONA que hay: la Cumbre del Nexo #TLQM.

También puedes verlo en YouTube en HD.

Con esta Cumbre queremos compartir una noche en un restaurante japonés auténtico con todos aquellos bloggers y twitters que sienten una afinidad especial por todos aquellos temas relacionados con Japón en particular, y por TODO LO QUE MOLA en general.

Aunque la sede central de esta cumbre tendrá lugar en el restaurante Tempura-ya de Barcelona a partir de las 21h del jueves 10 de Diciembre, no hemos querido en absoluto reducir al evento a un encuentro barcelonés. Es por ello que hemos animado a todo el mundo a montar su propia cumbre #TLQM en su ciudad el mismo día y a la misma hora, para luego conectarnos via Skype y charlar un rato. Por el momento, y aunque son pocos, los únicos que se apuntan al bombardeo son unos pocos madrileños (¡a ver si se apunta más gente). Si crees que encajas en esta cumbre ponte en contacto con nosotros y te diremos como apuntarte a la lista (pero date prisa, ¡solo faltan 3 días para la cumbre y hay que hacer reservas!).

Os anunciamos también que aprovecharemos la cumbre para entregar los pedidos de camisetas #TLQM a sus legítimos propietarios, si quieres la tuya pídela cuanto antes y pueda que Urías pueda entregártela en mano. Más información sobre las camisetas aquí.

Estamos ansiosos por reencontrarnos con gente como Ale, Roger, Marc, Madam Beus, Albert, Adrián, y también por conocer en persona a un montón más de gente. ¡Nos vemos en la Cumbre #TLQM!

Y finalmente queremos dar las gracias a los siguientes sujetos por prestar sus caretos para nuestra promoción, ellos son #TLQM.

Davigimon

Getres

Madam Beus

Turris0_0

Willi

James McDohl, que no ha aparecido en el video por tener, según él, una cara irrenderizable.

Tenemos también aquí a @suranpu mostrando su apoyo, ¡junto al mismísimo Sembei Norimaki!(brutal esa figurita). Un aplauso también para suranpu, ¡qué el sí que ha gastado en tinta! (aunque me huele que le ha salido gratis).

OTROS BLOGS QUE PROMOCIONAN LA CUMBRE:

Publicidad Japón

Sopa de Quarks

04
dic
09

La Entrevista Pirata: Marc Bernabé (3/3)

Saludos cosmonautas,

finalmente, después de un sinfín de problemas técnicos, hemos podido subir en unas condiciones más o menos aceptables la tercera y última parte de la Entrevista Pirata que le hicimos al traductor, arqueólogo del manga, y líder de opinión en cómic keniata, Marc Bernabé (click en los links para la primera y la segunda parte). En esta ocasión hablaremos de su blog Mangaland, reflexionando un poco en cuanto a la salud y la madurez del lector de manga medio.

La versión que tenemos subida es de dudosa calidad, pero se puede ver y escuchar perfectamente. Hemos decidido subirla por demanda del público y tan pronto tengamos una versión de mejor calidad la subiremos (hoy mismo si es posible):

También puedes verlo en YouTube.

03
dic
09

Infiltrado en una banda de Black Metal: Dimmu Borgir (2de2)

Saludos cosmonautas,

seguimos hoy con la segunda parte del Tour Report que hicimos en el 2004, cuando acompañamos a una de las bandas de Black Metal de más éxito de ayer y de hoy, Dimmu Borgir (leed aquí la primera parte).

Os dejamos la última vez con la incógnita de si Peter Tagtgren, líder de los míticos Hypocrisy, iba a aparecer en el escenario o no después de una larga sesión de borrachera la noche anterior. El bajista de la banda llegaba preocupado porque Peter no se levantaba, tirado en el suelo del autobús, apenas reaccionaba. ¿Habría que cancelar la actuación?

El eficiente Jez, la máxima autoridad de la gira, no estaba dispuesto a permitirlo y tuvo que ir directo hacia el bus y prácticamente sacar a Peter tirándole de las orejas para meterle en una ducha que él no quería darse (“A mí no me va a joder la gira una estrella del Metal borracha, ¡por mis huevos!” – debió de pensar el tour manager en ese momento). Finalmente consiguieron que Peter se subiese al escenario para que Hypocrisy diesen una actuación correcta pero con una obvia falta de energía por parte de su frontman (aunque los fans, lógicamente, ni se imaginaban lo que había pasado escasos minutos antes). El repertorio de la gira era bastante variado en cuanto a selección. Teníamos un tema del “Osculum Obscenum” del 93, algunos del “Fourth dimension”, énfasis en el “Abducted” con unos tres temas, la imprescindible “Final chapter”, así como“Fire in the sky”, una concesión al disco que no convenció a todo el mundo “Catch 22”, y si no me equivoco, un tema de su próximo álbum que pronto será editado (lógicamente ya ha sido editado, ¡han pasado 5 años!) .

Peter Tagtgren lo consiguió.

Hypocrisy abandonaban el escenario y todo se preparaba para la actuación de Dimmu Borgir, por fin podría verles en óptimas condiciones, o al menos en mejores condiciones que la noche anterior. La verdad es que la última vez que había visto a Dimmu Borgir en directo su actuación me dejó bastante frío y con no demasiadas ganas de asistir a muchos más conciertos suyos. Pero debo decir que esta vez me sorprendieron, no soy el único que lo piensa, parece que estos chicos han mejorado mucho en cuanto a directos y ahora son capaces de ofrecer un show intenso y de calidad. El fallo más grande que vi en esta gira fue un repertorio que para mi gusto no era el más acertado. Obviamente se centraron en su último “Death Cult Armageddon”, un disco que al contrario que el compañero que realizó el comentario para Hell Awaits, creo que es superior a su predecesor y que ofrece temas interesantes y novedades en cuanto a sonido que consiguen despertar un interés que algunas veces se pierde. El protagonismo de las guitarras es realmente importante en este disco, los riffs que seguramente ha aportado Galder son realmente potentes, y además se han recuperado algunas atmósferas y melodías que parecían algo olvidadas en Dimmu Borgir. Precisamente esos riffs dieron mucho juego en el directo y sonaron realmente bien, sin duda son temas que al contrario que algunos que encontrábamos en “Puritanical Euphoric Misanthropia” funcionan muy bien encima del escenario.

El repertorio de Dimmu Borgir de la gira “Death Culth Armageddon” (fijaros que hay una nota donde se especifica que hay que hacer para coordinar las luces y la canción en un momento concreto.)

Pero insistiendo en el repertorio que usaban en esta gira, hay que reconocer que no se olvidaron ninguno de sus discos, ni siquiera de su primer “For All Tid”, tampoco faltaron “Stormblast”, “Spellbound”, algunos temas del “Spiritual Black Dimensions” que fueron los que menos me convencieron en cuanto a elección, y un final siempre aclamado con la imprescindible e ineludible “Mourning Palace”.Sin duda alguna me habían convencido, estaba contento por eso y mientras ellos se duchaban me pasé un rato por la afterparty que se celebraba en una sala contigua, y que en ese momento, a la espera de que se uniesen a la fiesta los miembros de los grupos, no parecía muy interesante. Me fui otra vez a recluirme en al autobús y distraerme observando a los fans que iban abandonando el recinto poco a poco. Al poco rato la escena anterior al concierto se repetía, alguno de los roadies descansaba en el autobús y Nicholas seguía con su cachimba. Para su alegría, un amiga suya de Murcia  le hizo una visita junto a algunos amigos, subieron al autobús para charlar un rato y realmente fue gracioso ver como 3 o 4 chavales no sabían como ponerse y se quedaban contemplando al amable pero silencioso y calmado Nicholas.

Una enorme cruz metálica invertida a lo rueda dentada presidía el escenario de Dimmu Borgir.

Al rato me puse a mirar por la ventana a raíz de unos comentarios que había hecho Galder a sus compañeros. La escena creo que habla por si sola, y yo no quiero hacer conjeturas, así que cada uno piense lo que quiera. Ahí fuera estaba Galder, hablando con un par de muchachitas que habían asistido al concierto, mientras él se hacía un poco el tímido, ellas hablaban entre si, parecía que tenían que tomar una decisión respecto a algo. Al final se fueron con Galder y se subieron a la parte de arriba del autobús, ¿era para enseñárselo? Mi curiosidad periodística empezó a hervir en mis venas, y a los quince minutos no podía aguantar más, cogí toda la valentía que pude en ese momento y subí a la parte de arriba para ver que pasaba esperando encontrarme con una escena de proporciones rockeras, pero ahí no había nadie. En menos de un cuarto de hora las chicas habían subido al autobús y se habían ido, y si la intención era enseñárselo hay que decir que no se pasaron por la parte de abajo, que suele ser la más visitada y la más interesante. Así que, como ya he dicho, que cada uno saque sus propias conclusiones al respecto ;-).

Galder de Dimmu Borgir en Valencia.

Horas después la afterparty se había acabado y todo el mundo tenía que subir de nuevo al autobús para el viaje a Barcelona. Debían ser las 4 de la madrugada cuando abandonamos Valencia. Pero como es habitual, ahora empezaba la fiesta. La parte de abajo del autobús estaba repleta de gente, los roadies, Jez, Silenoz, Galder, Mustis, Vortex, la novia de éste… todos ahí embutidos para distraerse de la mejor manera posible. Al que en ninguna ocasión pude ver en plan “festivo” fue a Shagrath que pasaba bastante desapercibido durante todo el día y que prefería relajarse a su manera, ya sea comiendo yogures (una imagen curiosa de ver sin duda alguna: “Shagrath comiendo un yogur”) o mirando películas en su soledad. Pero yo si tenía ganas de hacer algo más que mirar y antes de irme a dormir acepté la oferta de Vortex de jugar a ajedrez. Vaya mierda, aunque se lo puse difícil al principio acabó ganándome las dos partidas que jugamos, por lo tanto Dimmu Borgir 2 – Hell Awaits 0. Después le tocaba el turno a Kristeen, que requirió mi ayuda para intentar derrocar al campeón. Mala elección. Kristeen no quería más mi ayuda y se la pidió a uno de los portugueses, otra mala elección, Vortex era imbatible. Después contó que aprendió a jugar durante su gira con Susperia; que por entonces siempre perdía, pero el día que empezó a ganar a la gente de Susperia ya no paró, y seguía imbatido desde entonces. ¿Quién iba a imaginarse que en Dimmu Borgir encontraríamos al nuevo Kasparov? Después de tanta sangre monárquica vertida había quedado algo agotado y me fui a dormir “temprano”, casi a las seis de la mañana.

Vortex se regodea por su victoria.

12 Octubre

Esta vez sí puedo decir eso de : “me levanté a eso de las once de la mañana”, con la siempre agradable sensación de estar de nuevo en casa. Seguí con el ritual de siempre, calzarme e ir directamente hacia la sala y la mesa de catering. ¡Comida!¡Comida!¡Comida! No es que se pase hambre durante una gira, al menos no me ha pasado, pero el horario y la frecuencia de las comidas es realmente extraña e irregular, aunque es opcional comer cada vez. El horario sería el siguiente: una vez se ha llegado a la sala uno se encuentra con la mesa del “desayuno”, esta suele permanecer ahí durante todo el día y el picoteo es constante, ya sean sandwiches de salami y patatas fritas, yogures, fruta o chocolatinas… Normalmente esto sirve de comida para la mañana y para el mediodía, dependiendo de lo pronto que uno se ha levantado. A eso de las cuatro o cinco de la tarde llegaba la hora de comer McDonald’s, ¿cómo cena?, no exactamente, ya que unas horas después existe la opción de comer algo decente en la misma sala, al menos en las que disponen de cocina. Sin duda esto es la cena, pero todavía queda otra comida por delante, ya que justo después del concierto llega el chico de las pizzas, que acaban siendo devoradas en su mayoría en el autobús o mientras los grupos se van duchando. A pesar del trabajo físico que requiere una gira, parece que perder peso no es cosa fácil, al menos con estos planes dietéticos tan saludables.

La ropa de concierto de Shagrath, vocalista de Dimmu Borgir. No conseguí descubrir si lavan o no la ropa durante la gira. Aquí solo la “ventilaban”.

La verdad es que la estancia en Barcelona fue igual o quizás algo más aburrida que la de Valencia (¡en la sala Razzmatazz 2 no se podía jugar a futbol!), que novedad, ¿no? Una vez más me pasé el día deambulando arriba y abajo, sentándome aquí y allí e intentado ver que hacían mis sujetos de observación, que era poca cosa o nada, si es que llegaba a verles. ¿Incidencias destacables? Quizás los problemas técnicos y la competencia de la que hacía gala el personal de la sala ocupado de la parte técnica, o al menos eso es lo que quiso decir el técnico de sonido de Dimmu Borgir cuando gritó a viva voz: “algún día vendré a España y algo funcionará bien”. Gran opinión tienen todos los roadies respecto a como se hacen las cosas en estas tierras, aunque yo no soy quien para juzgar, pero los problemas técnicos en las giras españoles son constantes y habría que ver que pasa en otros países.

Y pasando el tiempo como podía acabó llegando la hora del concierto. Peter, con la gran resaca, juró que hoy no bebería más… es decir, cerveza, hoy solo cubatas. Yo me reí para mis adentros y me fui directo a ver a Norther. Su actuación fue convincente y muy correcta. Nadie puede decir que Norther no sean buenos en lo que hacen y que no dominen casi a la perfección sus respectivos insturmentos musicales. Pero hay una barrera que parece ser realmente difícil de romper, tanto por parte de ellos para llegar al público, como por parte del público para aceptarlos. Su estilo se parece en exceso a Children Of Bodom, demasiado. Para un fan radical puede que eso sea bueno, todos aquellos que disfruten de los populares finlandeses y quieran más, seguro que estarán encantados con Norther. Pero para los que bandas como Children Of Bodom nos gustan con cierta medida, sin abusar demasiado, Norther tienen poco que aportar. Una vez más, eso es cuestión de gustos, y Norther se esfuerzan en hacer lo que más les gusta.

Respecto a la actuación de Hypocrisy poco más hay que decir aparte de lo que se ha dicho de su actuación en Valencia. Quizás habría que reconocer que esta vez Peter estaba mucho más despierto y con más ganas, lo que se traducía en más caras retorcidas y espantosas que de vez en cuando este frontman ofrecía al público.

Los jetos de Tagtgren, espectacular.

Ahora les tocaba a Dimmu Borgir, y era mi gran momento para hacerles las fotos “oficiales” para la revista. Se las había pedido desde hacia horas, pero obviamente no querían posar sin estar bien maqueados, y al contrario de lo que pueden pensar algunos flipados y algunas mamás, estos chicos no se van a dormir ni se levantan con los pinchos y el corpse paint encima. Insistí e insistí, pero no había manera. Finalmente, y gracias a la ayuda de Vortex conseguí que me hiciesen algo de caso, pero poco; Jez les metía prisa para que se subiesen al escenario y no me quedó más remedio que hacer totalmente a oscuras unas fotos detrás del escenario, y obviamente, al no ver absolutamente nada mientras hacía las fotos, no hubo manera de pillarlos a todos, en fin un desastre, sin pincho no hay foto y no hay nada que pudiese hacer al respecto.

Pasando de mi como de la mierda.

Shagrath se arregla el pelo antes de salir al escenario en Barcelona. Jez, el tour manager, lo controla todo desde atrás.

El concierto que dieron Dimmu Borgir estuvo a la altura de las expectativas creadas el día anterior, y a pesar de ello Vortex no quiso aceptar mi mueca de aprobación después de cantar en uno sus pasajes melódicos, un gesto de modestia por su parte. Aunque para ellos no fuese el mejor concierto que dieron, una vez más, por lo que había visto en ésta gira, y como parece que es la tónica general, el público de Barcelona fue el que más se entregó, más gritó y mas saltó.

Shagrath & Galder.

Por mucho que intente parecer malo, Vortex es un tío simpático.

Silenoz en pleno Headbanging.

A pesar de estar en Barcelona, lugar dónde me despedía de ellos, aún quedaba un buen rato de fiesta, ya que justo delante de la sala, en el mítico Pepe Bar se dio una afterparty muy concurrida. Mientras los dueños del bar intentaban emborrachar lo más rápido posible a todos los músicos y otros hacían relaciones sociales, yo me dediqué a jugar al futbolín. Primero fueron Mikael y Matthias los que jugaron un uno contra uno, pero después entraríamos Vortex y yo para jugar contra los Norther. El resultado no pudo ser mejor Selección Dimmu Borgir/Hell Awaits 7 – Norther 2, palizón en mi ultima competición oficial de la gira de Dimmu Borgir. Aunque sin mucho mérito por mi parte (siendo yo el goleador de la noche), ya que sus habilidades como jugadores de futbolín no van a la par con las de músico y ninguno de esos nórdicos mostró algo de habilidad en el juego. Tal es así, que cuando el dueño del bar se puso a jugar contra los Norther, éstos últimos se quedaron de piedra ante tanto alarde de técnica.

Que nadie haga la broma, ¡esto no es Panda Metal!

Había llegado el momento de conversar con la gente, el ambiente era muy distendido e incluso pude ver por primera vez a los chicos de Norther hablando con los otros grupos, ¡hasta conmigo! Me contaron que este era su primera gira de toda la vida, que lo máximo que habían conseguido era dar algún concierto en Rusia, aparte de tocar en Finlandia. Estaban realmente ilusionados por esta gira, y entonces me supo bastante mal que se les tratase, en varias ocasiones, de una forma algo marginal. Por suerte esa noche parecía que eso podía cambiar, no solo para ellos; sentí la misma sensación que había vivido con Soilwork (la otra gira en la que estuve, ya os contaré…),  de que cuando se empieza a tener más confianza con toda esa gente es justo el momento en que tienes que irte, realmente es una pena. Di las gracias a todo el mundo por su hospitalidad, a Vortex, a Jez por su buen hacer como Tour Manager, y en especial a los roadies, sobretodo a los portugueses, que habían hecho que mi viaje no resultase tan aburrido y me sintiese más acompañado, así que muchas gracias a ellos por ser como son. Y una vez hechos los agradecimientos, después de los abrazos, los intercambios de Email y el regalo especial que les endosé a cada uno (una maqueta de The Bleeding Sun y una camiseta), era el momento de marchar a casa, para dormir en una cama de verdad, para comer más saludablemente y a la hora que toca, y en definitiva, para alejarme de esa especie de fantasía con la que muchos hemos soñado, pero que una vez la tienes ante tus narices y puedes probarla, te bajas de la nube y empiezas a pensar que la realidad de una gira de un grupo musical se resume en una frase que dijo una vez el batería de Hypocrisy: “Bienvenido a la realidad de una gira de Metal – ¡sentarse todo el día a esperar!”




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